Naomi Watts tái hiện vẻ đẹp tranh tĩnh vật Hà Lan

Một trong những khoảnh khắc nổi bật nhất đêm diễn thuộc về Naomi Watts khi cô xuất hiện trong bộ váy Dior thiết kế riêng bởi Jonathan Anderson. Thiết kế nền đen được phủ đầy những họa tiết hoa rực rỡ, tạo cảm giác như một bức tranh tĩnh vật bước ra khỏi khung tranh cổ điển.

Điểm đặc biệt nằm ở phần làm móng được nghệ sĩ Iram Shelton thực hiện với 30 bông hoa 3D điêu khắc thủ công, khiến tổng thể càng thêm sống động. Bộ trang phục gợi liên tưởng mạnh mẽ đến tác phẩm “A Vase of Flowers” của nữ họa sĩ Margareta Haverman từ năm 1716. Dù chỉ còn lại hai tác phẩm được xác nhận của Haverman tồn tại đến ngày nay, phong cách hội họa của bà vẫn là biểu tượng cho vẻ đẹp hoa lá sang trọng và tinh tế của thời kỳ Baroque Hà Lan.

Naomi Watts đã mang tinh thần ấy lên thảm đỏ theo cách hiện đại hơn, nhưng vẫn giữ được sự mềm mại và lãng mạn của nghệ thuật cổ điển.

Chloe Malle mang “Flaming June” lên thảm đỏ

Chloe Malle, Giám đốc Nội dung Biên tập của Vogue Mỹ, lựa chọn một bộ váy vàng rực được thiết kế riêng bởi Colleen Allen. Ngay khi xuất hiện, thiết kế này khiến nhiều người lập tức liên tưởng đến kiệt tác “Flaming June” của họa sĩ Frederic Leighton.

Bức tranh nổi tiếng hoàn thành năm 1895 từ lâu đã được xem là một trong những hình ảnh mang tính biểu tượng nhất của nghệ thuật lãng mạn Anh quốc. Sắc vàng cam đặc trưng trong tác phẩm được Chloe Malle tái hiện đầy khéo léo thông qua chất liệu mềm mại cùng phom dáng uyển chuyển.

Điều thú vị là nhà thiết kế Colleen Allen chỉ mới ra mắt thương hiệu cá nhân từ năm 2024 nhưng nhanh chóng gây chú ý nhờ khả năng kết hợp màu sắc cổ điển với tinh thần thời trang đương đại. Bộ váy của Chloe Malle không chỉ là thời trang, mà còn giống như một bức tranh sống đang chuyển động giữa thảm đỏ Met Gala.

Eileen Gu và chiếc váy bong bóng như tác phẩm điêu khắc tương lai

Eileen Gu mang đến một trong những thiết kế táo bạo nhất sự kiện với bộ váy của Iris van Herpen hợp tác cùng bộ đôi nghệ sĩ A.A.Murakami.

Bộ trang phục gây choáng ngợp bởi hơn 15.000 bong bóng thủy tinh óng ánh được tạo hình thủ công. Những chi tiết này được kết nối bằng công nghệ hiện đại để tạo nên hiệu ứng như các chòm bong bóng đang trôi nổi quanh cơ thể.

Thiết kế khiến người xem liên tưởng đến các tác phẩm “PixCell” của nghệ sĩ Nhật Bản Kohei Nawa, nổi tiếng với việc phủ các hạt thủy tinh lên tượng động vật để tạo hiệu ứng siêu thực. Thời trang ở đây không còn dừng lại ở quần áo, mà trở thành sự giao thoa giữa khoa học, công nghệ và nghệ thuật đương đại.

Eileen Gu giống như bước ra từ một triển lãm nghệ thuật tương lai, nơi ranh giới giữa con người và tác phẩm gần như biến mất.

Anna Wintour mang cảm hứng từ những đôi cánh bướm

Là biểu tượng lâu năm của Met Gala, Anna Wintour tiếp tục khẳng định đẳng cấp với bộ váy Chanel Couture chuyển màu từ xanh lá nhạt sang xanh ngọc sâu thẳm.

Những họa tiết lấp lánh trên váy gợi nhớ đến đôi cánh bướm trong loạt tác phẩm “Kaleidoscopes” của Damien Hirst. Nghệ sĩ người Anh nổi tiếng với việc sử dụng cánh bướm thật để tạo nên những bố cục hình học đầy mê hoặc, vừa đẹp mắt vừa gây nhiều suy ngẫm về sự sống và cái chết.

Trang phục của Anna Wintour không quá phô trương nhưng vẫn tạo hiệu ứng thị giác mạnh mẽ. Bộ váy cho thấy thiên nhiên luôn là nguồn cảm hứng bất tận cho nghệ thuật và thời trang, đặc biệt khi được thể hiện qua lăng kính haute couture.

Emma Chamberlain hóa thành “Đêm đầy sao” hiện đại

Emma Chamberlain có lẽ là người mang tinh thần hội họa lên thảm đỏ rõ ràng nhất. Cô diện bộ váy Mugler được thiết kế riêng bởi Miguel Castro Freitas và được nghệ sĩ Anna Deller-Yee vẽ tay hoàn toàn.

Tông màu xanh lam và vàng rực rỡ lập tức khiến người xem nhớ đến bức “Đêm đầy sao” của Vincent van Gogh. Những lớp sơn dày cùng hiệu ứng bề mặt sống động cũng gợi liên tưởng đến nghệ thuật biểu hiện mạnh mẽ của Edvard Munch và phong trào Gutai của Nhật Bản.

Điều đáng kinh ngạc là phần họa tiết được thực hiện trong suốt 40 giờ và cần tới bốn ngày để khô hoàn toàn. Bộ váy giống như một bức tranh đang chuyển động, nơi từng nét cọ đều mang cảm xúc mãnh liệt.

Emma Chamberlain không chỉ mặc một bộ váy đẹp mà còn mang theo cả tinh thần của nghệ thuật biểu hiện lên thảm đỏ Met Gala.

Met Gala năm nay một lần nữa chứng minh rằng thời trang chưa bao giờ chỉ xoay quanh quần áo. Thông qua những thiết kế lấy cảm hứng từ hội họa và nghệ thuật đương đại, các ngôi sao đã biến thảm đỏ thành một không gian sáng tạo đầy cảm hứng.

Từ vẻ đẹp cổ điển của tranh tĩnh vật Hà Lan đến sự siêu thực của nghệ thuật công nghệ hiện đại, mỗi bộ trang phục đều kể một câu chuyện riêng. Và có lẽ đó cũng là điều khiến Met Gala luôn hấp dẫn: nơi nghệ thuật không nằm yên trong viện bảo tàng, mà bước ra đời thực bằng sự chuyển động, ánh sáng và cảm xúc.

Bạn có thể quan tâm:

• 10 xu hướng giày dép được dự đoán “phủ sóng” mùa hè 2026
• Bí quyết phối đồ cho mọi dáng người giúp bạn luôn mặc đẹp và tự tin
• Thời trang tối giản: Hướng dẫn xây dựng phong cách cơ bản, thanh lịch và vượt thời gian

1. Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci là một trong những nhân vật vĩ đại và có tầm ảnh hưởng lớn nhất trong lịch sử nhân loại. Ông là biểu tượng của Thiên tài Toàn năng (Renaissance Man) của thời kỳ Phục Hưng.

Ông sinh năm 1452 tại một trang trại bên ngoài làng Anchiano gần thị trấn Vinci, vùng Tuscany. Leonardo da Vinci không chỉ là một họa sĩ mà còn là nhà điêu khắc, kiến trúc sư, nhạc sĩ, bác sĩ giải phẫu, kỹ sư, nhà phát minh và nhà triết học tự nhiên. Ông có đóng góp to lớn trong nhiều lĩnh vực, xứng đáng với danh hiệu “Thiên tài toàn năng” (Renaissance Man). Ông bắt đầu học việc tại xưởng của Andrea del Verrocchio ở Florence từ năm 14 tuổi, nơi ông được học nhiều kỹ thuật hội họa, điêu khắc và cơ khí. Ông làm việc dưới sự bảo trợ của nhiều nhân vật quyền lực, tiêu biểu là Ludovico Sforza ở Milan và Vua Francis I của Pháp, nơi ông qua đời vào năm 1519.

Leonardo da Vinci nổi tiếng với việc áp dụng kiến thức khoa học đặc biệt là giải phẫu học, hình học và quang học vào các tác phẩm của mình. Ông đã tạo ra những tác phẩm kinh điển, sử dụng điêu luyện kỹ thuật Sfumato – kỹ thuật đặc trưng của ông, tạo ra sự chuyển đổi màu sắc và sắc độ một cách tinh tế, mềm mại, giúp các đường viền trở nên mờ ảo, tạo chiều sâu và thực tế cho bức tranh. Ông sử dụng sự tương phản mạnh mẽ giữa ánh sáng và bóng tối để làm nổi bật nhân vật và tăng thêm tính kịch tính. Các tác phẩm tiêu biểu của ông có thể kể đến là Mona Lisa The Last Supper, Vitruvian Man,…

Da Vinci không chỉ là một họa sĩ tài năng mà còn là một nhà khoa học và kỹ sư xuất chúng. Ông để lại hàng nghìn trang sổ tay chứa các bản phác thảo và ghi chép về nhiều cuộc mổ xẻ và phác họa chi tiết cơ thể người với độ chính xác cao chưa từng có hạt phác thảo các ý tưởng đi trước thời đại như máy bay (dựa trên cấu trúc cánh dơi), trực thăng, xe tăng bọc thép và dù lượn. Ông cũng nghiên cứu về thực vật học, địa chất học, quang học và thủy lực học, thể hiện một sự tò mò vô hạn với thế giới tự nhiên.

Sự kết hợp giữa nghệ thuật và khoa học đã làm nên tầm vóc của Leonardo da Vinci, biến ông thành hình mẫu lý tưởng của thời đại Phục Hưng. Ông được coi là người đã đặt nền móng cho nhiều lĩnh vực khoa học và kỹ thuật hiện đại. Tư tưởng của ông về mối liên hệ giữa nghệ thuật – khoa học – thiên nhiên đã ảnh hưởng sâu sắc đến nhiều thế hệ họa sĩ, nhà khoa học và triết gia sau này. Ngày nay, ông được ca ngợi là “Thiên tài toàn năng nhất trong lịch sử nhân loại” và là biểu tượng của thời đại Phục hưng.

2. Michelangelo

Michelangelo là một nghệ sĩ đa tài: vừa là họa sĩ, nhà điêu khắc, kiến trúc sư, vừa là thi sĩ. Ông được xem là một trong “Ba trụ cột vĩ đại của thời Phục hưng Ý”, bên cạnh Leonardo da Vinci và Raphael.

Michelangelo sinh ngày 6 tháng 3 năm 1475 tại Caprese, gần thành phố Florence (Ý). Ngay từ nhỏ, ông đã sớm bộc lộ năng khiếu đặc biệt về hội họa và điêu khắc. Năm 13 tuổi, Michelangelo học nghề vẽ tại xưởng của họa sĩ Domenico Ghirlandaio, rồi nhanh chóng nổi bật bởi tài năng hiếm có. Ông sống và làm việc chủ yếu tại Florence và Rome, phục vụ nhiều giáo hoàng, trong đó nổi bật là Giáo hoàng Julius II và Giáo hoàng Leo X.

Giống như Leonardo da Vinci, Michelangelo là một thiên tài toàn năng, nổi tiếng với vai trò nhà điêu khắc, họa sĩ, kiến trúc sư và nhà thơ. Tuy nhiên, ông tự xem mình là một nhà điêu khắc trước hết và trên hết và đã dành trọn niềm đam mê để khai thác vẻ đẹp và sức mạnh của cơ thể con người. Ông là nhân vật chủ chốt trong việc định hình nghệ thuật Phục hưng và ảnh hưởng sâu rộng đến phong cách Baroque sau này. Tác phẩm của ông nổi bật với khả năng miêu tả giải phẫu cơ thể con người một cách hoàn hảo, sống động và đầy sức mạnh, thường thể hiện sự kịch tính và cảm xúc sâu sắc.

Điêu khắc là lĩnh vực mà Michelangelo đạt đến đỉnh cao tuyệt đối, thể hiện sự am hiểu sâu sắc về giải phẫu học và khả năng “thổi hồn” vào đá cẩm thạch. Tác phẩm điêu khắc nổi tiếng nhất của Michelangelo là “Tượng David”, thể hiện hình tượng anh hùng David trước khi chiến đấu với Goliath. Bức tượng biểu tượng cho sức mạnh, lòng can đảm và vẻ đẹp lý tưởng của con người thời Phục hưng. Bên cạnh điêu khắc, Michelangelo cũng đã tạo ra một trong những tác phẩm hội họa vĩ đại nhất lịch sử tại Nhà nguyện Sistine – tác phẩm được vẽ trên trần nhà nguyện Sistine ở Vatican theo lệnh của Giáo hoàng Julius II. Tác phẩm gồm hơn 300 nhân vật, tái hiện các câu chuyện trong Kinh Thánh đặc biệt là cảnh “Sáng thế” (The Creation of Adam), trong đó bàn tay của Chúa chạm gần bàn tay của Adam – biểu tượng cho mối liên kết giữa con người và Thượng đế. Ông đã dành bốn năm ròng rã, chủ yếu tự mình thực hiện, để vẽ một hệ thống bích họa khổng lồ mô tả các câu chuyện từ Sách Sáng Thế. Về cuối đời, Michelangelo dành nhiều tâm huyết cho kiến trúc, nổi bật nhất là vai trò Kiến trúc sư trưởng của Vương cung thánh đường Thánh Phêrô (St. Peter’s Basilica), nơi ông thiết kế Mái vòm vĩ đại (Dome) của nhà thờ, một kiệt tác kiến trúc của thời Phục hưng.

Michelangelo được coi là nghệ sĩ toàn năng nhất của thời Phục hưng – người đã đưa nghệ thuật chạm tới đỉnh cao của sự hoàn mỹ. Ông ảnh hưởng sâu rộng đến nhiều thế hệ họa sĩ, nhà điêu khắc và kiến trúc sư châu Âu sau này. Tài năng, niềm tin tôn giáo và khát vọng hoàn hảo trong nghệ thuật của ông đã tạo nên những kiệt tác vượt thời gian.

3. Raphael

Raphael là một trong ba thiên tài vĩ đại nhất của thời kỳ Phục hưng Ý, bên cạnh Leonardo da Vinci và Michelangelo. Ông được ca ngợi là người mang đến sự hài hòa, duyên dáng và hoàn mỹ tuyệt đối trong hội họa, được mệnh danh là “Hoàng tử của các Họa sĩ”.

Raphael tên đầy đủ là Raffaello Sanzio da Urbino, sinh ngày 6 tháng 4 năm 1483 tại thành phố Urbino, miền Trung nước Ý. Cha ông là một họa sĩ cung đình vì vậy Raphael sớm được tiếp xúc với nghệ thuật từ nhỏ. Khi cha mất, Raphael được gửi đi học nghề vẽ và nhanh chóng thể hiện tài năng xuất chúng. Từ năm 1504, ông đến Florence – trung tâm nghệ thuật của Ý thời bấy giờ nơi ông học hỏi và chịu ảnh hưởng sâu sắc từ Leonardo da Vinci và Michelangelo. Raphael hoạt động chủ yếu tại Florence và Rome, được các Giáo hoàng (như Julius II và Leo X) trọng dụng và giao cho nhiều công trình lớn của Vatican. Dù chỉ sống 37 năm, Raphael đã để lại một khối lượng tác phẩm đồ sộ, thể hiện sự hòa hợp giữa trí tuệ, vẻ đẹp và cảm xúc nhân văn.

Phong cách của Raphael nổi bật với sự cân bằng hoàn hảo trong bố cục, đường nét mềm mại và màu sắc trong trẻo, mang lại cảm giác thanh bình và lý tưởng. Raphael được ngưỡng mộ bởi sự tinh tế và khả năng tổng hợp tài năng từ những người đi trước. Ông đã khéo léo kết hợp sự uyển chuyển của Leonardo da Vinci và sức mạnh hình thể của Michelangelo, nhưng lại thêm vào đó nét duyên dáng, lãng mạn rất riêng của mình. Raphael là bậc thầy về bố cục, ánh sáng và hình thể mỗi chi tiết đều hài hòa, nhẹ nhàng, thanh thoát. Ông luôn sử dụng các hình khối hình học – đặc biệt là hình tam giác để tạo ra sự ổn định và hài hòa thị giác. Các nhân vật của ông luôn có nét mặt và cử chỉ đẹp đẽ, thanh lịch, tạo cảm giác yên bình và lý tưởng. Tác phẩm của ông luôn tôn vinh vẻ đẹp của con người, niềm tin, tri thức và tình yêu thương.

Thời kỳ thành công rực rỡ nhất của Raphael là khi ông được Giáo hoàng Julius II mời đến Rome để trang trí các căn phòng tại Dinh Tông Tòa (Apostolic Palace) ở Vatican, được gọi là Stanze di Raffaello. Trong đó, tác phẩm “The School of Athens” (1509–1511) là kiệt tác vĩ đại nhất của Raphael, được vẽ trong căn phòng Stanza della Segnatura. Bức bích họa này không chỉ là một tác phẩm nghệ thuật, mà còn là một tuyên ngôn triết học, tập hợp tất cả các triết gia và nhà khoa học vĩ đại từ thời cổ đại. Raphael cũng nổi tiếng với khả năng thể hiện các chủ đề tôn giáo một cách đầy nhân tính, thánh thiện nhưng vẫn gần gũi và đầy tình yêu thương. Trong đó, nổi bật nhất là tác phẩm Đức Mẹ Sistine – nổi tiếng với khuôn mặt thánh thiện nhưng dịu dàng của Đức Mẹ Maria, bố cục hình tam giác cân đối và hai tiểu thiên thần ở phía dưới đã trở thành biểu tượng văn hóa đại chúng.

Raphael được xem là “họa sĩ của sự hài hòa và vẻ đẹp hoàn mỹ”, người đã dung hòa trí tuệ của Leonardo và sức mạnh của Michelangelo để tạo nên nghệ thuật mang tính nhân văn sâu sắc. Raphael đã mang lại sự cân bằng lý tưởng, vẻ đẹp lý tưởng và sự trong sáng cho nghệ thuật Phục hưng, khiến ông trở thành một trong những nghệ sĩ được tôn sùng nhất mọi thời đại.

4. Claude Monet

Claude Monet (1840 – 1926) là một họa sĩ người Pháp, người mở đường cho một cuộc cách mạng nghệ thuật hiện đại và được xem là “cha đẻ của trường phái Ấn tượng”.

Claude Monet sinh tại Paris – Pháp, nhưng lớn lên ở thành phố cảng Le Havre. Từ nhỏ, ông đã yêu thích thiên nhiên và say mê vẽ phong cảnh. Khi còn là học sinh, Monet nổi tiếng với những bức ký họa chân dung biếm họa. Sau đó, ông theo học hội họa ở Paris, nơi gặp gỡ và kết thân với nhiều họa sĩ trẻ cùng chí hướng như Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro và Édouard Manet.

Claude Monet là người tiên phong của trường phái Ấn tượng (Impressionism) – phong cách hội họa tập trung thể hiện ánh sáng, màu sắc và khoảnh khắc thoáng qua của tự nhiên. Monet đã thay đổi cách nhìn của nghệ thuật phương Tây bằng cách tập trung vào việc ghi lại ấn tượng thoáng qua của ánh sáng và màu sắc, thay vì các hình thức chi tiết hay chủ đề lịch sử, tôn giáo. Ông là người đưa kỹ thuật vẽ ngoài trời lên đỉnh cao, trực tiếp ghi lại sự thay đổi của ánh sáng tự nhiên và không khí tại thời điểm đó. Đối với Monet, chủ thể thực sự của bức tranh không phải là vật thể mà chính là ánh sáng đang chiếu rọi lên vật thể đó, cũng như cách ánh sáng tác động đến màu sắc. Ông sử dụng các nét cọ ngắn, nhanh, lỏng lẻo thường được ví như hình dấu phẩy để mô phỏng lại độ rung của ánh sáng và không khí. Ông không chú trọng chi tiết mà tập trung vào ấn tượng tổng thể cảm giác thị giác và cảm xúc tức thì của người họa sĩ. Để nắm bắt sự thay đổi của ánh sáng, Monet đã vẽ cùng một đối tượng nhiều lần vào các thời điểm khác nhau trong ngày và các mùa khác nhau. Tranh của Monet gợi cảm giác bình yên, thư giãn, đồng thời thể hiện sự giao hòa giữa con người và thiên nhiên.

Một trong những tác phẩm nổi tiếng của ông là Impression, soleil levant – Ấn tượng Mặt trời mọc (1872). Chính tiêu đề của bức tranh này, được giới phê bình sử dụng với ý châm biếm, đã trở thành tên gọi chính thức cho Trường phái Ấn tượng (Impressionism). Bức tranh mô tả cảnh cảng Le Havre trong sương sớm, nơi ánh mặt trời màu cam xuyên qua sương mù và mờ ảo, phản chiếu lung linh trên mặt nước. Từ năm 1883 Monet sống tại Giverny, nơi ông tự tay thiết kế và xây dựng một khu vườn nước tuyệt đẹp với cây cầu Nhật Bản và ao hoa súng. Ông coi khu vườn này là kiệt tác vĩ đại nhất của mình và nó trở thành nguồn cảm hứng bất tân cho nửa cuối sự nghiệp của ông, dẫn đến sự ra đời của loạt tranh Hoa Súng nổi tiếng toàn cầu. Loạt tranh bao gồm khoảng 250 bức tranh khổ lớn và nhỏ, mô tả mặt nước, sự phản chiếu của bầu trời và những bông hoa súng. Những tác phẩm này dần trở nên trừu tượng hơn, với các nét cọ táo bạo và màu sắc dữ dội, vượt ra khỏi giới hạn của Ấn tượng và ảnh hưởng mạnh mẽ đến nghệ thuật thế kỷ 20.

Claude Monet đã để lại một di sản khổng lồ, không chỉ là những bức tranh đẹp mà còn là một phong cách nhìn nhận thế giới, nơi vẻ đẹp không nằm ở vật thể mà nằm ở khoảnh khắc ánh sáng và cảm giác rung động mà nó tạo ra. Ông không chỉ mở ra kỷ nguyên mới cho nghệ thuật hiện đại châu Âu, mà còn ảnh hưởng mạnh mẽ đến nhiều họa sĩ thế kỷ 20 như Van Gogh, Cézanne, Matisse…

5. Vincent van Gogh

Vincent Willem van Gogh (1853 – 1890) là một thiên tài hội họa người Hà Lan, người được mệnh danh là nghệ sĩ tiên phong của trường phái Hậu Ấn tượng (Post-Impressionism) và có ảnh hưởng cực kỳ lớn đến mỹ thuật hiện đại.

Vincent Willem van Gogh sinh ngày 30 tháng 3 năm 1853 tại làng Groot-Zundert, Hà Lan trong một gia đình trung lưu có truyền thống tôn giáo và buôn bán tranh. Thuở nhỏ, ông từng làm nhân viên buôn tranh và truyền giáo nhưng sau nhiều biến cố, Van Gogh quyết định theo đuổi hội họa khi đã ngoài 20 tuổi. Cuộc đời ông đầy biến động, cô đơn và khó khăn. Van Gogh hầu như không được công nhận khi còn sống, phải sống nhờ vào sự giúp đỡ của em trai – người luôn tin tưởng và ủng hộ ông. Dù chỉ hoạt động nghệ thuật hơn 10 năm, Van Gogh để lại hơn 2.000 tác phẩm, trong đó có khoảng 900 bức tranh sơn dầu.

Van Gogh là họa sĩ thuộc trường phái Hậu Ấn tượng (Post-Impressionism) – tiếp nối và phát triển tinh thần của trường phái Ấn tượng, nhưng nhấn mạnh cảm xúc nội tâm và biểu hiện tâm lý thông qua màu sắc và nét cọ. Phong cách của Van Gogh là sự kết hợp độc đáo giữa kỹ thuật của trường phái Ấn tượng và cảm xúc mãnh liệt cá nhân. Ông nổi tiếng với những nét cọ dày nhìn thấy rõ, tạo ra bề mặt tranh thô ráp và rung động (kỹ thuật Impasto). Những nét cọ này như những dòng chảy năng lượng, truyền tải cảm xúc mạnh mẽ, cuồng nhiệt của ông vào tác phẩm. Ông sử dụng màu sắc rực rỡ, tương phản mạnh – đặc biệt là màu vàng và xanh, vượt ra khỏi lối mô tả thực tế để thể hiện trạng thái tinh thần và cảm xúc chủ quan. Không chỉ ghi lại cảnh vật, tranh của Van Gogh còn thấm nhuần giai điệu tinh thần và tâm linh, thể hiện sự đau khổ, cô đơn nhưng cũng đầy hy vọng và khao khát sống. Tác phẩm của ông luôn thấm đẫm cảm xúc mãnh liệt, thể hiện nội tâm phức tạp, sự cô đơn, niềm hy vọng và cả sự điên loạn của người nghệ sĩ đồng thời phản ánh nỗi đau, lòng trắc ẩn, tình yêu thiên nhiên và con người lao động. Một số tác phảm tiêu biểu của ông có thể kể đến như là “The Starry Night” (1889) – tác phẩm được vẽ khi ông đang điều trị tại bệnh viện tâm thần ở Saint-Rémy (Pháp). Bức tranh thể hiện bầu trời xoáy cuộn, trăng sao rực sáng trên ngôi làng yên bình – biểu tượng cho tâm trạng giằng xé giữa hỗn loạn và bình an trong tâm hồn họa sĩ, “Sunflowers” (1888) – loạt tranh nổi tiếng vẽ tại Arles (Pháp) biểu tượng cho niềm tin, ánh sáng và khát vọng sống. Những bông hoa rực rỡ được ông thể hiện bằng màu vàng chủ đạo, mang lại cảm xúc ấm áp và mạnh mẽ, Irises (1889), Self-Portrait,…

Van Gogh là biểu tượng cho người nghệ sĩ chân chính – sống và sáng tạo bằng cảm xúc, không ngừng tìm kiếm ánh sáng trong bóng tối. Tuy cuộc đời và sự nghiệp ngắn ngủi nhưng Van Gogh là nguồn cảm hứng vô tận, minh chứng cho việc nghệ thuật có thể vượt qua mọi bi kịch cá nhân để trở thành di sản vĩnh cửu của nhân loại. Tác phẩm của ông không chỉ đẹp về màu sắc mà còn chạm đến trái tim con người, trở thành nguồn cảm hứng cho nhiều thế hệ sau.

6. Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881–1973) là một trong những danh họa vĩ đại và có ảnh hưởng sâu rộng nhất trong lịch sử nghệ thuật thế giới. Ông được xem là người tiên phong của chủ nghĩa lập thể (Cubism) – một trào lưu nghệ thuật cách mạng đã thay đổi hoàn toàn cách nhìn nhận và thể hiện hiện thực trong hội họa.

Ông sinh tại Málaga, Tây Ban Nha, từ nhỏ Picasso đã bộc lộ năng khiếu hội họa thiên bẩm; ông vẽ tranh khi mới 9 tuổi và được cha (một họa sĩ và giáo viên mỹ thuật) hướng dẫn tận tình. Năm 1900 Picasso chuyển đến Paris, trung tâm nghệ thuật của châu Âu khi đó, nơi ông bắt đầu con đường sáng tạo không ngừng nghỉ kéo dài hơn 70 năm, để lại một kho tàng khổng lồ với hơn 50.000 tác phẩm gồm tranh, tượng, bản khắc, gốm và bản vẽ.

Cuộc đời nghệ thuật kéo dài gần 80 năm của Picasso được đánh dấu bằng sự thay đổi phong cách liên tục được chia thành nhiều giai đoạn đặc trưng bởi màu sắc và chủ đề khác nhau, thể hiện sự thay đổi không ngừng trong nghệ thuật của ông mỗi giai đoạn lại là một cuộc thử nghiệm đột phá. Đầu tiên là gia đoạn “Thời kỳ xanh (1901–1904) – giai đoạn này các tác phẩm mang gam màu lạnh chủ yếu là xanh lam, phản ánh tâm trạng buồn bã, u ám cũng như sự nghèo đói và cô đơn của người dân lao động. Tác phẩm tiêu biểu của giai đoạn này là The Old Guitarist. Giai đoạn tiếp theo là “Thời kỳ hồng” (1904–1906) – màu sắc trong giai đoạn này trở nên ấm áp hơn với tông hồng, cam và đỏ; tập trung vào chủ đề gánh xiếc, diễn viên và các chủ đề lãng mạn hơn. Tiêu biểu trong giai đoạn này là tác phẩm Family of Saltimbanques, cùng với Georges Braque, Picasso sáng lập chủ nghĩa lập thể, phá vỡ cách nhìn truyền thống về hình thể và không gian. Đối tượng trong tranh bị phá vỡ thành các hình học đa diện, sắp xếp lại trên mặt phẳng để mô tả nhiều góc nhìn cùng một lúc.trong đó tiêu biểu là tác phẩm Les Demoiselles d’Avignon (1907) – một trong những bức tranh mang tính cách mạng nhất thế kỷ XX. Sau Thế chiến I, Picasso chịu ảnh hưởng của nghệ thuật cổ điển và siêu thực, thể hiện qua những hình thể khỏe khoắn và đầy cảm xúc, cuối cùng là Thời kỳ chính trị và biểu tượng. Giai đoạn này Picasso dùng nghệ thuật để phản ánh chiến tranh và nỗi đau con người, thường sử dụng màu đen, trắng và xám. Tác phẩm nổi tiếng nhất là “Guernica” (1937) – bức tranh phản chiến nổi tiếng mô tả thảm kịch do phát xít Đức ném bom vào thị trấn Guernica (Tây Ban Nha).

Picasso không chỉ là một họa sĩ mà còn là biểu tượng của sự sáng tạo không giới hạn. Ông không ngừng thử nghiệm các hình thức nghệ thuật mới từ hội họa, điêu khắc đến thiết kế sân khấu. Với triết lý “phá vỡ để sáng tạo”, Picasso đã định nghĩa lại khái niệm nghệ thuật hiện đại và ảnh hưởng sâu sắc đến nhiều thế hệ họa sĩ sau này. Ông đã định hình lại nền nghệ thuật hiện đại và để lại một kho tàng khổng lồ với nhiều phong cách khác nhau.

7. Andy Warhol

Andy Warhol là một trong những nhân vật có ảnh hưởng và dễ nhận biết nhất trong nghệ thuật thế kỷ 20. Ông được xem là biểu tượng không thể thiếu của Nghệ thuật Đại chúng (Pop Art) ở Mỹ, đặc biệt nổi lên mạnh mẽ vào những năm 1960, phản ánh sự bùng nổ của văn hóa tiêu dùng, truyền hình và người nổi tiếng.

Andy Warhol sinh ngày 6 tháng 8 năm 1928 tại Pittsburgh, bang Pennsylvania (Mỹ), trong một gia đình nhập cư gốc Slovakia. Ông học thiết kế thương mại tại Carnegie Institute of Technology (nay là Đại học Carnegie Mellon), sau đó chuyển đến New York làm họa sĩ minh họa quảng cáo trong thập niên 1950. Chính trải nghiệm trong ngành quảng cáo và truyền thông đại chúng đã ảnh hưởng mạnh mẽ đến phong cách nghệ thuật sau này của ông – nơi ranh giới giữa “nghệ thuật cao” và “văn hóa đại chúng” bị xóa nhòa.

Warhol đã tạo ra một cuộc cách mạng bằng cách đưa những hình ảnh và đối tượng bình thường, phổ biến trong đời sống hàng ngày và văn hóa tiêu dùng thành đối tượng của nghệ thuật cao cấp. Phong cách của Warhol tập trung vào việc tôn vinh và đôi khi châm biếm văn hóa tiêu dùng, những người nổi tiếng và quảng cáo hàng loạt trong xã hội Mỹ hiện đại. Ông lấy cảm hứng từ những vật dụng và hình ảnh phổ biến nhất trong cuộc sống hàng ngày, biến chúng thành đối tượng nghệ thuật. Ông là người đi đầu trong việc áp dụng kỹ thuật in lụa (silkscreen printing) vào hội họa. Kỹ thuật này cho phép ông sản xuất hàng loạt các hình ảnh, tạo ra sự lặp lại và biến thể về màu sắc, phản ánh tính chất sản xuất hàng loạt của văn hóa đại chúng. Bên cạnh đó, Warhol cũng nổi tiếng với việc vẽ chân dung những người nổi tiếng như Marilyn Monroe, Elvis Presley và các sản phẩm thương mại như Lon Súp Campbell’s (Campbell’s Soup Cans).

Warhol không chỉ là một họa sĩ; ông là một nhà bình luận xã hội sắc sảo. Ông bắt đầu sự nghiệp là một họa sĩ minh họa quảng cáo thành công tại New York và ông không ngần ngại đưa sự chuyên nghiệp thương mại đó vào thế giới nghệ thuật cao cấp. Việc lặp đi lặp lại hình ảnh thể hiện quan điểm của ông về việc hình ảnh bị bão hòa và tiêu thụ nhanh chóng trong văn hóa đại chúng.

Andy Warhol đã thay đổi cách chúng ta nhìn nhận về nghệ thuật và thương mại, khiến ranh giới giữa “nghệ thuật cao cấp” và “văn hóa đại chúng” trở nên mờ nhạt. Ông đề cao vai trò của truyền thông, thương hiệu và hình ảnh trong xã hội tiêu dùng. Andy Warhol đã trở thành biểu tượng văn hóa và là người mở đường cho các nghệ sĩ đương đại sau này như Jeff Koons, Damien Hirst hay Takashi Murakami.

8. Sandro Botticelli

Sandro Botticelli là một danh họa kiệt xuất của Florence, Ý và là một trong những danh họa vĩ đại của thời kỳ Phục hưng Ý, nổi tiếng với phong cách hội họa tinh tế, lãng mạn và đầy biểu tượng.

Sandro Botticelli sinh tại Florence, trung tâm văn hóa – nghệ thuật của Ý vào thế kỷ XV. Ông là một trong những nghệ sĩ được bảo trợ và có mối quan hệ gần gũi với gia tộc Medici hùng mạnh – những người bảo trợ nghệ thuật hàng đầu của Florence. Ông được đào tạo trong xưởng của Fra Filippo Lippi, một họa sĩ nổi tiếng thời bấy giờ và sớm thể hiện năng khiếu về màu sắc, hình thể và bố cục hài hòa. Trong suốt sự nghiệp, Botticelli chịu ảnh hưởng sâu sắc của chủ nghĩa nhân văn Phục Hưng – phong trào đề cao vẻ đẹp con người và sự hài hòa giữa lý trí, tôn giáo và tự nhiên.

Phong cách hội họa của Botticelli mang tính đặc trưng, dung hòa giữa vẻ đẹp lý tưởng hóa của con người và tính trữ tình, thơ mộng. Ông nổi tiếng với những đường viền mềm mại, uyển chuyển và tinh tế, tạo nên vẻ đẹp duyên dáng, thanh thoát cho các nhân vật. Botticelli sử dụng gam màu nhẹ, tinh tế, thể hiện không khí thanh khiết và mang tính biểu tượng cao. Không giống nhiều họa sĩ Phục hưng khác tập trung chủ yếu vào chủ đề tôn giáo, Botticelli nổi tiếng với các tác phẩm lấy cảm hứng từ thần thoại Hy Lạp và La Mã. Các nhân vật nữ của ông đặc biệt là các nữ thần, thường mang vẻ đẹp lý tưởng hóa, thanh tao và có phần u sầu, khác biệt với vẻ thực tế hơn của các họa sĩ sau này. Các tác phẩm của ông thường chứa đựng các ý niệm triết học sâu sắc về vẻ đẹp lý tưởng, đức hạnh và tình yêu thiêng liêng, phản ánh tinh thần nhân văn đang thịnh hành tại Florence thời bấy giờ. Hai tác phẩm nổi tiếng nhất của Botticelli đại diện cho đỉnh cao nghệ thuật của ông là: Sự ra đời của Thần Vệ Nữ (The Birth of Venus) – bức tranh mô tả nữ thần Venus đứng trên vỏ sò trôi dạt vào bờ biển, tượng trưng cho vẻ đẹp thuần khiết và tình yêu được xem là biểu tượng của nghệ thuật Phục Hưng, ca ngợi vẻ đẹp lý tưởng của con người và thiên nhiên và Mùa Xuân (Primavera) – một trong những tác phẩm phức tạp và biểu tượng nhất của ông, thể hiện nhiều nhân vật thần thoại như Venus, Cupid, Flora, Zephyr… Bức tranh ca ngợi sức sống, tình yêu và sự tái sinh của thiên nhiên, mang ý nghĩa nhân văn sâu sắc.

Botticelli là một trong những danh họa quan trọng nhất của thế kỷ XV, đại diện cho thời kỳ Phục Hưng Florence trước khi nghệ thuật chuyển sang phong cách hiện thực và tỷ lệ giải phẫu chính xác hơn của Leonardo da Vinci hay Michelangelo. Ngày nay Botticelli được xem là người khởi nguồn cho mỹ cảm lãng mạn và tượng trưng trong nghệ thuật châu Âu và là biểu tượng của vẻ đẹp lý tưởng hóa và tinh thần nhân văn Phục Hưng. Tư tưởng và thẩm mỹ của Botticelli tiếp tục ảnh hưởng đến nhiều nghệ sĩ hiện đại, từ các họa sĩ tượng trưng thế kỷ XIX đến các nhà thiết kế thời trang và nhiếp ảnh đương đại.

9. Edvard Munch

Edvard Munch là một trong những họa sĩ có ảnh hưởng nhất của cuối thế kỷ 19 và đầu thế kỷ 20, nổi tiếng với việc khai thác chiều sâu tâm lý con người như sự lo âu, nỗi đau khổ, bệnh tật, cái chết và tình yêu. Ông được xem là một trong những người tiên phong và có ảnh hưởng lớn nhất của Chủ nghĩa Biểu hiện (Expressionism) và Chủ nghĩa Tượng trưng (Symbolism).

Munch trải qua tuổi thơ nhiều mất mát, mẹ và chị gái ông qua đời khi ông còn nhỏ cũng như các vấn đề tâm lý trong gia đình. Chính những bi kịch này đã để lại dấu ấn mạnh mẽ trong tâm hồn và trở thành nguồn cảm hứng chủ đạo trong sáng tác nghệ thuật của ông, giúp ông tạo ra một phong cách nghệ thuật độc đáo.

Munch là nhân vật tiên phong và có ảnh hưởng lớn đến Chủ nghĩa Biểu hiện (Expressionism) nhấn mạnh việc thể hiện nỗi sợ hãi, lo âu, cô đơn và ám ảnh nội tâm của con người. Ông không vẽ lại những gì ông nhìn thấy một cách khách quan, mà tập trung vào việc thể hiện cảm xúc, tâm trạng và trạng thái tinh thần của con người. Ông chịu ảnh hưởng từ các họa sĩ hậu Ấn tượng như Vincent van Gogh và Paul Gauguin, nhưng đã phát triển phong cách riêng – sử dụng màu sắc mạnh mẽ, tương phản và các đường nét lượn sóng, bán trừu tượng để tạo ra sự rung động và bất an về mặt thị giác. Nghệ thuật của Munch mang tính tâm lý và triết học, mở đường cho hội họa hiện đại thế kỷ XX.

Tác phẩm nổi tiếng nhất của Munch và là một trong những hình ảnh mang tính biểu tượng nhất trong lịch sử nghệ thuật toàn cầu, chính là The Scream. Munch đã tạo ra nhiều phiên bản của The Scream (tranh sơn dầu, phấn màu và in trên đá) trong khoảng thời gian từ 1893 đến 1910. Bức tranh mô tả một nhân vật với khuôn mặt hốc hác, xương xẩu đang ôm đầu hét lên trong sự tuyệt vọng và cô đơn tột cùng. Phía sau là cảnh hoàng hôn đỏ rực như máu trên vịnh Oslofjord. Bức tranh này được xem là sự tuyên ngôn về nỗi lo âu (anxiety) của con người hiện đại khi đối diện với những khủng hoảng nội tâm và xã hội.

Edvard Munch có ảnh hưởng to lớn đến các họa sĩ Biểu hiện Đức như Ernst Ludwig Kirchner và nhóm Die Brücke. Ông được xem là người mở đường cho hội họa hiện đại, khi chuyển hướng từ hiện thực sang biểu hiện cảm xúc và tâm lý. Sau khi qua đời, Munch để lại hơn 1.000 bức tranh, 4.500 bản vẽ và 18.000 bản khắc cho thành phố Oslo, hiện được trưng bày tại Bảo tàng Munch (Munchmuseet). Ông không chỉ tạo ra những hình ảnh biểu tượng toàn cầu như The Scream, mà còn mở ra hướng đi mới cho nghệ thuật thế kỷ XX: nghệ thuật của tâm hồn, nỗi đau và bản thể con người.

10. Edgar Degas

Danh họa Edgar Degas là một trong những gương mặt tiêu biểu của trường phái ấn tượng, nhưng cũng mang phong cách rất riêng trong lịch sử nghệ thuật thế giới. Nghệ thuật của Degas nổi bật bởi khả năng quan sát tinh tế, bố cục độc đáo và sự nhạy bén trong thể hiện chuyển động của con người, đặc biệt là phụ nữ.

Degas sinh ra trong một gia đình tư sản khá giả, được giáo dục tốt và sớm bộc lộ năng khiếu hội họa. Ban đầu ông theo học luật nhưng nhanh chóng từ bỏ để theo đuổi nghệ thuật tại Trường Mỹ thuật Paris (École des Beaux-Arts), dưới ảnh hưởng của truyền thống cổ điển Ý.

Mặc dù thường được xếp vào trường phái Ấn tượng (Impressionism), Degas không hoàn toàn tuân theo nguyên tắc của phong trào này. Khác với các họa sĩ ấn tượng khác thường vẽ phong cảnh ngoài trời, Degas chủ yếu lấy cảm hứng từ cuộc sống thành thị Paris đương thời. Ông được mệnh danh là “họa sĩ của những vũ công” (Painter of Dancers). Hơn một nửa số tác phẩm của ông khắc họa các vũ công ballet, thường là trong hậu trường, lúc tập luyện, nghỉ ngơi hoặc chuẩn bị. Ông có khả năng phi thường trong việc khắc họa các tư thế và chuyển động phức tạp của cơ thể. Các nhân vật của ông đều được khắc họa rất chân thực, không được lý tưởng hóa. Ngoài ra, ông cũng được xem là bậc thầy của phấn màu (pastel) và sử dụng nó để tạo ra màu sắc phong phú và các nét vẽ mềm mại. Bố cục tranh của ông thường có những góc nhìn bất thường, bị cắt xén giống như chụp ảnh nhanh, tạo cảm giác về sự tự phát, chân thực. Một trong những bức tranh nổi tiếng nhất của ông là The Dance Class (1874) – khắc họa lớp học múa dưới sự hướng dẫn của thầy Jules Perrot. Bức tranh cho thấy ánh sáng tự nhiên xen kẽ ánh sáng nhân tạo, cùng bố cục lệch trung tâm – đặc trưng cho phong cách Degas.

Degas được xem là người kết nối giữa nghệ thuật cổ điển và hiện đại. Tác phẩm của ông ảnh hưởng sâu sắc đến các họa sĩ sau này, như Henri de Toulouse-Lautrec và Pablo Picasso, đặc biệt trong việc thể hiện chuyển động và không gian phi đối xứng. Edgar Degas được xem là “nghệ sĩ của chuyển động”, người đã đưa hình ảnh vũ công ba-lê trở thành biểu tượng của nghệ thuật Pháp thế kỷ XIX. Ông không tìm kiếm cái đẹp lý tưởng, mà tôn vinh cái thật, cái tự nhiên và cả sự mệt mỏi, nỗ lực trong nghệ thuật.

Những danh họa trên không chỉ tạo nên các tác phẩm kinh điển, mà còn định hình dòng chảy lịch sử nghệ thuật thế giới, phản ánh tư duy, cảm xúc và văn hóa của từng thời đại. Từ chủ nghĩa hiện thực của thời Phục Hưng đến tính trừu tượng của thế kỷ XX, mỗi người đã để lại dấu ấn sâu sắc, góp phần làm phong phú di sản nhân loại.

Một số nội dung khác tại BlogAnChoi:

Ryujin (ITZY) thử sức với vai chính đầu tay trong phim Night on Earth, hoàn tất quá trình quay và hứa hẹn bứt phá ở lĩnh vực diễn xuất

May Hong “K-Pop Demon Hunters” góp mặt trong phim kinh dị “Perfect Girl”

1. Mona Lisa

Tác phẩm “Mona Lisa” là một trong những kiệt tác hội họa nổi tiếng và được ngưỡng mộ nhất trên thế giới được sáng tác bởi danh họa thiên tài Leonardo da Vinci vào khoảng năm 1503 đến 1519. Theo các tài liệu lịch sử và nghiên cứu hiện đại, người phụ nữ trong tranh được xác định là Lisa Gherardini, vợ của một thương gia tơ lụa giàu có ở Florence tên là Francesco del Giocondo.

Nụ cười của Mona Lisa là đặc điểm nổi tiếng nhất của bức tranh này. Nụ cười của Mona Lisa dường như thay đổi tùy thuộc vào cách người xem nhìn vào. Khi nhìn thẳng, nụ cười dường như mờ ảo và bí ẩn, nhưng khi nhìn vào các chi tiết khác, nụ cười có thể trở nên rõ ràng hơn. Nó được xem là biểu tượng của sự phức tạp trong cảm xúc và tâm lý con người. Bên cạnh đó, ánh mắt của Mona Lisa được cho là có “hiệu ứng theo dõi”, khiến người xem cảm thấy như nàng đang nhìn mình dù đứng ở bất kỳ góc độ nào. Da Vinci đã sử dụng thành thạo kỹ thuật Sfumato, là phương pháp pha trộn màu sắc và tông màu một cách tinh tế, làm mờ đi các đường viền và ranh giới rõ ràng, tạo ra hiệu ứng chuyển đổi mềm mại giữa các vùng sáng và tối, đặc biệt là quanh mắt và khóe môi nhân vật. Đây là yếu tố quan trọng tạo nên sự huyền bí của bức tranh. Da Vinci đã sử dụng kỹ thuật này để làm mềm các đường nét, đặc biệt là quanh mắt và khóe miệng tạo ra hiệu ứng mờ ảo, làm cho nụ cười của Mona Lisa dường như thay đổi khi người xem thay đổi góc nhìn.

Đây là một trong những bức chân dung đầu tiên tập trung sát vào nhân vật – chân dung nửa người, góc nhìn ba phần tư, làm nổi bật nội tâm của người mẫu thay vì chỉ tập trung vào trang phục hay địa vị. Phong cảnh phía sau Mona Lisa là một khung cảnh tưởng tượng, mờ ảo với những cây cầu, con đường ngoằn ngoèo và những ngọn núi đá, tạo ra một sự đối lập thú vị với khuôn mặt thực tế của nhân vật.

Bức tranh đã trở thành một biểu tượng văn hóa toàn cầu, không chỉ vì sự hoàn hảo về kỹ thuật mà còn vì lịch sử đầy biến động và những nghiên cứu, thần thoại hóa xung quanh nó. Mona Lisa không chỉ là một kiệt tác hội họa mà còn là biểu tượng nghệ thuật Phục Hưng, thể hiện đỉnh cao tài năng của Leonardo da Vinci trong việc kết hợp khoa học, kỹ thuật và cảm xúc trong một tác phẩm duy nhất.

2. The Starry Night

“The Starry Night” là một trong những tác phẩm hội họa nổi tiếng và mang tính biểu tượng nhất của nghệ thuật phương Tây được sáng tác vào năm 1889 bởi danh họa người Hà Lan Vincent van Gogh – một trong những nhân vật hàng đầu của trường phái Hậu Ấn tượng.

“The Starry Night” được Van Gogh vẽ khi ông đang điều trị tại bệnh viện tâm thần Saint-Paul-de-Mausole ở Saint-Rémy-de-Provence, miền Nam nước Pháp. Ông sáng tác bức tranh này dựa trên trí nhớ và sự tưởng tượng về khung cảnh bầu trời đêm nhìn qua cửa sổ phòng bệnh của mình. Bức tranh phản ánh tâm trạng phức tạp và những giằng xé nội tâm sâu sắc của họa sĩ trong thời kỳ khó khăn này.

Điểm nhấn của bức tranh là bầu trời đêm chiếm gần hết bố cục với những ngôi sao, thiên thể và mặt trăng rực rỡ, được bao quanh bởi những vòng xoáy năng lượng đầy kịch tính. Các nét cọ dày, mạnh mẽ và chuyển động xoắn ốc đã truyền tải cảm xúc mãnh liệt và sự xáo động trong tâm hồn của họa sĩ. Sự kết hợp nổi bật của màu xanh cobalt, xanh Phổ và xanh ngọc lam tương phản mạnh mẽ với màu vàng, trắng rực rỡ của các thiên thể, tạo ra một cảm giác vừa kịch tính vừa huyền bí.

Nằm ở tiền cảnh bên trái, một cây bách màu đen sẫm vươn cao, gần như chạm tới bầu trời. Cây bách trong nhiều nền văn hóa thường là biểu tượng của sự sống vĩnh cửu hoặc cái chết. Trong tranh của Van Gogh, nó được hiểu là cầu nối giữa cõi trần gian và vũ trụ bao la, thể hiện nỗi khát khao vượt thoát khỏi những khổ đau trần thế của ông. Phía dưới bầu trời dữ dội là một ngôi làng nhỏ bé, yên tĩnh với những mái nhà đơn giản và ngọn tháp nhà thờ cao vút. Ngôi làng này tạo ra sự tương phản rõ rệt với bầu trời đầy cảm xúc bên trên, có thể tượng trưng cho sự tĩnh lặng mà Van Gogh khao khát hoặc sự cô đơn, xa lánh mà ông cảm nhận khi mọi người đang ngủ say còn tâm trí ông vẫn thao thức.

“The Starry Night” không chỉ là một bức tranh phong cảnh, mà còn là sự thể hiện mãnh liệt của cảm xúc cá nhân và trạng thái tinh thần của người họa sĩ. Bầu trời rực rỡ ánh sao mang lại niềm tin vào một điều gì đó lớn lao, vĩnh cửu giữa bóng tối của cuộc đời. Sự cuồng nhiệt trong từng nét vẽ cho thấy Van Gogh tìm thấy sự giải thoát và ý nghĩa trong thiên nhiên và vũ trụ.

Tác phẩm này là đỉnh cao của trường phái Hậu Ấn tượng, có ảnh hưởng sâu rộng đến nghệ thuật hiện đại và là một minh chứng hùng hồn cho tài năng và tâm hồn đầy phức tạp của Van Gogh.

3. The Last Supper

Kiệt tác hội họa “Bữa tối cuối cùng” là một trong những tác phẩm nổi tiếng và có ảnh hưởng nhất trong lịch sử nghệ thuật, được sáng tác bởi danh họa vĩ đại người Ý Leonardo da Vinci vào khoảng năm 1495–1498.

Bức tranh mô tả lại một sự kiện quan trọng trong Kinh Thánh: Bữa tối cuối cùng của Chúa Giêsu với 12 tông đồ trước khi Ngài chịu khổ nạn. Khoảnh khắc cụ thể mà Leonardo da Vinci chọn để khắc họa là ngay sau khi Chúa Giêsu thốt lên câu nói chấn động: “Quả thật, ta bảo các ngươi, một trong số các ngươi sẽ phản bội ta.”. Tác phẩm đã nắm bắt trọn vẹn sự hỗn loạn, kinh ngạc và hoang mang của các tông đồ trước lời tiên tri bất ngờ này,

12 tông đồ được chia thành bốn nhóm ba người cân đối, tạo nên sự chuyển động và đối thoại sống động xung quanh Chúa Giêsu. Chúa Giêsu ngồi ở trung tâm bức tranh, trong tư thế bình tĩnh, hai tay buông xuôi, đối lập hoàn toàn với sự xáo động của các tông đồ. Ngài được làm nổi bật bởi một cửa sổ hình vòm phía sau, tạo nên một vầng hào quang tự nhiên bằng ánh sáng, nhấn mạnh sự thánh thiện và sự hy sinh sắp tới.

“Bữa tối cuối cùng” được coi là kiệt tác bởi những đột phá về nghệ thuật. Leonardo đã sử dụng kỹ thuật phối cảnh một cách hoàn hảo, với các đường nét trong kiến trúc của căn phòng đều hội tụ tại đầu của Chúa Giêsu, kéo ánh nhìn của người xem trực tiếp vào nhân vật trung tâm. Bức tranh tạo cảm giác chiều sâu và không gian ba chiều đáng kinh ngạc, như thể người xem đang thực sự ngồi trong căn phòng đó. Ánh sáng tự nhiên từ ba cửa sổ phía sau lưng Chúa Giêsu làm nổi bật hình ảnh Ngài và tăng thêm vẻ thiêng liêng. Đặc biệt, Da Vinci đã khắc họa thành công tâm lý phức tạp và đa dạng của con người trong một khoảnh khắc kịch tính, biến các tông đồ thành những nhân vật sống động với những cá tính riêng biệt.

Tác phẩm này không chỉ là một kiệt tác của Thời kỳ Phục Hưng mà còn là một nghiên cứu sâu sắc về nhân tính, phản bội, đức tin và sự hy sinh, trở thành biểu tượng vượt thời gian của nghệ thuật và văn hóa phương Tây.

4. The Scream

“The Scream” là một trong những tác phẩm hội họa nổi tiếng nhất và dễ nhận biết nhất trên thế giới được sáng tác bởi Danh họa người Na Uy Edvard Munch. Tác phẩm này được coi là biểu tượng của Trường phái Biểu hiện (Expressionism) và nỗi lo âu hiện sinh của con người hiện đại.

Bức tranh miêu tả một hình tượng giống con người, đầu gần như trọc, với khuôn mặt méo mó, hai tay ôm đầu và miệng há hốc trong một tiếng thét câm lặng, đầy tuyệt vọng. Nhân vật đứng trên một cây cầu với hai nhân vật bí ẩn khác ở phía sau. Bầu trời phía trên nhân vật rực lên một màu đỏ như máu và màu cam dữ dội, với những đường xoáy cuộn trào. Sự biến dạng của màu sắc và đường nét này không chỉ là nghệ thuật mà còn là sự thể hiện trực quan của trạng thái tâm lý. Mọi thứ trong tranh từ khuôn mặt của nhân vật, bầu trời, cho đến dòng nước và đường phố đều bị bóp méo thành những đường nét lượn sóng mạnh mẽ. Điều này truyền tải cảm giác rằng không chỉ nhân vật mà cả thế giới xung quanh cũng đang bị kéo vào một cơn khủng hoảng và hỗn loạn.

“Tiếng thét” không chỉ là một bức tranh, mà là một “tuyên ngôn về cảm xúc” của con người hiện đại. Tác phẩm thể hiện nỗi lo âu, sự cô đơn và cảm giác bị cô lập tột cùng của con người trong một thế giới đang hiện đại hóa nhanh chóng. Nhân vật trong tranh dường như đang chịu đựng tiếng thét không phải của mình mà là tiếng thét của thiên nhiên hoặc của cả vũ trụ. Sức mạnh biểu cảm của bức tranh lớn đến mức nó đã trở thành một biểu tượng toàn cầu cho sự hoảng loạn, sợ hãi và khủng hoảng tinh thần. Hình ảnh khuôn mặt méo mó, kinh hoàng đó thường xuyên được tái hiện trong phim ảnh, nghệ thuật và văn hóa đại chúng, củng cố vị thế của nó như một trong những tác phẩm được nhận diện rộng rãi nhất trong lịch sử hội họa, chỉ đứng sau Mona Lisa.

“The Scream” được xem là một bản tuyên ngôn của Trường phái Biểu hiện, nơi nghệ sĩ ưu tiên việc biểu đạt cảm xúc và trạng thái tâm lý nội tâm hơn là mô tả thế giới vật chất bên ngoài một cách khách quan. Tác phẩm đã vượt ra khỏi giới hạn hội họa, trở thành một biểu tượng toàn cầu cho sự lo lắng, khủng hoảng và sự căng thẳng tâm lý trong thời đại hiện đại.

5. The Birth of Venus

Tác phẩm “The Birth of Venus” là một trong những bức tranh mang tính biểu tượng nhất của nghệ thuật Thời kỳ Phục Hưng Sớm của Ý đươc sáng tác bởi danh họa Sandro Botticelli vào khoảng năm 1484-1486. Tác phẩm này tôn vinh vẻ đẹp lý tưởng cổ điển và thần thoại La Mã, thể hiện sự hồi sinh của tư tưởng nhân văn trong hội họa.

Bức tranh mô tả thần Venus – Thần Vệ Nữ La Mã, nữ thần của tình yêu và sắc đẹp chào đời từ biển cả và được đưa vào bờ. Đây là một cảnh tượng duyên dáng, lãng mạn và đậm chất thơ mộng. Thần Vệ Nữ đứng ở trung tâm của bức tranh, khỏa thân trên một chiếc vỏ sò khổng lồ. Thần có mái tóc vàng rực rỡ, làn da trắng ngần, trong tư thế Venus Pudica (Nàng Vệ Nữ khiêm tốn) khi dùng tay che chắn cơ thể một cách e ấp. Mái tóc vàng óng ả và làn da trắng sứ của nàng tượng trưng cho vẻ đẹp lý tưởng thời Phục Hưng. Ở phía bên trái, thần Gió Tây Zephyr đang ôm nữ thần Aura bay lượn và thổi hơi vào Venus, tạo ra những cơn gió nhẹ mang nàng vào bờ. Những cánh hoa hồng bay lượn xung quanh họ tượng trưng cho tình yêu. Ở bên phải, một trong những nữ thần Horae đang chờ sẵn trên bờ để khoác lên người Venus một chiếc áo choàng đầy hoa. Bức tranh nổi bật với đường nét tinh tế, mềm mại và sự lý tưởng hóa hình thể con người, đặc trưng cho tinh thần nhân văn của thời Phục Hưng.

Đây là một trong những bức tranh đầu tiên và lớn nhất thời Phục Hưng lấy chủ đề trực tiếp từ thần thoại La Mã cổ đại thay vì các chủ đề tôn giáo thuần túy, đánh dấu sự hồi sinh mạnh mẽ của nghệ thuật và văn hóa Hy Lạp-La Mã cổ đại trong thời Phục Hưng. Thần Vệ Nữ trong tranh không chỉ là biểu tượng của tình yêu xác thịt mà còn đại diện cho Vẻ đẹp tinh thần, sự thuần khiết và vẻ đẹp lý tưởng, thánh thiện theo triết học Tân-Platon thịnh hành ở Florence thời kỳ đó. Bên cạnh đó, việc vẽ một bức tranh khổ lớn, công khai với nhân vật nữ khỏa thân là một bước đi táo bạo vào thời điểm đó, đánh dấu sự thay đổi trong quan niệm về nghệ thuật và cơ thể con người.

“The Birth of Venus” được coi là một kiệt tác vĩnh cửu, không chỉ vì kỹ thuật vẽ tinh tế mà còn vì sự kết hợp tài tình giữa thần thoại cổ đại và tư tưởng triết học nhân văn, tạo nên một biểu tượng hoàn hảo cho sắc đẹp và tình yêu.

6. The Creation of Adam

Kiệt tác “The Creation of Adam” là một trong những bức tranh tường (fresco) nổi tiếng nhất thế giới và là biểu tượng mang tính phổ quát về mối quan hệ giữa Chúa và con người. Tác phẩm này được sáng tác bởi danh họa, nhà điêu khắc, kiến trúc sư vĩ đại thời Phục Hưng – Michelangelo vào khoảng năm 1508–1512, theo lệnh của Giáo hoàng Julius II. Đây là một phần trung tâm của tổ hợp các bức bích họa khổng lồ trên trần Nhà nguyện Sistine ở Thành Vatican.

Bức bích họa mô tả câu chuyện trong Kinh Thánh, nơi Thiên Chúa ban sự sống cho người đàn ông đầu tiên, Adam. Bố cục của bức tranh được chia thành hai phần đối lập nhưng cân bằng, tạo nên một sự tương phản mạnh mẽ. Bên phải của bức tranh là Chúa được khắc họa là một nhân vật già dặn, mạnh mẽ với bộ râu trắng và chiếc áo choàng màu hồng nhạt đang bay trong một vầng hào quang lớn được nâng đỡ bởi các thiên thần và có thể là cả Eva (người phụ nữ dưới cánh tay Ngài) – một ngụ ý về sự tạo dựng Eva sau này. Ngài lơ lửng giữa không trung, mang trong mình năng lượng và quyền năng thần thánh. Bên trái là Adam nằm dài trên mặt đất trần trụi, thân hình vạm vỡ, hoàn hảo về mặt giải phẫu, thể hiện vẻ đẹp lý tưởng của con người thời Phục Hưng. Anh ta có vẻ thụ động, còn yếu ớt và chưa hoàn toàn có sự sống, chỉ chậm rãi vươn tay để nhận lấy sự sống từ Đấng Tạo Hóa. Chi tiết nổi bật và nổi tiếng nhất của tác phẩm là hai bàn tay dang rộng, gần như chạm vào nhau. Ngón tay của Thiên Chúa vươn ra một cách dứt khoát, tràn đầy sức sống, trong khi ngón tay của Adam rụt rè và gần như vô lực. Khoảng cách nhỏ nhoi giữa hai ngón tay này chính là điểm mấu chốt, tượng trưng cho sự truyền ban sự sống, trí tuệ và linh hồn từ Chúa sang con người.

Tác phẩm là sự kết hợp hoàn hảo giữa thần học Kitô giáo và Triết học Nhân văn Phục Hưng. Thay vì chỉ tập trung vào sự phục tùng thần thánh, bức tranh tôn vinh hình dáng và tiềm năng của con người, khắc họa Adam với vẻ đẹp thể chất lý tưởng như một tượng đài điêu khắc. Khoảnh khắc hai ngón tay sắp chạm vào nhau đã trở thành biểu tượng toàn cầu cho sự kết nối thần thánh, sự khởi đầu của nhân loại và mối quan hệ giữa Đấng Tạo Hóa và tạo vật. Nó thể hiện rằng con người được tạo ra theo hình ảnh của Thiên Chúa. Mặc dù là tác phẩm tôn giáo, bức tranh nhấn mạnh vẻ đẹp và tiềm năng của con người. Adam được miêu tả bằng giải phẫu hoàn hảo, phản ánh tư tưởng Phục Hưng coi con người là trung tâm và tôn vinh thể xác.

Tác phẩm này là đỉnh cao của kỹ thuật vẽ bích họa, là một minh chứng vĩ đại cho tài năng và tầm nhìn của Michelangelo đồng thời là một kiệt tác đã định hình nên nghệ thuật và văn hóa đại chúng suốt nhiều thế kỷ.

7. Girl with a Pearl Earring

Tuyệt tác “Girl with a Pearl Earring” là một trong những bức tranh nổi tiếng và bí ẩn nhất trong lịch sử hội họa được sáng tác bởi danh họa Johannes Vermeer – một trong những bậc thầy vĩ đại nhất của Thời kỳ Hoàng kim Hà Lan. Tác phẩm này thường được mệnh danh là “Mona Lisa của phương Bắc” vì vẻ đẹp quyến rũ và ánh mắt khó nắm bắt của nhân vật.

Bức tranh mô tả một cô gái trẻ trong bối cảnh tối màu, cô quay đầu lại và nhìn thẳng vào người xem với ánh mắt lôi cuốn. Biểu cảm của cô vừa ngây thơ vừa mời gọi, khiến người xem cảm thấy như mình vừa cắt ngang một khoảnh khắc riêng tư. Cô gái đội một chiếc khăn xếp (turban) màu xanh lam và vàng rực rỡ, một trang phục khác thường so với thời bấy giờ, làm tăng thêm vẻ ngoại lai và bí ẩn. Cô mặc một chiếc áo khoác màu nâu vàng đơn giản. Điểm nhấn nổi bật nhất là chiếc hoa tai ngọc trai lớn, lấp lánh ở tai trái cô. Vermeer đã sử dụng một kỹ thuật vẽ bậc thầy để chỉ bằng hai vệt sơn trắng, ông đã tạo ra hiệu ứng ánh sáng phản chiếu hoàn hảo, khiến viên ngọc trai dường như tỏa sáng trong bóng tối.

Vermeer được mệnh danh là “Bậc thầy của Ánh sáng”. Kỹ thuật nổi bật trong bức tranh là cách ông sử dụng ánh sáng. Khuôn mặt cô gái được chiếu sáng một cách kịch tính từ bên trái, nổi bật lên khỏi nền tối đơn sắc. Sự chuyển đổi mượt mà từ vùng sáng sang vùng tối tạo ra cảm giác về chiều sâu và khối cầu hoàn hảo. Ánh sáng phản chiếu lấp lánh trên khóe môi ướt và đặc biệt là trên hoa tai ngọc trai khổng lồ. Viên ngọc trai này không hề được vẽ chi tiết cầu kỳ mà chỉ là hai vệt sơn trắng đơn giản, phản ánh ánh sáng một cách tài tình, tạo ra ảo ảnh về độ bóng và sự quý giá.

Danh tính của cô gái là một trong những bí ẩn lớn nhất của lịch sử nghệ thuật. Cô không phải là một nhân vật lịch sử được xác định và vì bức tranh thuộc thể loại tronie (nghiên cứu biểu cảm khuôn mặt hoặc trang phục), nó không nhằm mục đích vẽ chân dung một người cụ thể mà là nghiên cứu vẻ đẹp, cảm xúc và trang phục. Giống như Mona Lisa của Leonardo da Vinci, sức hấp dẫn của bức tranh nằm ở sự mơ hồ trong biểu cảm. Ánh mắt trực diện và cử chỉ quay đầu tạo ra cảm giác cô gái vừa bị gián đoạn và đang sắp nói điều gì đó, nhưng lại giữ im lặng. Tác phẩm là một minh chứng cho sự tỉ mỉ của Vermeer. Ông sử dụng màu xanh ultramarine từ đá quý lapis lazuli cực kỳ đắt đỏ thời đó cho chiếc khăn xếp, cho thấy giá trị nghệ thuật cao và sự đầu tư lớn vào tác phẩm.

“Girl with a Pearl Earring” đại diện cho sự tinh tế và tĩnh lặng của Thời kỳ Vàng son Hà Lan. Tác phẩm không chỉ là một minh chứng cho tài năng bậc thầy về ánh sáng của Vermeer mà còn là lời nhắc nhở về vẻ đẹp thoáng qua, sự bí ẩn của bản chất con người và sức mạnh của nghệ thuật trong việc tạo ra một khoảnh khắc vĩnh cửu.

8. The School of Athens

“The School of Athens” là một trong những kiệt tác hội họa vĩ đại và nổi tiếng nhất của thời kỳ Phục Hưng Ý, được sáng tác bởi danh họa Raphael – một trong ba thiên tài vĩ đại nhất của thời kỳ Phục Hưng Ý.

Bức tranh tôn vinh tri thức, triết học và khoa học, thể hiện sự hội tụ của các nhà tư tưởng vĩ đại nhất của Hy Lạp và La Mã cổ đại. Đây là sự hòa hợp giữa lý trí và đức tin, một tinh thần quan trọng của thời Phục Hưng. Các nhân vật được đặt trong một công trình kiến trúc La Mã cổ điển, hùng vĩ với mái vòm và nghệ thuật phối cảnh hoàn hảo, mang đến một chiều sâu không gian ấn tượng đồng thời tạo cảm giác về sự vĩnh cửu và uy nghiêm của tri thức. Raphael sử dụng bố cục cân đối, hài hòa đồng thời sử dụng kỹ thuật phối cảnh tuyến tính một cách hoàn hảo, làm nổi bật hai nhân vật trung tâm và tạo chiều sâu đáng kinh ngạc cho bức tường phẳng.

Bên trái bức tranh là Plato giơ ngón tay chỉ thẳng lên trời, tượng trưng cho Triết học duy tâm của ông, nhấn mạnh vào thế giới của các ý tưởng và hình thức vĩnh cửu. Aristotle ở bên phải xòe bàn tay ngang mặt đất, biểu thị Triết học duy vật của ông, tập trung vào kinh nghiệm, thực tiễn và thế giới vật chất. Sự đối lập này thể hiện sự đối thoại vĩnh cửu và nền tảng của tư duy phương Tây: Lý tưởng đối lập với thực tế. Xung quanh trung tâm là hàng chục nhân vật nổi tiếng khác, mỗi người đại diện cho một trường phái tri thức, bao gồm: Socrates, Pythagoras, Euclid, Ptolemy, Diogenes, Heraclitus…

“The School of Athens” là hiện thân hoàn hảo của tinh thần Phục Hưng, nơi tri thức cổ điển, vẻ đẹp cơ thể con người, kiến trúc hài hòa và nghệ thuật đỉnh cao được kết hợp để tôn vinh sự vĩ đại của trí tuệ con người.

9. Impression, soleil levant

Tác phẩm hội họa “Impression, soleil levant” là một kiệt tác mang tính cách mạng của danh họa người Pháp Claude Monet – người được coi là cha đẻ và là đại diện tiêu biểu nhất của Trường phái Ấn tượng. Bức tranh này không chỉ nổi tiếng vì vẻ đẹp của nó mà còn vì vai trò lịch sử quan trọng: nó đã đặt tên cho toàn bộ trường phái Ấn tượng (Impressionism).

Tác phẩm mô tả cảnh bình minh tại cảng Le Havre, Pháp. Bức tranh thể hiện một khung cảnh mờ ảo, nơi mặt trời đỏ cam xuyên qua làn sương mù hoặc khói công nghiệp, phản chiếu trên mặt nước. Ở tiền cảnh có một số chiếc thuyền nhỏ và những cột buồm, nhà máy lờ mờ phía xa. Monet sử dụng những nét cọ nhanh, thô và không trộn lẫn màu sắc, tạo ra cảm giác thoáng qua, không chi tiết, nhằm mục đích ghi lại “ấn tượng” (impression) của khoảnh khắc ánh sáng và không khí thay đổi, thay vì tái hiện một cách chính xác hiện thực.

Trọng tâm của bức tranh là sự tương tác giữa ánh sáng và màu sắc. Ông sử dụng sự tương phản mạnh mẽ giữa màu cam nóng của mặt trời và màu xanh lam-xám lạnh của mặt nước và sương mù để tạo ra hiệu ứng rực rỡ và sống động. Việc sử dụng các mảng màu đặt cạnh nhau (phối màu quang học) tạo ra cảm giác về sự lung linh, chuyển động của mặt nước và không khí. Tác phẩm này đã thể hiện chủ trương vẽ ngoài trời của trường phái Ấn tượng, nhấn mạnh vào việc nắm bắt sự thay đổi của ánh sáng tự nhiên và bầu không khí.

“Impression, soleil levant” là tuyên ngôn mạnh mẽ về một phong cách nghệ thuật mới, phá vỡ các quy tắc truyền thống và mở đường cho sự phát triển của nghệ thuật hiện đại. Tác phẩm này được xem là tác phẩm định hình, đánh dấu sự ra đời và là tuyên ngôn của Trường phái Ấn tượng, nơi các họa sĩ từ bỏ quy tắc cứng nhắc của nghệ thuật hàn lâm, tập trung vào ánh sáng, màu sắc và cảm xúc tức thời của con người đối với thiên nhiên.

10. The Persistence of Memory

Tác phẩm hội họa “The Persistence of Memory” hay còn gọi là “Sự dai dẳng của Ký ức” là một trong những kiệt tác nổi tiếng và mang tính biểu tượng nhất của trường phái Siêu thực được sáng tác bởi Salvador Dalí – danh họa người Tây Ban Nha, một trong những đại diện tiêu biểu nhất của chủ nghĩa Siêu thực.

Bức tranh khắc họa một khung cảnh hoang vắng, mộng mị, lấy cảm hứng từ vùng bờ biển Cap de Creus ở Catalonia, quê hương của Dalí. Điểm nhấn nổi bật nhất của tác phẩm là hình ảnh những chiếc đồng hồ đang tan chảy nằm rải rác trong khung cảnh này. Đây là hình ảnh trung tâm và mang tính biểu tượng nhất, thách thức quan niệm truyền thống về thời gian là thứ cứng nhắc, cố định và tuyến tính. Chúng tượng trưng cho sự linh hoạt, chủ quan của thời gian, đặc biệt là trong trạng thái giấc mơ hoặc ký ức. Thời gian không còn là thước đo vật lý mà là một dòng chảy linh hoạt, biến ảo trong tâm trí con người. Các mỏm đá lởm chởm và bãi biển xa xăm tạo nên một phông nền ổn định, bất biến, đối lập mạnh mẽ với sự mềm mại và tan chảy của những chiếc đồng hồ. Nó thể hiện sự đối lập giữa thực tại và giấc mơ.

Ý nghĩa trung tâm của bức tranh là sự tương đối, linh hoạt và tan chảy của thời gian khi nó được nhìn nhận qua lăng kính của tiềm thức và giấc mơ. Những chiếc đồng hồ biến dạng cho thấy thời gian không phải là một đường thẳng cứng nhắc, mà bị uốn cong, kéo dài, và có thể bị “mềm hóa” bởi ký ức và trải nghiệm cá nhân. Giống như nhiều tác phẩm Siêu thực khác, Dalí sử dụng kỹ thuật vẽ hiện thực với độ chính xác cao để mô tả những hình ảnh phi lý, kỳ dị, đậm chất giấc mơ. Dalí từng gọi đây là “những bức ảnh giấc mơ được vẽ thủ công”. Tác phẩm tạo ra sự đối lập mạnh mẽ giữa các yếu tố cứng và mềm, bất biến và tan rã thể hiện cuộc chiến và sự tương tác giữa thế giới vật chất và thế giới tinh thần bên trong.

“The Persistence of Memory” không chỉ là một kiệt tác của Dalí mà còn là một tác phẩm mang tính biểu tượng toàn cầu, thách thức người xem suy ngẫm về bản chất của thực tại, thời gian và những giới hạn của tâm trí con người.

Những tác phẩm này không chỉ là những bức tranh đẹp mà còn là những dấu mốc quan trọng, thể hiện sự phát triển của các trường phái nghệ thuật và phản ánh sâu sắc đời sống, văn hóa, triết lý của nhân loại qua các thời kỳ.

Một số nội dung khác tại BlogAnChoi:

Phim Black Phone 2 (Điện Thoại Đen 2) dự kiến khởi chiếu vào tháng 10/2025

Bộ phim điện ảnh “The First Ride” có sự góp mặt của Kang Ha-neul, Cha Eun-woo hứa hẹn “khuấy động” phòng vé

Nguồn gốc và ý nghĩa của hoa mai

Hoa mai thuộc họ Ochnaceae, là loài hoa quen thuộc của Đông Nam Á, với dấu ấn đặc biệt trong văn hóa Việt Nam. Theo truyền thuyết, hoa mai xuất hiện từ hơn hai nghìn năm trước và nhanh chóng trở thành biểu tượng của sự trường thọ, phú quý, và lòng nhân ái. Người xưa thường ví hoa mai như một bậc quân tử – mạnh mẽ vượt qua giá lạnh để bung nở rực rỡ khi xuân về.

Hoa mai không chỉ là một loài cây đẹp mà còn có ý nghĩa sâu sắc đối với người Việt. Trong tiếng Quan Thoại, “mai” có nghĩa là sự vĩnh hằng, mãi mãi. Do đó, hoa mai thường được xem là biểu tượng của sự phát đạt và may mắn, mang lại điềm lành cho gia chủ. Ngoài ra, hoa mai cũng được coi là biểu tượng của lòng nhân ái, sự chân thành và sự dũng cảm trong tình yêu. Vì vậy, hoa mai thường được trồng để thể hiện tình cảm và sự tri ân đối với những người thân yêu.

Trong phong thủy, hoa mai tượng trưng cho ngũ phúc: trường thọ, giàu sang, bình an, đức hạnh, và sức khỏe. Sắc vàng của hoa còn gợi lên sự phồn thịnh và hy vọng, khiến mỗi nụ mai trên cành trở thành lời chúc tốt đẹp cho một năm mới an khang, vạn sự như ý.

Ngoài ý nghĩa trong văn hóa dân gian, hoa mai cũng có ý nghĩa đặc biệt trong tôn giáo. Theo đạo Phật, hoa mai là một trong bốn loài hoa thiêng liêng và được xem là biểu tượng của sự thanh tịnh và chân thành trong tâm linh. Trong đạo Thiên Chúa giáo, hoa mai được dùng để tôn vinh Đức Mẹ Maria. Vì vậy, hoa mai thường được trồng và treo trong các nhà thờ và nhà chùa.

Nghệ thuật trồng và chăm sóc hoa mai

Trồng hoa mai không chỉ là thú vui tao nhã mà còn thể hiện sự kiên nhẫn và tinh tế của người chơi cây. Dưới đây là các bí quyết giúp bạn sở hữu những chậu mai đẹp mãn nhãn:

1. Chọn giống và chuẩn bị đất

Hoa mai phổ biến tại Việt Nam gồm hai loại chính: mai vàng miền Nam (Ochna integerrima) và mai trắng miền Bắc. Đất trồng lý tưởng cần tơi xốp, giàu dinh dưỡng, và thoát nước tốt. Hỗn hợp đất nên bao gồm đất thịt, phân chuồng và tro trấu.

2. Trồng đúng kỹ thuật

Từ hạt: Ngâm hạt trong nước ấm khoảng 24 giờ trước khi gieo. Khi gieo, phủ nhẹ lớp đất lên bề mặt, giữ ẩm đều.

Từ cành chiết: Chọn cành khỏe, có rễ non, đặt nhẹ nhàng vào đất trồng, nén chặt phần gốc để cố định.

3. Chăm sóc định kỳ

Tưới nước: Hoa mai ưa ánh sáng và cần tưới đều đặn, nhưng tránh để đất úng nước.

Bón phân: Sử dụng phân hữu cơ hoặc NPK vào các giai đoạn phát triển của cây, đặc biệt trước mùa hoa nở.

Cắt tỉa: Sau mỗi mùa hoa, cắt bỏ cành khô, yếu để cây tập trung dinh dưỡng nuôi thân chính.

4. Phòng trừ sâu bệnh

Sâu đục thân, rệp sáp là những “kẻ thù” của hoa mai. Sử dụng dung dịch tỏi ớt hoặc thuốc trừ sâu sinh học để bảo vệ cây một cách an toàn.

Hoa mai trong đời sống văn hóa và nghệ thuật

Hoa mai, với vẻ đẹp thuần khiết và sức sống bền bỉ, không chỉ là biểu tượng của mùa xuân mà còn hiện diện sâu sắc trong văn hóa và nghệ thuật Việt Nam. Hình ảnh cành mai vàng không chỉ làm say lòng người thưởng lãm mà còn gợi cảm hứng bất tận trong thơ ca, hội họa, và tín ngưỡng tâm linh.

1. Trong thơ ca: Hoa mai – Dáng vẻ của người quân tử

Trong thi ca Việt Nam, hoa mai thường được so sánh với phẩm chất cao quý của người quân tử – thanh tao, bền bỉ trước sóng gió, và tỏa sáng khi xuân về. Vẻ đẹp tinh tế của mai không phô trương rực rỡ như đào mà mang nét kiên cường, khiêm nhường nhưng đầy cuốn hút.

Câu thơ:

“Mai cốt cách, tuyết tinh thần,

Mỗi người một vẻ, mười phân vẹn mười.”

Đã khắc họa trọn vẹn sự cao sang của hoa mai, gắn bó với hình tượng người quân tử trong văn hóa Á Đông.

Bên cạnh đó, hoa mai còn là hình ảnh biểu trưng cho sự hy vọng và tươi mới, đặc biệt trong thời điểm giao thoa giữa năm cũ và năm mới. Những câu thơ chúc Tết ngày xưa thường nhắc đến mai như một cách gửi gắm lời chúc về sự thịnh vượng: “Hoa mai nở rộ trước hiên, Đón xuân phú quý, trọn niềm an vui.”

Không chỉ trong thơ văn cổ điển, ngay cả những sáng tác hiện đại cũng đưa hoa mai vào câu chuyện mùa xuân, thể hiện khát khao và niềm tin vào một khởi đầu mới:

“Cành mai nở giữa trời xanh,

Gió xuân mang đến bao điều ước mong.”

Hình ảnh mai không chỉ đứng yên trong khung cảnh xuân mà còn trở thành ẩn dụ cho sự thanh cao và vượt lên khó khăn của con người.

2. Trong hội họa: Hoa mai – Linh hồn trong nét bút nghệ thuật

Trong hội họa, hoa mai là một trong những chủ đề phổ biến và được yêu thích nhất. Các nghệ nhân Việt Nam thường dùng hoa mai để miêu tả sự chuyển mình của đất trời khi xuân đến, với sắc vàng ấm áp làm bừng sáng cả không gian.

• Tranh thủy mặc: Trên nền giấy dó mộc mạc, cành mai được vẽ bằng những nét bút tinh tế, vừa mạnh mẽ vừa uyển chuyển, gợi lên hình ảnh một loài hoa kiên cường trước gió lạnh mà vẫn khoe sắc rực rỡ. Tranh thủy mặc về mai thường không chỉ để trang trí mà còn mang ý nghĩa phong thủy, giúp không gian sống thêm phần thanh tịnh và đầy sinh khí.
• Tranh lụa: Mai trên lụa mềm mại là sự kết hợp tuyệt vời giữa chất liệu truyền thống và vẻ đẹp tinh tế của hoa. Mỗi cánh mai vàng ánh lên sự mềm mại, nhẹ nhàng nhưng không kém phần rạng ngời, như nhắn nhủ thông điệp về sự tươi mới và may mắn.
• Nghệ thuật đương đại: Trong nghệ thuật hiện đại, hoa mai đã vượt khỏi những bức tranh truyền thống, xuất hiện trên các chất liệu khác nhau như gốm sứ, tranh 3D, thậm chí cả thời trang và thiết kế nội thất. Những họa tiết hoa mai vàng thường được cách điệu, mang hơi thở hiện đại nhưng vẫn giữ trọn tinh thần của mùa xuân Việt.

Trong đời sống tín ngưỡng, hoa mai không chỉ là loài hoa đẹp mà còn mang ý nghĩa tâm linh sâu sắc.

• Trong đạo Phật: Hoa mai là biểu tượng của sự giác ngộ và tinh khiết. Tương truyền, mỗi khi Đức Phật thuyết pháp, các cánh hoa mai sẽ rụng xuống như một lời chúc phúc, biểu trưng cho sự thanh tịnh và từ bi. Vì vậy, trong nhiều ngôi chùa ở Việt Nam, hoa mai thường được bày trí trong các ngày lễ lớn để cầu mong sự bình an và lòng từ bi lan tỏa khắp nhân gian.

  

• Trong dân gian: Người xưa tin rằng hoa mai có khả năng xua đuổi tà khí, mang lại phước lành cho gia chủ. Mỗi dịp Tết, cành mai vàng được bày trang trọng trong nhà không chỉ để trang trí mà còn như một lời mời gọi may mắn đến với gia đình. Những chiếc lá non chồi lên trên cành mai báo hiệu mùa xuân mới, tượng trưng cho sự tái sinh và phát triển.
• Trong phong thủy: Hoa mai vàng được cho là mang năng lượng tích cực, giúp gia chủ thăng tiến trong công việc và cuộc sống. Hình ảnh năm cánh mai nở được xem như đại diện cho ngũ phúc – một quan niệm sâu sắc trong triết lý Á Đông.

Hoa mai không chỉ dừng lại ở vẻ đẹp bề ngoài mà còn len lỏi vào đời sống tinh thần của người Việt, trở thành biểu tượng của niềm tin, sự lạc quan, và vẻ đẹp nội tâm. Từ những câu thơ ngân vang, những bức tranh thanh thoát, đến tín ngưỡng thiêng liêng, hoa mai vẫn luôn giữ trọn vị trí độc tôn trong trái tim mỗi người con đất Việt.

Mỗi cành mai là một câu chuyện, mỗi cánh hoa là một niềm hy vọng. Thưởng thức hoa mai, ta không chỉ ngắm nhìn sắc vàng rực rỡ mà còn cảm nhận được tinh hoa của đất trời và tâm hồn người Việt – giản dị mà sâu sắc, kiên cường mà đầy tình yêu thương.

Lễ hội Hoa Mai – Tôn vinh sắc vàng mùa Xuân

Mỗi độ xuân về, sắc vàng rực rỡ của hoa mai không chỉ làm say lòng người thưởng ngoạn mà còn trở thành tâm điểm của nhiều lễ hội lớn nhỏ trên khắp Việt Nam. Các lễ hội hoa mai, từ Bắc chí Nam, không chỉ tôn vinh vẻ đẹp của loài hoa này mà còn là dịp để người dân và du khách trải nghiệm những giá trị văn hóa truyền thống đặc sắc.

Miền Nam: Hội thi mai kiểng – Nơi hội tụ nghệ nhân tài hoa

Vùng đất phương Nam, nơi hoa mai vàng nở rộ nhất vào mỗi dịp Tết, là cái nôi của nhiều lễ hội hoa mai độc đáo. Đặc biệt, các tỉnh như Bến Tre và Đồng Tháp nổi tiếng với các hội thi mai kiểng, nơi quy tụ những cây mai đẹp nhất từ khắp nơi và sự tham gia của các nghệ nhân tài hoa.

• Hội thi mai vàng Bến Tre: Diễn ra tại thành phố Bến Tre vào những ngày cận Tết, đây là sự kiện thu hút đông đảo người yêu mai kiểng. Những cây mai dáng “thế” độc đáo, với tuổi đời từ vài chục đến cả trăm năm, được trưng bày và dự thi. Nghệ nhân không chỉ thể hiện tay nghề tạo dáng mai mà còn chia sẻ kinh nghiệm trồng và chăm sóc loài cây đặc biệt này.
• Hội thi mai vàng Đồng Tháp: Tại Sa Đéc, nơi nổi danh là “thủ phủ hoa” của miền Tây, hội thi mai vàng được tổ chức hàng năm như một phần không thể thiếu của chợ hoa Tết. Những chậu mai vàng với cành lá xum xuê, hoa nở đều và đẹp được đánh giá dựa trên nhiều tiêu chí, từ dáng cây, tuổi thọ đến sự công phu trong cách chăm sóc.

  

• Lễ hội hoa xuân ở TP.HCM: Công viên Tao Đàn là nơi diễn ra lễ hội hoa xuân lớn nhất khu vực, trong đó hoa mai chiếm vị trí trung tâm. Các nghệ nhân từ nhiều tỉnh thành mang đến những tác phẩm mai vàng độc đáo, thu hút hàng ngàn lượt khách tham quan mỗi năm.

  

Miền Trung: Huế – Lễ hội mai vàng Cố Đô

Cố đô Huế, vùng đất giàu truyền thống văn hóa, cũng là nơi tổ chức những lễ hội hoa mai đặc sắc. Một trong những điểm nhấn không thể bỏ qua chính là Lễ hội Mai Vàng Cố Đô, diễn ra tại các khu vườn cổ kính thuộc khu vực Đại Nội và các lăng tẩm nổi tiếng.

• Lễ hội mai vàng tại Đại Nội: Tổ chức vào dịp Tết Nguyên Đán, lễ hội này không chỉ là nơi trưng bày những cây mai đẹp nhất cố đô mà còn kết hợp với các hoạt động văn hóa truyền thống như múa lân, diễn xướng cung đình, và các trò chơi dân gian. Du khách đến đây không chỉ được ngắm nhìn những cây mai trăm tuổi mà còn hòa mình vào không khí yên bình, cổ kính của Huế.
• Lễ hội mai vàng ở lăng Tự Đức và lăng Minh Mạng: Tại các lăng tẩm hoàng gia, những cây mai vàng được chăm sóc đặc biệt suốt cả năm để khoe sắc vào mùa xuân. Lễ hội tại đây mang đậm chất tâm linh và trang nghiêm, là dịp để người dân cầu mong một năm mới bình an và phát đạt.
• Hội chợ hoa xuân ở Phú Bài: Gần sân bay Phú Bài, thị xã Hương Thủy cũng tổ chức hội chợ hoa với hàng trăm loại cây cảnh, trong đó mai vàng luôn là tâm điểm thu hút du khách.

Miền Bắc: Hoa mai trong không gian lễ hội văn hóa dân gian

Dù hoa đào chiếm ưu thế hơn tại miền Bắc, hoa mai vẫn hiện diện trong nhiều lễ hội lớn, đặc biệt là tại các vùng đất gắn liền với văn hóa truyền thống.

• Lễ hội hoa mai tại Bắc Ninh: Bắc Ninh, vùng đất quan họ, tổ chức lễ hội hoa mai tại Chùa Dâu – một trong những ngôi chùa cổ nhất Việt Nam. Lễ hội không chỉ giới thiệu những cây mai vàng từ các tỉnh phía Nam mà còn là nơi diễn ra các nghi lễ cầu phúc, cầu may đặc trưng của Phật giáo.
• Lễ hội hoa xuân tại Hà Nội: Tại Công viên Thống Nhất và các khu vực quanh Hồ Gươm, hoa mai vàng được bày trí song song với hoa đào, tạo nên không gian rực rỡ, đậm chất xuân. Đây cũng là dịp để người dân thủ đô tìm hiểu thêm về vẻ đẹp và ý nghĩa của loài hoa phương Nam.

Kết luận

Hoa mai không chỉ đơn thuần là một loài hoa, mà còn là một phần hồn cốt của mùa xuân Việt Nam. Mỗi cánh mai rung rinh trước gió xuân là một lời nhắn nhủ về sự kiên trì, hy vọng và tình yêu cuộc sống. Trong sắc vàng ấm áp ấy, người ta tìm thấy niềm tin về một tương lai tươi sáng, nơi những ước nguyện được đơm hoa kết trái.

Hãy dành thời gian ngắm nhìn và chăm sóc hoa mai trong khu vườn của bạn, để cảm nhận trọn vẹn vẻ đẹp và ý nghĩa sâu xa của loài hoa này. Cùng nhau, chúng ta không chỉ bảo tồn một nét đẹp văn hóa truyền thống mà còn thắp sáng niềm tự hào về bản sắc dân tộc. Cùng thắp sáng mùa xuân 2025 của bạn bằng sắc vàng rực rỡ của mai, để mỗi ngày đều là một khởi đầu đầy may mắn và hạnh phúc lan tỏa khắp mọi nơi nhé!

Lễ hội hoa Shibazakura

Shibazakura, có nghĩa là “thảm hoa” đầy màu sắc và sinh động. Những khu vực trồng hoa Shibazakura được thiết kế một cách tự nhiên và nghệ thuật, tạo nên các bức tranh hữu tình với nền núi Phú Sĩ làm hậu cảnh.

Lễ hội Fuji Shibazakura tỏa sáng với khoảng 800,000 bông hoa Shibazakura mở ra như một biển hồng, trắng và tím, hấp dẫn lòng người vào không gian tuyệt vời của nền văn hóa Nhật Bản. Tại những gian hàng lễ hội, du khách không chỉ được ngắm nhìn những chậu rêu hồng rực mà còn có cơ hội sở hữu những món quà lưu niệm Shibazakura độc đáo với nhiều chủ đề khác nhau. Hương vị đặc trưng và đa dạng của đặc sản địa phương cũng đưa du khách vào một hành trình ẩm thực không ngừng.

Địa điểm tổ chức lễ hội Fuji Shibazakura không chỉ thu hút đông đảo du khách địa phương mà còn là điểm đến lý tưởng cho những người từ khắp nơi trên thế giới. Tuy nhiên, để tránh những đợt đông đúc vào cuối tuần hay các dịp lễ đặc biệt, bạn nên lựa chọn thời điểm khác để trải nghiệm vẻ đẹp yên bình và tinh khôi của Shibazakura. Hãy bắt đầu ngày mới bằng cảm nhận vị ngọt ngào của Shibazakura trong buổi sáng tinh khôi.

Thời gian và địa điểm

Lễ hội hoa Shibazakura thường diễn ra từ cuối tháng 4 đến giữa tháng 6, tùy thuộc vào điều kiện thời tiết. Tuy nhiên, thời điểm hoa nở rộ và đẹp nhất là vào khoảng đầu tháng 5. Địa điểm chính thức của lễ hội thường là khu vực công viên Fuji Motosuko Shibazakura, ở thị trấn Kawaguchiko, tỉnh Yamanashi, cách Tokyo khoảng 2 giờ đi xe.

Trải nghiệm thú vị

Cơ hội để ngắm nhìn vẻ đẹp của hoa Shibazakura: Loài hoa này chỉ mở cánh trong một khoảng thời gian ngắn vào mùa xuân, làm cho lễ hội trở thành cơ hội hiếm hoi để bạn chiêm ngưỡng vẻ đẹp tinh khôi của loài hoa độc đáo này.

Hơn cả một lễ hội hoa: Lễ hội Shibazakura không chỉ đơn thuần là một sự kiện hoa đẹp mắt, mà còn mang đến nhiều hoạt động thú vị khác như diễu hành xe hoa, biểu diễn nghệ thuật truyền thống, khu vui chơi giải trí cho trẻ em,…tạo nên một trải nghiệm đầy đủ và đáng nhớ cho du khách.

Thưởng ngoạn khung cảnh hùng vĩ của núi Phú Sĩ: Đằng sau cánh đồng hoa Shibazakura là ngọn núi Phú Sĩ hùng vĩ. Sự kết hợp hài hòa giữa sắc hoa rực rỡ và ngọn núi tuyết trắng tạo nên một bức tranh thiên nhiên tuyệt vời, khiến bất kỳ ai cũng phải say mê.

Tận hưởng bầu không khí trong lành: Lễ hội được tổ chức ngoài trời, bên cạnh thiên nhiên tươi đẹp. Đây là không gian lý tưởng để bạn thư giãn và hòa mình vào bầu không khí trong lành, tránh xa khỏi những ồn ào của đô thị.

Chụp những bức ảnh tuyệt đẹp: Với khung cảnh tuyệt vời của hoa và núi Phú Sĩ hùng vĩ, bạn sẽ có cơ hội chụp những bức ảnh đẹp để lưu giữ những khoảnh khắc đặc biệt này.

Cơ hội để hòa mình vào văn hóa Nhật Bản: Lễ hội Shibazakura là một cửa sổ mở ra để bạn khám phá văn hóa Nhật Bản, thưởng thức ẩm thực truyền thống và tương tác với người dân địa phương thân thiện và nhiệt tình.

Hoạt động và sự kiện bên lề

Gian Hàng Thực Phẩm Địa Phương: Du khách có thể thưởng thức các món ăn đặc sản địa phương và đồ uống truyền thống.

Gian Hàng Mỹ Nghệ và Nghệ Thuật: Triển lãm các sản phẩm nghệ thuật và thủ công độc đáo, thường làm từ các nghệ nhân địa phương.

Sự Kiện Văn Hóa Nhật Bản: Các buổi biểu diễn truyền thống như trình diễn trang phục kimono, nhảy Yosakoi và các hoạt động trải nghiệm văn hóa.

Kinh nghiệm du lịch

Lễ Hội Ánh Sáng: Khi bắt đầu tối, lễ hội chuyển sang một không gian thơ mộng với hàng nghìn đèn lồng chiếu sáng hoa Shibazakura.

Hành Trình Dã Ngoại: Nếu có thời gian, các bạn có thể tham gia các chuyến dã ngoại xung quanh khu vực Saiko để thưởng ngoạn vẻ đẹp tự nhiên và hòa mình vào không khí tĩnh lặng.

Lễ hội hoa Shibazakura là một trải nghiệm tuyệt vời cho những ai muốn khám phá vẻ đẹp độc đáo và tận hưởng không khí mùa xuân ấm áp của Nhật Bản.

Bạn có thể quan tâm:

• Chirashi sushi là gì? Món ăn đặc biệt trong các dịp lễ hội của Nhật Bản
• Giấc mơ của các mọt sách: Jólabókaflóðið – hay lễ hội sách Yule của Iceland
• Lễ hội kim chi Gwangju – Lễ hội truyền thống đặc sắc của người Hàn Quốc

Jungkook, thành viên solo cuối cùng của BTS, cuối cùng đã phát hành album solo dài đầu tiên của mình! Là thần tượng nổi tiếng nhất Hàn Quốc, Jungkook đã từ thần tượng trẻ tuổi nhất trên truyền hình trở thành siêu sao toàn cầu, 10 năm kể từ khi ra mắt còn thú vị hơn cả một bộ anime máu lửa! Nhân ngày phát hành album mới “GOLDEN” của Jungkook, hãy cùng điểm lại cuộc sống vàng son của “Em út vàng” Jungkook thú vị như thế nào nhé!

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 13 tuổi

Thi trượt tuyển quân nhưng nhận được lời mời từ 7 công ty, vì RM mà chọn BIGHIT

Jungkook đến Seoul từ Busan năm 13 tuổi, tham gia chương trình tài năng SUPER STARK3 và hát các ca khúc của 2AM. Dù không được chọn thành công vào thời điểm đó nhưng Jungkook đã nhận được lời mời từ bảy công ty để trở thành thực tập sinh thông qua cơ hội này, bao gồm cả Bao gồm các công ty lớn như YG và CUBE được công chúng biết đến, cuối cùng, Jungkook đã xem video huấn luyện của trưởng nhóm RM và bị thu hút bởi sức mạnh của anh mình nên đã chọn gia nhập BIGHIT.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 16 tuổi

Anh ra mắt với tư cách “Em út vàng” của BTS và càn quét các giải thưởng tân binh ra mắt.

Sau 3 năm luyện tập, Jungkook được chọn vào nhóm nhạc BTS và đảm nhiệm 3 vị trí chính là hát chính, nhảy chính và trợ lý rapper, được mệnh danh là “Em út vàng”. Khi còn là thực tập sinh, trong quá trình đào tạo, Jungkook thậm chí còn muốn trở thành một vũ công nhưng cuối cùng, anh đã được Jimin thuyết phục quay lại và dấn thân thành công trên con đường ra mắt.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 17 tuổi

BTS đoạt giải Tân binh thế giới

Sau khi ra mắt, BTS không chỉ càn quét nhiều giải thưởng tân binh tại Hàn Quốc mà còn giành được giải thưởng “Tân binh thế giới” vào năm sau, điều này cũng mở đường cho BTS thu hút sự chú ý của thế giới trong tương lai.Jungkook khi đó mới 17 tuổi. thời gian này.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 18 tuổi

Anh bắt đầu thử sức sáng tác nhạc và trở thành nhà sản xuất

Sau đó bắt đầu với series In the Mood for Love của Jungkook, series In the Mood for Love của Bulletproof. Ca khúc chủ đề “I Need U” của loạt album này đã giành vị trí đầu tiên trong Bulletproof, chứng tỏ quốc tịch của họ đã bắt đầu mở rộng và Jungkook Anh cũng bắt đầu tham gia viết lời, nhạc và trở thành nhà sản xuất ca khúc Love is Not Over, lúc này Jungkook mới bước sang tuổi 18.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 19 tuổi

Giành được giải thưởng lớn đầu tiên

Sau In the Mood for Love, Bangtan một lần nữa phát hành full album thứ hai “WINGS”, đây cũng là một tác phẩm mang tính thay đổi của BTS, kết hợp chủ đề tuổi trẻ với sự cám dỗ và nghịch cảnh, đồng thời trở thành album bán chạy nhất K-pop Vào thời điểm đó, và giành được danh hiệu “WINGS” tại Seoul, Jungkook vừa tốt nghiệp trung học năm nay khi giành được giải “Album của năm” tại Music Awards.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 20 tuổi

Đoạt giải Billboard và được mời tham dự sân khấu AMA

Khi Jungkook 20 tuổi, BTS đã giành giải Billboard Social Artist, đánh bại Justin Bieber, người đã tái đắc cử vài năm, và cùng năm đó, họ cũng được mời biểu diễn tại AMA American Music Awards. Nhóm nhạc Hàn Quốc được mời vào năm đó và BTS chính thức bắt đầu năm đầu tiên tiến ra thị trường toàn cầu.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 21 tuổi

Phát biểu tại Liên Hợp Quốc và được trao Huân chương Văn hóa Hàn Quốc

Khi Jungkook 21 tuổi, Bangtan có bài phát biểu đầu tiên tại Liên Hợp Quốc, truyền tải tầm quan trọng của việc yêu bản thân trong giới trẻ hiện đại, đồng thời anh cũng nhận được vinh dự lớn tại Hàn Quốc khi trở thành thần tượng đầu tiên nhận được “Huân chương Văn hóa Hàn Quốc”, trong khi em út Jungkook cũng là người trẻ nhất trong lịch sử nhận giải.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 22 tuổi

Chính thức tiến vào thị trường Âu Mỹ

Sau sân khấu Billboard và AMA, cuối cùng BTS cũng chính thức bước vào cung điện cao nhất làng nhạc.giải Grammy, trở thành khách mời mời trao giải Grammy, lúc này họ cũng chính thức mở cửa thị trường Âu Mỹ, bắt đầu chuẩn bị sản xuất đĩa đơn tiếng Anh, đồng thời có thêm cơ hội hợp tác với các nhà sản xuất âm nhạc Âu Mỹ.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: 23 tuổi

Đứng No.1 Billboard Hot 100 đúng ngày sinh nhật

Rồi ngày kịch tính nhất cũng đến! Vào sinh nhật lần thứ 23 của Jungkook, Bangtan đã đứng vị trí số 1 trên “Billboard Hot 100” với ca khúc “Dynamite”, trở thành nghệ sĩ Hàn Quốc đầu tiên giành được đĩa đơn quán quân tại Mỹ đồng thời anh cũng là người đầu tiên được đề cử giải Grammy. thời gian, hợp tác với rapper nổi tiếng Lil Nasx cùng biểu diễn tại lễ trao giải Grammy, còn Jungkook cũng thể hiện thành công khả năng live đỉnh cao của mình với tư cách giọng ca chính trên sân khấu thế giới.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Năm 24 tuổi

Được mời sang Nhà Trắng ở Mỹ và được cấp hộ chiếu ngoại giao Hàn Quốc

Khi Jungkook 24 tuổi, BTS vẫn đang bay cao, từ một nhóm nhạc thần tượng đơn thuần trở thành một trong những “biểu tượng của văn hóa đại chúng Hàn Quốc”, được mời tới Nhà Trắng gặp Tổng thống Mỹ Biden và phát động tội ác căm thù người châu Á. Vấn đề này đã được thảo luận và thậm chí ông còn có bài phát biểu tại Liên Hợp Quốc ba lần. Ngay từ đầu, chỉ có trưởng nhóm RM nói bằng tiếng Anh, còn tất cả các thành viên đều nói bằng tiếng Hàn, trở thành nhóm nhạc châu Á có tiếng nói nhất trên sân khấu thế giới.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: Tuổi 25

Biểu diễn ở World Cup

Sau đó, Bangtan tạm dừng hoạt động nhóm và bắt đầu hoạt động cá nhân của các thành viên.Hoạt động solo đầu tiên của Jungkook đã thể hiện hoàn hảo giá trị của anh với tư cách một “ca sĩ đẳng cấp thế giới”. Ca sĩ người Qatar Fahad Al Kubaisi, anh trở thành ca sĩ Hàn Quốc đầu tiên trong lịch sử hát bài hát chính thức của World Cup và biểu diễn tại lễ khai mạc.

Cuộc đời vàng son của Jungkook: 26 tuổi

Album đầu tay “GOLDEN”

Năm 2023, Jungkook phát hành hai đĩa đơn ăn khách “Seven (feat.Latto)” và “3D (feat.Jack Harlow)”, cả hai đều đạt được thành công vang dội. Với nhiều sự mong đợi, cuối cùng Jungkook cũng sắp chính thức SOLO phát hành album thường xuyên đầu tiên album, đồng thời mời nhiều nhà sản xuất siêu nổi tiếng Âu Mỹ đến cộng tác, chắc hẳn đây sẽ là SOLO được mong chờ nhất năm nay! Cuối cùng, hãy cùng biên tập viên điểm qua 5 siêu tài của Jungkook nhé !

Tài năng của Jungkook 1: Hội họa

Tài năng đầu tiên và được nhiều người biết đến của Jungkook là anh ấy vẽ rất giỏi, thậm chí còn tự học. Jungkook sinh ra đã có năng khiếu hội họa, mỗi lần vẽ ngẫu nhiên một bức tranh, sáu người anh em của cậu đều phải thở dài rằng cậu là bậc thầy! Làm sao có người có thể vẽ được như thế này bằng bút viết bảng trắng!

Tài năng của Jungkook 2: Chơi game chuyên nghiệp

Đội tuyển thể thao điện tử Hàn Quốc T1 được mời làm khách mời trong show truyền hình của BTS. Một trong những nguyên nhân là vì Jungkook rất thích chơi điện tử, trước đây anh từng chia sẻ hình ảnh mình chơi game đấu súng trên Twitter, thậm chí fan còn phát hiện ra Khi Jungkook đứng đầu máy chủ Hàn Quốc, cư dân mạng gọi đùa anh là “một tuyển thủ thể thao điện tử bị trì hoãn bởi sự nghiệp ca sĩ”.

Tài năng bất ngờ của Jungkook 3: Siêu giỏi thể thao

Là vũ công chính của Bangtan, người nổi tiếng với “vũ đạo làm tan nát cơ thể”, Jungkook cũng có kỹ năng thể thao siêu tốt! Khi tham gia cuộc đua tiếp sức của Idol Games vài năm trước, anh ấy lần nào cũng đóng vai trò quan trọng nhất và thành công vượt qua những người chơi trước đó, giúp Bangtan giành vị trí thứ nhất. Bangtan cũng đã giành chức vô địch tiếp sức trong ba năm liên tiếp. mấu chốt là khả năng thể thao siêu phàm của Jungkook!

Tài năng của Jungkook 4: Thiên tài biên tập

Không chỉ là một ca sĩ, vũ công giỏi trước ống kính, Jungkook còn rất giỏi trong công việc hậu trường, khả năng chỉnh sửa video có thể sánh ngang với một biên tập viên chuyên nghiệp và anh ấy thường sử dụng các video ngắn trên TikTok. để chia sẻ những điều thú vị với người hâm mộ, thậm chí cả điệu nhảy SMOKE mà anh ấy đã làm cách đây không lâu. Anh ấy đã tự mình biên tập tất cả các thử thách, đúng như dự đoán, Jungkook biết tất cả mọi thứ nhưng lại không biết cách cưới tôi!

Tài năng của Jungkook 5: Bàn tay vàng siêu may mắn

Tài năng cuối cùng chính là sự may mắn siêu vàng của Jungkook. Trong trò chơi thể chất ở BTS, Jungkook là người có thế giới quan mạnh nhất, lần nào cậu ấy cũng có thể hoàn thành nhiệm vụ tốt nhất. Ngoài ra, cậu ấy còn có siêu sức mạnh và thể lực. Siêu giỏi và nhiều loại buff khác nhau, đôi khi thậm chí có sáu anh em sẽ thua anh ấy. Anh ấy thực sự là maknae vàng ròng 24K của chúng tôi.

1. Guernica được ủy thác bởi chính phủ Tây Ban Nha

Khi Hội chợ Thế giới năm 1937 đến gần, các thành viên của chính phủ dân chủ Tây Ban Nha muốn nhà trưng bày Tây Ban Nha tại Triển lãm Quốc tế về Nghệ thuật và Công nghệ trong Cuộc sống Hiện đại ở Paris trưng bày một bức tranh vạch trần sự tàn bạo của Generalissimo Francisco Franco và đồng bọn.

Họ để mắt đến một trong những họa sĩ nổi tiếng nhất Tây Ban Nha, Pablo Picasso, người đã được công nhận vào những năm 1910 với các tác phẩm theo trường phái Lập thể và đã tiếp cận ông. Picasso đã được nhà thơ Juan Larrea thuyết phục nhận công việc này, nhưng trong nhiều tháng sau đó, ông chỉ tạo ra được một số bản phác thảo mà thôi.

2. Picasso không đến Tây Ban Nha trong hơn ba năm sau khi Guernica được trưng bày

Picasso đã sống ở Pháp từ năm 1904. Để lên tiếng phản đối chế độ quân phiệt chuyên chế ở quê nhà Tây Ban Nha, Picasso đã tạo ra tác phẩm để lên án chiến tranh và tưởng nhớ những thành phố bị bom đạn tàn phá. Kể từ năm 1934, ông chưa bao giờ quay trở lại Tây Ban Nha.

3. Lực lượng của Franco đổ lỗi vụ đánh bom được mô tả trong bức tranh cho đối thủ

Bức tranh của Picasso mô tả vụ đánh bom thị trấn Guernica ở xứ Basque vào ngày 26 tháng 4 năm 1937. Các đồng minh Đức và Ý của Franco trong cuộc Nội chiến Tây Ban Nha đã ném bom rải thảm Guernica, thành trì của phe Cộng hòa đối lập với những người theo chủ nghĩa Quốc gia của Franco trong nhiều giờ.

Ước tính số lượng người tử vong bởi vụ tấn công này dao động trong khoảng từ 200 đến hơn 1000. Franco và các đồng minh của mình đã đổ lỗi vụ tấn công kinh hoàng cho lực lượng Cộng hòa đối địch.

4. Picasso lấy cảm hứng từ một bài báo trên tờ The Times

Theo họa sĩ José Maria Ucelay, Picasso biết về vụ đánh bom từ Larrea – người đã đề nghị ông biến nó thành chủ đề cho bức tranh của mình. Lúc đầu Picasso do dự, nhưng ông vô cùng xúc động trước bài tường thuật về sự kiện do nhà báo người Anh gốc Nam Phi George Steer viết cho The Times.

Bài báo có tựa đề “Bi kịch của Guernica: Một thị trấn bị phá hủy trong cuộc không kích: Lời kể của nhân chứng”.

5. Picasso bắt đầu vẽ tranh khi “deadline” đã cận kề

Picasso bị ảnh hưởng bởi câu chuyện Guernica của Steer đến nỗi ông đã hủy bỏ kế hoạch vẽ tranh trước đó và bắt đầu thực hiện tác phẩm có khuynh hướng chính trị này – một trong những bức tranh thể hiện sớm nhất – của ông vào ngày 1 tháng 5 năm 1937, chỉ ba tuần trước khi triển lãm diễn ra.

Mãi đến đầu tháng 6 thì Guernica mới được hoàn thành, khoảng hai tuần sau khi gian triển lãm mở cửa.

6. Picasso và Franco

Việc Picasso tạo ra một trong những bức tranh nổi tiếng nhất thế kỷ 20 chỉ trong hơn một tháng đã đủ ấn tượng, nhưng Guernica lại không phải là tâm điểm chú ý duy nhất của họa sĩ trong thời gian này.

Vào tháng 1 năm 1937, Picasso đã xuất bản một bộ tranh khắc và bản in màu nước, có tựa đề chung là Giấc mơ và sự dối trá của Franco. Vào ngày 7 tháng 6 cùng năm, cùng thời điểm giao Guernica cho gian triển lãm Tây Ban Nha, Picasso đã thêm loạt hình ảnh thứ hai vào Giấc mơ và Lời nói dối của Franco.

7. Phiên bản đầu tiên của Guernica gay gắt hơn

Một trong những bản thảo đầu tiên của Picasso về bức tranh có hình một nắm tay giơ lên, một biểu tượng chung của tinh thần đoàn kết chống lại áp bức. Những người phản đối triều đại của Franco đã sử dụng biểu tượng này trong Nội chiến Tây Ban Nha. Lúc đầu Picasso vẽ bàn tay này là tay không, sau đó nắm một bó lúa, cuối cùng thì ông đã xóa hoàn toàn hình ảnh này đi.

8. Guernica từng có màu

Guernica là một trong những bức tranh đen trắng nổi tiếng nhất trong lịch sử, nhưng Picasso đã từng muốn có thêm màu sắc cho tác phẩm này.

Anh đã thêm một giọt nước mắt màu đỏ chảy ra từ mắt một người phụ nữ đang khóc, cũng như những mẫu giấy dán tường màu khác. Nhưng trong thành phẩm cuối cùng, không có bất cứ yếu tố nào trong số những thay đổi này được giữ lại.

Bạn có thể đọc thêm:

• Góc tò mò: 13 từ khác nhau trong phương ngữ giữa Hàn Quốc và Triều Tiên
• 11 sự thật về Hanukkah – một trong những ngày lễ quan trọng nhất của người Do Thái
• 5 căn bệnh đáng sợ mà hoàng tộc Tudor phải đối mặt vào thế kỉ 16

1. Picasso từ chối nói về tính biểu tượng của bức tranh

Các học giả đã cố gắng giải mã ý nghĩa của các biểu tượng trong Guernica, đặc biệt là hình ngựa và bò.

Picasso cuũng được yêu cầu giải thích về việc sử dụng những sinh vật này trong bức tranh của mình nhưng ông không bao giờ chỉ nói những điều khá “vô thưởng vô phạt” như “con bò này là một con bò đực” hay khẳng định rằng ông vẽ theo bản năng một cách vô thức, vẽ các đồ vật theo đúng bản chất của chúng.

2. Đánh giá ban đầu về bức tranh không tích cực

Ngày nay, Guernica được tôn vinh là một trong những thành tựu đầu tiên của Picasso, nhưng không phải lúc nào nó cũng được ca ngợi là một kiệt tác.

Khi được triển lãm lần đầu, một kiến ​​trúc sư đánh giá các bức bích họa đã viết rằng nó “chỉ nhìn thấy lưng của du khách”. Những người chê bai tác phẩm này nhiều nhất là nhà phê bình người Mỹ Clement Greenberg, họa sĩ và nhà cộng sản người Pháp Edouard Pignon, nhà triết học người Pháp Paul Nizan và họa sĩ trừu tượng người Mỹ Walter Darby Bannard. Mọi người cho rằng với tư cách là một tác phẩm nghệ thuật, Guernica là một trong những thứ tệ nhất trên thế giới, chỉ là nội dung khiêu dâm có kích thước 7mx3m.

Ngay cả chính phủ xứ Basque cũng không thích bức tranh, điều này dường như khiến Picasso vô cùng khó chịu. Tác phẩm hầu như không xuất hiện trên báo chí vào thời điểm đó.

3. Đức Quốc xã tấn công Guernica

Do thông điệp chống phát xít của Guernica và ác cảm cá nhân của Adolf Hitler đối với nghệ thuật hiện đại nên cuốn sách hướng dẫn chính thức của Đức dành cho Triển lãm Quốc tế ở Paris đã khuyến nghị mọi người không nên đến xem tác phẩm của Picasso.

Họ gọi nó là “một tập hợp các bộ phận cơ thể mà bất kỳ đứa trẻ bốn tuổi nào cũng có thể vẽ được”.

4. Đức sử dụng bức tranh này trong chiến tranh

Nhiều năm sau đó, quân đội Đức đã sử dụng bức tranh này trong một quảng cáo vào năm 1990 với khẩu hiệu: “Những hình ảnh thù địch của kẻ thù là cha đẻ của chiến tranh”.

5. Bức tranh truyền cảm hứng cho cuộc trao đổi giữa Picasso và một sĩ quan Gestapo

Nổi tiếng vì sự hóm hỉnh cũng như năng lực nghệ thuật của mình, Picasso từng đối thoại gay gắt với một sĩ quan Gestapo của Đức khi đề cập đến bức tranh mô tả sự tàn bạo của chủ nghĩa phát xít và chiến tranh.

Khi được một sĩ quan hỏi về bức tranh: “Ông đã làm điều đó à?”, Picasso được cho là đã trả lời: “Không, các ông mới là người đã làm vậy.”

6. Guernica tới New York trong Thế chiến thứ hai

Sau Hội chợ triển lãm Paris, Guernica đã đi khăp châu Âu trước khi đến Hoa Kỳ – đây là một phần trong nỗ lực gây quỹ cho những người tị nạn Tây Ban Nha – và tới một số thành phố lớn của Hoa Kỳ dưới sự giám sát của Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Thành phố New York.

Theo trang web của Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (nơi hiện đang lưu giữ bức tranh), Picasso đã yêu cầu Guernica ở lại MoMA khi Thế chiến thứ hai nổ ra, và sau đó “gia hạn cho MoMA mượn bức tranh vô thời hạn cho đến thời điểm nền dân chủ được khôi phục ở Tây Ban Nha”. Mãi tới năm 1981, bức tranh mới quay trở lại Tây Ban Nha.

7. Guernica bị phá hoại bởi một nhà hoạt động phản chiến

Guernica từng bị tấn công vì mục đích chính trị. Năm 1974, Tony Shafrazi – người sau này trở thành một nhà kinh doanh nghệ thuật được kính trọng – đã phun sơn lên bức tranh. Khi bị an ninh bảo tàng bắt giữ, Shafrazi đã hét lên câu nói nổi tiếng: “Hãy gọi cho người phụ trách. Tôi là một nghệ sĩ.”

8. Bức tranh đã bị che đi trong bài phát biểu của Colin Powell

Từ năm 1985 đến năm 2009, Liên hợp quốc đã trang trí lối vào Hội đồng Bảo an bằng một tấm thảm tái hiện Guernica. Vào tháng 2 năm 2003, ngoại trưởng Mỹ Colin Powell đã có bài phát biểu trên truyền hình tại Liên Hợp Quốc để ủng hộ việc Mỹ sắp tuyên chiến với Iraq. Một tấm màn lớn màu xanh lam đã che tấm thảm trong bài phát biểu của Powell.

Các báo cáo cho rằng quyết định che khuất Guernica là do các nhà báo nghĩ rằng hình ảnh bạo lực sẽ gây khó chịu cho người xem chương trình phát sóng, cũng như chính quyền tổng thống Bush cho rằng việc trưng bày một bức tranh phản chiến dễ nhận biết như vậy là không phù hợp với bối cảnh thúc đẩy hành động quân sự của mình.

Bạn có thể đọc thêm:

• 15 điều ít người biết về David: kiệt tác điêu khắc của Michelangelo (Phần 1)
• 15 sự thật về kiệt tác hội họa “Bữa Tối Cuối Cùng” của Leonardo da Vinci (Phần 1)
• 11 điều bạn chưa biết về kiệt tác Đêm Đầy Sao của Vincent Van Gogh

9. Judas trong “Bữa tối cuối cùng” có thể được mô phỏng theo một tên tội phạm thực sự

Người ta nói rằng diện mạo của mỗi tông đồ trong tranh đều đưwợcv ẽ dựa trên hình mẫu ngoài đời thực. Khi chọn ra khuôn mặt cho tên phản bội Judas (người thứ năm từ trái sang, cầm một túi bạc), Leonardo da Vinci đã đi thăm các nhà tù ở Milan để tìm tên tội phạm có vẻ ngoài phù hợp nhất với suy nghĩ của mình.

10. Có thể có một quả trứng Phục sinh trong Kinh thánh

Bên phải Chúa Giêsu, Thomas đứng nghiêng, ngón tay hướng lên trời. Một số người suy đoán rằng cử chỉ này nhằm mục đích làm nổi bật ngón tay của Thomas, ngón tay này trở thành chìa khóa trong câu chuyện Kinh thánh sau này khi Chúa Giê-su sống lại từ cõi chết. Thomas nghi ngờ đôi mắt của mình nên được yêu cầu dùng ngón tay thăm dò vết thương của Chúa Giêsu để giúp Ngài tin tưởng.

11. Ý nghĩa của thức ăn vẫn còn đang được tranh luận

Muối đổ trước mặt Judas được cho là đại diện cho sự phản bội, hay nói cách khác, được coi là dấu hiệu cho thấy sự kém may mắn khi trở thành người được chọn để phản bội. Con cá được phục vụ cũng có những cách giả thích mâu thuẫn tương tự: nếu nó là con lươn, nó có thể tượng trưng cho sự truyền bá và do đó là niềm tin vào Chúa Giê-su; tuy nhiên nếu đó là cá trích thì nó có thể tượng trưng cho một người không có đức tin và phủ nhận tôn giáo.

12. “Bữa tối cuối cùng” đã truyền cảm hứng cho một số giả thuyết hoang đường

Trong The Templar Revelation, Lynn Picknett và Clive Prince cho rằng nhân vật bên trái của Chúa Giêsu không phải là John mà là Mary Magdalene, và “Bữa tối cuối cùng” là bằng chứng quan trọng cho việc che đậy danh tính thực sự của Chúa Giêsu bởi Nhà thờ Công giáo La Mã.

Các nhạc sĩ đã suy đoán rằng thông điệp ẩn giấu thực sự trong “Bữa tối cuối cùng” thực ra là một bản nhạc. Năm 2007, nhạc sĩ người Ý Giovanni Maria Pala đã tạo ra một bài hát u ám dài 40 giây bằng cách sử dụng các nốt được cho là được mã hóa trong sáng tác của Leonardo.

Ba năm sau, nhà nghiên cứu Sabrina Sforza Galitzia của Vatican đã dịch các dấu hiệu “toán học và chiêm tinh” của bức tranh thành tiên tri của Leonardo da Vinci về ngày tận thế. Bà tuyên bố “Bữa tối cuối cùng” dự đoán một trận lụt tận thế sẽ quét qua toàn cầu từ ngày 21 tháng 3 đến ngày 1 tháng 11 năm 4006.

13. “Bữa tối cuối cùng” là nguồn cảm hứng cho nhiều lời đồn nổi tiếng

Người ta tin rằng Leonardo đã mất khoảng ba năm để vẽ “Bữa tối cuối cùng”, chủ yếu là do thói quen kéo dài khét tiếng của ông. Nhưng đối với những người khác thì lí do chính là do chứng suy thoái tinh thần và thể chất đã tồn tại từ lâu trong da Vinci. Tuy nhiên rất có khả năng là tất cả những câu chuyện được lồng vào “Bữa tối cuối cùng” chỉ để mang lại cảm giác đáng tin cậy về mặt lịch sử mà thôi.

14. “Bữa tối cuối cùng” được chép lại trong nhiều thế kỷ

Mỹ thuật và văn hóa đại chúng đã bày tỏ lòng kính trọng đối với “Bữa tối cuối cùng” bằng một loạt các tác phẩm vẽ lại hoặc phóng tác. Phạm vi của hoạt động này bao gồm từ việc chép lại bức tranh sơn dầu thế kỷ 16 cho đến những cách diễn giải mới của Salvador Dalí, Andy Warhol, Susan Dorothea White và Vik Muniz.

Hoạt cảnh đặc biệt của “Bữa tối cuối cùng” cũng có thể được tìm thấy trong bộ phim hài Lịch sử thế giới của Mel Brooks – bộ phim từng bị Vatican chỉ trích là “báng bổ”. Đây cũng là một cốt truyện rất nổi tiếng trong tiểu thuyết “Mật mã Da Vinci”, các triển lãm và thậm chí là các chương trình tạp kĩ.

15. Xem tận mắt “Bữa tối cuối cùng” khá khó

Mặc dù “Bữa tối cuối cùng” là một trong những địa điểm tham quan không thể bỏ qua ở Ý, nhưng tu viện nơi nó tọa lạc không được xây dựng để phù hợp những đám đông lớn. Chỉ 20 đến 25 người được phép vào cùng một lúc trong các khu tham quan kéo dài 15 phút. Du khách nên đặt vé xem “Bữa tối cuối cùng” trước ít nhất hai tháng, và hãy nhớ ăn mặc lịch sự, nếu không bạn có thể bị từ chối vào tu viện.

Bạn có thể đọc thêm:

• 46 cuốn sách có ảnh hưởng nhất lịch sử thế giới: Bạn đã đọc được bao nhiêu rồi? (Phần 1)
• Kiệt tác điêu khắc Pietà của Michelangelo: 15 điều có lẽ bạn chưa từng biết (Phần 1)
• 11 điều bạn chưa biết về kiệt tác Đêm Đầy Sao của Vincent Van Gogh

1. Bức tranh lớn hơn bạn nghĩ

Vô số bản sao của bức tranh này đã được thực hiện ở mọi kích cỡ, nhưng bản họa gốc có kích thước cực kì lớn, lên tới khoảng 4.6m x 8.8m.

2. Bức tranh ghi lại khoảnh khắc cao trào của bữa tiệc

Mọi người đều biết bức tranh này mô tả bữa ăn cuối cùng của Chúa Giê-su với các tông đồ trước khi ngài bị bắt và đóng đinh lên giá chữ thập. Nhưng cụ thể hơn, Leonardo da Vinci muốn nắm bắt khoảnh khắc ngay sau khi Chúa Giê-su tiết lộ rằng một trong những người bạn của ngài sẽ phản bội ngài cùng với phản ứng choáng váng và giận dữ của các sứ đồ.

Theo cách giải thích của Leonardo, khoảnh khắc này cũng diễn ra ngay trước khi Bí tích Thánh thể ra đời, việc Chúa Giê-su với lấy bánh mì và ly rượu sẽ là biểu tượng chính của bí tích Cơ đốc giáo này.

3. Bạn sẽ không tìm thấy bức tranh “Bữa tối cuối cùng” thực sự trong viện bảo tàng

Mặc dù “Bữa tối cuối cùng” là một trong những bức tranh mang tính biểu tượng nổi tiếng nhất thế giới, nhưng ngôi nhà mà bức tranh thuộc về không phải bất cứ viện bảo tàng nào mà là một tu viện ở Milan, Ý. Việc di chuyển nó tới những nơi khác sẽ rất phức tạp vì Leonardo đã vẽ tác phẩm tôn giáo này trực tiếp lên bức tường phòng ăn của Tu viện Santa Maria delle Grazie vào năm 1495.

4. Dù được vẽ trên tường nhưng “Bữa tối cuối cùng” không phải là một bức bích họa

Bức tranh này được vẽ trên thạch cao ướt nhưng Leonardo da Vinci đã từ chối sử dụng các kỹ thuật truyền thống vì nhiều lý do. Trước hết, ông muốn đạt được độ sáng lớn hơn so với phương pháp vẽ bích họa thông thường cho phép. Nhưng vấn đề lớn hơn là người họa sĩ phải gấp rút hoàn thành tác phẩm của mình trước khi lớp thạch cao khô lại.

5. Leonardo da Vinci đã sử dụng một kỹ thuật hoàn toàn mới cho kiệt tác của mình

Để dành toàn bộ thời gian cần thiết cho việc hoàn thiện từng chi tiết nhỏ trong bức tranh, da Vinci đã phát minh ra kỹ thuật của riêng mình: sử dụng sơn màu trên đá. Ông sơn lót tường bằng vật liệu mà ông hy vọng sẽ khó bị ảnh hưởng bởi nhiệt độ và bảo vệ lớp sơn khỏi bị ẩm hiệu quả hơn.

6. Bức tranh đã bị tổn hại rất nhiều

Thí nghiệm về nhiệt độ trên đá của Leonardo đã thất bại. Vào đầu thế kỷ 16, lớp sơn bắt đầu bong tróc và mục nát, và trong vòng 50 năm, “Bữa tối cuối cùng” chỉ còn là một đống đổ nát của vinh quang trước đây. Nỗ lực phục hồi bức tranh trở lại trạng thái ban đầu chỉ khiến nó càng trở nên tồi tệ hơn.

Năm 1652, một ô cửa đã được thêm vào bức tường chứa bức tranh, điều này khiến phần trung tâm ở phía dưới của tác phẩm – bao gồm cả bàn chân của Chúa Giê-su – bị mất đi. Sau đó một họa sĩ đã làm sạch nó bằng dung môi ăn da, quân đội của Napoléon sử dụng hội trường làm kho vũ khí và chuồng ngựa và những người lính đã ném gạch vào bức tranh. Chấn động từ các vụ đánh bom của quân Đồng minh trong Thế chiến thứ hai càng góp phần khiến bức tranh bị phá hủy nhiều hơn, đặc biệt là khi một quả bom rơi cách đó chỉ khoảng 24m.

7. Rất ít nét vẽ ban đầu của Leonardo da Vinci còn sót lại

Năm 1980, một nỗ lực phục hồi tác phẩm nghệ thuật kéo dài 19 năm được khởi động. “Bữa tối cuối cùng” đã được khôi phục nhưng nó đã mất đi nhiều lớp sơn ban đầu trong quá trình thực hiện.

8. Búa và đinh đã giúp Leonardo vẽ tranh

Một phần khiến “Bữa tối cuối cùng” trở nên nổi bật là góc nhìn mà nó được vẽ, dường như mời gọi người xem bước ngay vào khung cảnh đầy kịch tính. Để đạt được ảo ảnh này, Leonardo đã đóng một chiếc đinh vào tường, sau đó buộc dây vào đó để tạo ra các dấu giúp định hướng nét vẽ trong việc tạo ra các góc của bức tranh.

Bạn có thể đọc thêm:

• 46 cuốn sách có ảnh hưởng nhất lịch sử thế giới: Bạn đã đọc được bao nhiêu rồi? (Phần 7)
• 11 điều bạn chưa biết về kiệt tác Đêm Đầy Sao của Vincent Van Gogh
• 16 điều bạn chưa biết về kiệt tác hội họa Mona Lisa (Phần 1)

1. Đêm Đầy Sao mô tả góc nhìn của Vincent Van Gogh từ một trại tị nạn

Sau khi trải qua một cuộc suy sụp tinh thần vào mùa đông năm 1888, Van Gogh đã đăng ký vào trại tị nạn Saint-Paul de Mausole gần Saint-Rémy-de-Provence ở miền nam nước Pháp. Góc nhìn từ nơi này đã trở thành cơ sở của tác phẩm mang tính biểu tượng nhất của ông. Van Gogh đã viết trong một bức thư gửi cho em trai Theo: “Sáng nay, em đã nhìn thấy đất nước từ cửa sổ phòng mình rất lâu trước khi mặt trời mọc, không có gì ngoài ngôi sao buổi sáng trông rất to”.

2. Ông bỏ song sắt phòng

Các nhà sử học nghệ thuật đã xác định rằng góc nhìn trong tranh của Van Gogh là từ cửa sổ phòng ngủ ở tầng hai trong khi phòng vẽ nằm ở tầng một của tòa nhà. Ông cũng đã phá các chấn song sắt ở cửa sổ, một chi tiết mà ông từng viết một bức thư khác gửi cho Theo. Vào tháng 5 năm 1889, ông viết: “Qua ô cửa sổ có chấn song sắt, em có thể nhìn thấy một ô lúa mì vuông vắn, một viễn cảnh giống như Van Goyen. Ở đó, vào buổi sáng, em ngắm nhìn vẻ huy hoàng của khung cảnh mặt trời mọc”.

3. Ngôi làng trong The Starry Night là sản phẩm của sự sáng tạo

Từ cửa sổ của mình, Van Gogh không thể nhìn thấy Saint-Rémy. Các nhà sử học nghệ thuật cũng tranh cãi về việc ngôi làng được thể hiện trong The Starry Night được lấy từ một trong những bức phác thảo bằng than của Van Gogh về thị trấn Provençal hay nó thực sự được lấy cảm hứng từ quê hương Hà Lan của ông.

4. Đêm Đầy Sao có thể nói về cái chết

Những ngọn tháp tối màu ở phía trước bức tranh là cây bách, một loại cây thường gắn liền với nghĩa trang và cái chết. Mối liên hệ này mang lại ý nghĩa đặc biệt cho một câu nói của Van Gogh: “Nhìn ngắm những vì sao luôn khiến tôi mơ mộng. Tôi tự hỏi tại sao những chấm sáng trên bầu trời lại không thể tiếp cận được như những chấm đen trên bản đồ nước Pháp? Giống như chúng ta đi tàu để đến Tarascon hoặc Rouen, chúng ta đón nhận cái chết để chạm tới một vì sao”.

5. Đây không phải là Đêm Đầy Sao đầu tiên của Van Gogh

Bức Đêm Đầy Sao nổi tiếng thế giới được vẽ vào năm 1889. Nhưng một năm trước đó, Van Gogh đã tạo ra tác phẩm Đêm Đầy Sao nguyên bản – đôi khi được gọi là Đêm Đầy Sao Trên Sông Rhone. Sau khi đến Arles, Pháp vào năm 1888, Van Gogh bắt đầu bị ám ảnh với việc vẽ lại ánh sáng của bầu trời đêm. Ông đã bắt tay vào mô tả nó với Café Terrace trên Place du Forum trước khi thực hiện bản nháp Đêm Đầy Sao đầu tiên của mình với khung cảnh của sông Rhone.

6. Van Gogh coi Đêm Đầy Sao là một thất bại

Van Gogh viết thư cho em mình và nói rằng những bức tranh hơi tốt với ông là Cánh Đồng Lúa Mì, Ngọn Núi, Vườn Cây Ăn Quả, Những Cây Ô Liu, Những Ngọn Đồi Xanh, Bức Chân Dung và Lối Vào Mỏ Đá. Những tác phẩm còn lại “chẳng nói lên điều gì” với ông, kể cả kiệt tác được đánh giá cực cao và nổi tiếng hạng nhất trong sự nghiệp của ông: Đêm Đầy Sao

7. Đêm Đầy Sao hiển thị hình ảnh của sao Kim

Năm 1985, nhà sử học nghệ thuật Albert Boime, đã so sánh bức Đêm Đầy Sao với hình ảnh về bầu trời đêm đã xuất hiện vào ngày 19 tháng 6 năm 1889. Những điểm tương đồng rất nổi bật đã gợi ý rằng “ngôi sao buổi sáng” mà Van Gogh mô tả trong bức thư gửi cho người khác là hành tinh Venus – sao Kim.

8. Van Gogh chỉ bán được một hoặc hai bức tranh trong đời

Nghệ sĩ và nhà sưu tập người Bỉ Anna Boch đã mua bức tranh Vườn Nho Đỏ ít được biết đến hơn với giá 400 franc tại triển lãm Les XX năm 1890. Van Gogh đã hoàn thành nó vào tháng 11 năm 1888, trước sự cố khiến ông phải vào trại tị nạn. Ngày nay, bức tranh lịch sử này được trưng bày tại Bảo tàng Mỹ thuật Pushkin ở Moscow.

Nhà sử học Marc Edo Tralbaut đã đề cập đến một lá thư của Theo nói rằng một trong những bức chân dung tự họa của Van Gogh đã tìm được đường đến tay một nhà buôn nghệ thuật ở London.

Và nói chung, đây là hai bức tranh duy nhất được ghi nhận là đã bán được của Van Gogh.

9. The Starry Night hai lần thuộc sở hữu của em dâu Van Gogh

Sau cái chết của Van Gogh vào năm 1890, Theo được thừa kế tất cả các tác phẩm của anh trai mình. Khi Theo qua đời vào mùa thu năm 1891, vợ ông là Johanna Gezina van Gogh-Bonger trở thành chủ sở hữu của Đêm Đầy Sao và vô số bức tranh khác. Chính Van Gogh-Bonger là người đã thu thập và biên tập thư từ của hai anh em để xuất bản, và bà được ghi nhận là người đã xây dựng nên danh tiếng của Van Gogh sau khi ông qua đời nhờ vào việc quảng bá không mệt mỏi cho các tác phẩm và triển lãm của ông.

Năm 1900, bà Johanna bán bức Đêm Đầy Sao cho nhà thơ người Pháp Julien Leclerq, người này tiếp tục bán nó cho nghệ sĩ trường phái Hậu ấn tượng Émile Schuffenecker. Sáu năm sau, bà mua lại bức tranh từ Schuffenecker để chuyển nó đến Phòng trưng bày Oldenzeel ở Rotterdam.

10. Hiện Đêm Đầy Sao được trưng bày ở New York

Bliss là con gái của một thương gia dệt may, người đã sử dụng khối tài sản khổng lồ của mình để trở thành một trong những nhà sưu tập nghệ thuật hiện đại hàng đầu vào đầu thế kỷ 20. Cùng với Mary Quinn Sullivan và Abby Aldrich Rockefeller, bà là người đã giúp thành lập Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại của Manhattan. Khi qua đời vào năm 1931, bà đã chuyển phần lớn bộ sưu tập của mình cho MoMA, tạo ra hạt nhân cho bộ sưu tập của bảo tàng giữa cuộc Đại suy thoái. Năm 1941, ba tác phẩm trong bộ sưu tập ấn tượng của Bliss đã được bán để MoMA có thể mua lại Đêm Đầy Sao.

11. Ánh sáng của Đêm Đầy Sao dường như nhấp nháy do cách thức hoạt động của bộ não con người

Trong video trên, các nhà khoa học đã giải thích cách bức tranh của Van Gogh mô tả chính xác sự nhiễu loạn, “một trong những khái niệm cực kỳ khó giải thích” đối với vật lý học.

Bạn có thể đọc thêm:

• 13 thông tin thú vị về nho – loại trái cây đã có tuổi đời hàng chục nghìn năm (Phần 2)
• 39 màu sắc kì lạ bạn chưa từng biết đến: bạn đã nghe đến chúng lần nào trong đời chưa?(Phần 2)
• Mất bao lâu để một chiếc túi nilon có thể THỰC SỰ phân hủy?

6. Người vợ thứ hai của Monet ghen tuông vô cớ với người vợ đầu tiên của ông

Monet thường xuyên vẽ người vợ đầu tiên của mình, Camille Doncieux, một người mẫu và có quan hệ tình cảm với họa sĩ từ giữa những năm 1860 (họ kết hôn năm 1870). Hai người có hai con trai, nhưng Camille qua đời – có lẽ vì ung thư tử cung – vào năm 1879.

Alice Hoschedé, vợ của một doanh nhân và nhà sưu tập nghệ thuật, đã sống với Monet sau khi chồng cô phá sản, và Monet có thể đã ngoại tình với cô khi Camille vẫn còn sống. Sau cái chết của Camille, Hoschedé vì ghen tuông đã phá hủy tất cả các bức thư và ảnh của bà.

Hoschedé (cùng với sáu đứa con của bà) sống với Monet và hai đứa con của ông, hai người kết hôn vào năm 1892 sau khi chồng của Hoschedé qua đời. Một trong những cô con gái của Hoschedé sau này kết hôn với một trong những người con trai của Monet, vì thế hai người con riêng lại trở thành vợ chồng của nhau.

7. Ông đã nhập hoa súng từ khắp nơi trên thế giới

Từ năm 1883 cho đến khi qua đời vào năm 1926, Monet sống ở Giverny, một ngôi làng ở miền bắc nước Pháp. Trong nhiều năm, ông thuê nhiều người làm vườn để trồng mọi thứ, từ cây anh túc đến cây táo trong khu vườn của mình, biến nó thành một nơi yên tĩnh, xinh đẹp để vẽ tranh.

Khi giàu có từ việc bán tranh, Monet đã đầu tư rất nhiều tiền bạc vào khu vườn của mình. Ông đặt một cây cầu đi bộ của Nhật Bản bắc qua ao, nhập hoa súng từ Ai Cập và Nam Mỹ. Mặc dù hội đồng thành phố địa phương yêu cầu ông nhổ bỏ các loài thực vật ngoại lai để chúng không làm nhiễm độc nước nhưng Monet đã không nghe. Trong 25 năm cuối đời, ông đã vẽ hoa súng trong một loạt tranh thể hiện loài thực vật này dưới nhiều lớp ánh sáng và kết cấu khác nhau.

8. Monet trả công để người làm vườn để phủi bụi cho những bông hoa súng

Khi khu vườn của Monet được mở rộng, ông đã thuê tới sáu nhân viên chăm sóc nó. Công việc của một người làm vườn là chèo thuyền ra ao vào mỗi buổi sáng, rửa và phủi bụi cho từng bông súng. Khi những bông hoa đã sạch sẽ, Monet bắt đầu vẽ chúng, cố gắng ghi lại những gì ông nhìn thấy khi ánh sáng phản chiếu trên mặt nước.

9. Những người chỉ trích chế giễu các vấn đề về thị lực của ông

Khoảng năm 1908, khi đã ngoài sáu mươi, Monet bắt đầu gặp vấn đề về thị lực. Ông được chẩn đoán mắc bệnh đục thủy tinh thể vào năm 1912. Sau đó, sáu năm sau, ông mô tả việc mình không thể nhìn thấy toàn bộ phổ màu với một phóng viên rằng: “Tôi thấy màu đỏ có vẻ đục, màu hồng nhạt và các tông màu trung bình hoặc thấp hơn khiến tôi không thể nhìn thấy”. Khi bị mù vào năm 1922, ông tiếp tục vẽ bằng cách ghi nhớ vị trí của các màu sơn khác nhau trên bảng màu của mình.

Monet đã trì hoãn việc phẫu thuật đục thủy tinh thể cho đến năm 1923, và các nhà phê bình đã chế giễu ông vì những bức tranh mờ ảo của ông, cho rằng phong cách Ấn tượng mà ông theo đuổi là do thị lực kém chứ không phải là do tài năng nghệ thuật. Sau hai cuộc phẫu thuật đục thủy tinh thể, Monet đã đeo kính màu để điều chỉnh nhận thức màu sắc bị lệch của mình và có thể đã nhìn thấy tia cực tím.

10. Ông chết vì ung thư phổi

Vào mùa hè năm 1926, Monet được chẩn đoán mắc bệnh ung thư phổi. Sau đó, người bạn thân nhất của ông, cựu Thủ tướng Georges Clemenceau, đã viết cho nghệ sĩ: “Người ta còn có thể đòi hỏi gì hơn nữa? Bạn đã có một cuộc sống tốt nhất mà một người đàn ông có thể mơ ước. Có một nghệ thuật để rời đi cũng như bước vào.”

Monet qua đời vào ngày 5 tháng 12 năm 1926 tại nhà riêng ở Giverny, với Clemenceau ở bên cạnh và giữa bộ sưu tập tranh tuyệt vời của ông, chủ yếu là của bạn bè và học trò.

11. Một bức Monet pastel mới được phát hiện vào năm 2015

Vào năm 2015, một nhà buôn nghệ thuật ở London đã phát hiện ra một bức tranh của Monet có màu pastel được giấu đằng sau một bức vẽ khác mà anh ta đã mua tại một cuộc đấu giá năm 2014 ở Paris. Bức tranh này mô tả ngọn hải đăng và cầu tàu ở Le Havre, cảng ở Pháp – nơi Monet sống khi còn nhỏ. Các học giả nghệ thuật đã xác nhận đây thực sự là một tác phẩm nghệ thuật của Monet và niên đại của nó là năm 1868, khoảng thời gian ông nhảy xuống sông Seine.

12. Khách du lịch có thể đến thăm nhà và khu vườn của Monet

Bắt đầu từ năm 1980, ngôi nhà của Monet ở Giverny đã mở cửa cho khách du lịch đến thăm khu vườn, bản in khắc gỗ và các vật lưu niệm khác của ông. Mỗi năm có hàng trăm nghìn người ghé thăm Giverny để đi bộ qua khu vườn nổi tiếng và ngôi nhà (đã được tân trang lại) của nghệ sĩ. Bên cạnh việc ngắm nhìn nhiều loại hoa và cây cối, du khách còn có thể ngắm nhìn phòng ngủ, studio và phòng khách màu xanh lam của Monet.

Bạn có thể đọc thêm:

• 13 thông tin thú vị về nho – loại trái cây đã có tuổi đời hàng chục nghìn năm (Phần 1)
• 39 màu sắc kì lạ bạn chưa từng biết đến: bạn đã nghe đến chúng lần nào trong đời chưa?(Phần 2)
• 10 cách chống lão hóa kì lạ nhất thế kỉ 20 (Phần 1)

9. Mona Lisa đã bị tấn công nhiều lần

Nếu bạn nhìn kỹ vào khuỷu tay trái của nhân vật trong tranh, bạn có thể nhận thấy vết thương do một người đàn ông Bolivian tên Ugo Ungaza Villegas ném đá vào bức chân dung vào năm 1956. Một kẻ tấn công nghệ thuật khác cũng từng tạt axit vào bức tranh khiến phần dưới bị hư hỏng. Những cuộc tấn công này đã khiến bảo tàng buộc phải lắp đặt kính chống đạn, loại kính mà đã giúp bức tranh an toàn khỏi chiếc cốc gốm do một phụ nữ Nga tức giận ném vào vì bị từ chối quyền công dân Pháp vào năm 2009. Năm 2022, tấm kính cũng bảo vệ Mona Lisa khi một người đàn ông ném bánh vào bức tranh vào khi gào thét: “Hãy nghĩ về trái đất, con người đang hủy hoại trái đất!” trước khi bị bảo vệ khống chế.

10. Nước Pháp để tang khi Mona Lisa mất tích

Vào ngày 21 tháng 8 năm 1911, Mona Lisa đã bị đánh cắp khỏi Louvre. Thời báo New York lúc đó đã so sánh sự đau buồn của công chúng trong sự kiện này với cái chết của Công nương Diana vào năm 1997. Hàng ngàn người đã đến bảo tàng Louvre để nhìn vào bức tường trống nơi bức tranh từng được treo, để lại những bông hoa, ghi chú và những món quà kỷ niệm khác.

11. Pablo Picasso là nghi phạm trong vụ án này

Pablo Picasso từng bị bắt khi mua những tác phẩm bị đánh cắp khỏi Louvre nên lần này cũng bị đưa đi thẩm vấn. Nhưng tên trộm thực sự mãi đến năm 1913 mới bị bắt.

Đó là nhân viên của Louvre, Vincenzo Peruggia, một người Ý theo chủ nghĩa dân tộc đã tuồn bức tranh ra ngoài dưới áo khoác vì cảm thấy nó thuộc về quê hương của anh ta và Leonardo, chứ không phải nước Pháp. Sau khi giấu nó trong hai năm, Peruggia đã bị bắt khi cố bán Mona Lisa cho một nhà buôn nghệ thuật ở Florence.

12. Người ta nghi ngờ rằng vụ trộm được thực hiện bởi một nhóm người

Mặc dù Peruggia là người duy nhất bị truy tố vì đánh cắp bức tranh Mona Lisa nhưng anh ta không có khả năng hành động một mình. Vào thời điểm xảy ra vụ trộm, bức tranh được bọc trong hộp kính và mặt sau bằng gỗ có thể nặng tới hơn 90 kg – có nghĩ là Perugia rất khó có thể tự mình kéo nó xuống khỏi tường.

Nhiều năm sau, một người đàn ông tự xưng là Hầu tước của Thung lũng Địa ngục đã thú nhận với phóng viên người Mỹ Karl Decker rằng ông ta là kẻ chủ mưu thực sự đằng sau vụ đánh cắp bức tranh Mona Lisa. Với điều kiện câu chuyện của anh ta phải được giữ bí mật cho đến khi chết, anh ta tiết lộ rằng Peruggia là một trong ba người đàn ông được trả giá hậu hĩnh để cướp lấy bức tanh này. Bằng cách này, Hầu tước có thể bán nhiều kiệt tác giả mạo cho các nhà sưu tập với số tiền cắt cổ. Cái hay của trò lừa đảo là người mua nào cũng sẽ tin rằng họ sở hữu bức Mona Lisa đích thực. Việc Hầu tước có nói thật hay không vẫn là một chủ đề tranh luận sôi nổi xung quanh vụ trộm.

13. Sự trở lại của Mona Lisa đã tạo nên một xu hướng thời trang

Đó là trend phủ phấn màu vàng lên mặt và cổ để tạo ra nước da màu vàng, cố định các cơ mặt để bắt chước nụ cười của Mona Lisa. Trong các quán rượu ở Paris, các vũ công thậm chí ăn mặc như La Joconde đã biểu diễn.

14. Nụ cười của Mona Lisa không thay đổi, nhưng suy nghĩ của bạn thì có

Nụ cười của Mona Lisa đã mê hoặc các nghệ sĩ và nhà sử học từ lâu. Nhưng vào năm 2000, nhà thần kinh học tại đại học Harvard, Tiến sĩ Margaret Livingstone đã áp dụng một phương pháp khoa học để giải thích tại sao nụ cười của Mona Lisa lại thay đổi tùy theo góc độ như vậy: Tất cả là do bạn tập trung vào đâu và não của bạn phản ứng như thế nào mà thôi.

15. Một số người tin rằng Mona Lisa đang cau mày

Có những người khi liên tưởng đến hình ảnh Mona Lisa lại thấy biểu cảm của bức tranh giống như một cái cau mày hơn là một nụ cười. Đó là một ví dụ về ký ức sai lầm, còn được gọi là Hiệu ứng Mandela.

16. Hầu hết mọi người nghĩ rằng Mona Lisa hạnh phúc

Để xác định xem Mona Lisa đang thể hiện cảm xúc thiên về hướng hạnh phúc hay buồn bã hơn, các nhà khoa học tại Đại học Freiburg đã cho các thí nghiệm viên xem 9 bức ảnh của bức tranh: Một bức là bản gốc, trong khi 8 bức còn lại đã được chỉnh sửa kỹ thuật số xung quanh miệng để thể hiện cảm xúc vui hơn hoặc buồn hơn. 97% người tham gia nói rằng bức tranh gốc có vẻ hạnh phúc hơn.

Bạn có thể đọc thêm:

• Truyền thuyết và sự thật về nữ hoàng phù thủy Voodoo tại vùng đầm lầy Louisiana, Hoa Kỳ
• 10 người cai trị thế giới cổ đại có cuộc đời ấn tượng nhưng không bao giờ xuất hiện trong các sách lịch sử cơ bản (Phần 1)
• 15 sự thật thú vị đằng sau Napoléon Bonaparte – vị vua biểu tượng của nước Pháp (Phần 1)

1. Mona Lisa không phải là tên người mẫu

Người mẫu của bức tranh này thường được cho là Lisa Gherardini, người phụ nữ có chồng giàu có và yêu thương – Francesco del Giocondo – nên đã ủy thác da Vinci vẽ tác phẩm ở Florence, Ý, vào khoảng năm 1503. Điều này giải thích cho cái tên ít phổ biến hơn của bức tranh – La Gioconda. Cái tên Mona Lisa (hoặc Monna Lisa theo cách gọi của người Ý) có thể tạm dịch là “Quý cô Lisa của tôi”.

2. Leonardo da Vinci không hoàn thành bức tranh

Khi Leonardo qua đời vào năm 1519, người ta cho rằng bức Mona Lisa chưa được hoàn thành đã được để lại cho trợ lý của ông vẽ nốt. Một số người suy đoán rằng da Vinci đã bỏ dở bức tranh vì tay ông không còn khéo léo nữa.

3. Napoléon yêu Mona Lisa

Hoàng đế Pháp đã từng treo bức Mona Lisa trong phòng ngủ của mình ở Cung điện Tuileries trong khoảng 4 năm, bắt đầu từ năm 1800. Người ta nói rằng niềm đam mê với bức tranh đã thôi thúc ông dành tình cảm cho một phụ nữ Ý xinh đẹp tên là Teresa Guadagni – hậu duệ của Lisa Gherardini.

4. Mona Lisa nhỏ hơn bạn nghĩ

Ảnh hưởng của Mona Lisa đối với văn hóa là rất lớn, nhưng bức tranh sơn dầu gốc chỉ có kích thước khoảng 76 cm x 53 cm và nặng khoảng 8 kg.

5. Lông mày là một vấn đề cần tranh luận

Một số người cho rằng việc người mẫu không có lông mày là dấu hiệu đặc trưng của thời trang quý tộc thời bấy giờ. Những người khác lại khẳng định việc lông mày của Mona Lisa bị vẽ thiếu là vì tac phẩm này chưa được hoàn thành.

Nhưng vào năm 2007, các bản quét kỹ thuật số cực kỳ chi tiết của bức tranh cho thấy Leonardo đã từng vẽ lông mày và lông mi đậm hơn, nhưng cả hai đã phai màu theo thời gian hoặc biến mất sau nhiều lần trùng tu.

6. Bức tranh Mona Lisa đã làm tan nát biết bao trái tim

Bức chân dung lần đầu tiên được trưng bày trước công chúng tại Louvre vào năm 1815. Những người say đắm kiệt tác này đã mang theo hoa, thơ và cả thư tình tới Louvre để được nhìn ngắm vẻ đẹp của nàng Mona Lisa.

Có hơn một triệu tác phẩm nghệ thuật trong bộ sưu tập của bảo tàng Louvre, nhưng chỉ một mình Mona Lisa nhận được thư tình – và chúng nồng nhiệt đến mức bức tranh phải được cảnh sát bảo vệ. Mona Lisa có hộp thư riêng tại Louvre để nhận thư tình, và một số người đàn ông đã say mê bức tranh đến mức tự tử – một trong số họ thậm chí còn tự sát khi đang đứng ngay trước bức tranh.

7. Mona Lisa là vô giá

Vào những năm 1960, bức tranh này được định giá bảo hiểm là 100 triệu USD và vào năm 2014 nó đã tăng lên tới 2.5 tỷ USD.

8. Tranh treo trong phòng có điều hòa

Mona Lisa là ngôi sao của Phòng trưng bày Lớn của Louvre, nơi được kiểm soát nhiệt độ để giữ bức tranh trong môi trường lý tưởng. Hệ thống làm mát tại Louvre bao gồm gần 89 km đường ống ngầm vận chuyển nước được làm mát bằng các nguồn năng lượng tái tạo, ngoài ra bức tranh còn được bọc trong kính chống đạn để ngăn chặn các mối đe dọa có thể xảy ra.

Bạn có thể đọc thêm:

• 10 người cai trị thế giới cổ đại có cuộc đời ấn tượng nhưng không bao giờ xuất hiện trong các sách lịch sử cơ bản (Phần 1)
• 15 sự thật thú vị đằng sau Napoléon Bonaparte – vị vua biểu tượng của nước Pháp (Phần 2)
• Câu hỏi hack não: Có bao nhiêu chiều không gian trong vũ trụ?

Key – thành viên của nhóm nhạc nam SHINee, tên thật là Kim Ki Bum thường thể hiện tình yêu của mình dành cho nghệ thuật thông qua các bài đăng trên mạng xã hội. Nam thần tượng thường xuyên đến thăm các phòng trưng bày nghệ thuật và viện bảo tàng, thể hiện tình yêu sâu sắc của anh ấy đối với loại hình nghệ thuật này. Một dự án chung giữa anh và chú của nam idol đã nhận được sự ủng hộ và động viên to lớn từ người hâm mộ.

Để chứng minh tài năng hội họa của Key, hãy cùng điểm qua 5 tác phẩm của anh chàng nhé!

1. Bìa album

Một trong những tác phẩm sáng tạo nhất của Key là bìa cho album phòng thu thứ ba của nhóm, The Misconceptions of US. Bức tranh không chỉ thu hút sự chú ý của mọi người ngay lập tức nhờ màu sắc mà việc khắc họa các biểu cảm vô cùng sống động đã khiến ai nấy đều phải trầm trồ. Từ những đường nét trên trán cho đến những nếp nhăn trên khuôn mặt, Key đã thể hiện rất xuất sắc khuôn mặt của một người đàn ông.

2. Bộ trang phục mang phong cách Graffiti

Một trong những đặc điểm đặc biệt của Key là anh lấy cảm hứng từ môi trường xung quanh, Key của SHINee là rất biết cách khai thác quang cảnh xung quanh mình. Trang phục mà anh chàng diện tại Art Signature Project (dự án hợp tác giữa Wave Korea và Coach NY) đã được đông đảo cư dân mạng yêu thích và vô cùng viral trên Internet.

3. Bức họa Màu đen bắn tung tóe

Bức họa với phông nền màu vàng tươi, làm tăng độ đậm của sắc đen. Trông bức tranh có vẻ là một đống hỗn độn với những hình ảnh vô nghĩa nhưng nó cực kỳ kích thích tư duy. Fan lại hứng thú đoán rằng có lẽ nam idol đã lồng ghép nhiều ý nghĩa sâu xa trong bức tranh này đây.

Nhiều người hâm mộ đã thích thú với bức tranh này của Key của SHINee và đưa ra lời giải thích của riêng họ. Theo một người hâm mộ:”Có thể anh ấy đang bí mật nuôi dưỡng một vấn đề về quản lý cơn giận? Có lẽ anh ấy mệt mỏi với các hoạt động quảng bá và làm việc cho album tiếp theo? ”

4. Bức tranh Batman

Nhân vật Batman của Vũ trụ DC có một lượng fan khổng lồ, và hiển nhiên Key của SHINee là một trong số đó. Bức tranh chụp cận cảnh Người dơi, với câu cửa miệng của anh ấy, rất cơ bản nhưng nổi bật. Các yếu tố khác, chẳng hạn như phông nền tải văn bản và màu vàng, tạo thêm tia sáng cho tác phẩm đen trắng. Các yếu tố phối hợp với nhau vô cùng chặt chẽ và đáng kinh ngạc.

5. Bức tranh Thành viên gia đình mèo

Tác phẩm nghệ thuật được đóng khung này của Key hiện đang tọa lạc trong chính ngôi nhà của anh ấy. Trong tập 388 của chương trình Home Alone do KOCOWA TV thực hiện, bức tranh vẽ một chú mèo đen kỳ lạ và độc đáo đã thu hút sự chú ý của nhiều người. Những màu sắc được sử dụng trong bức tranh bao gồm các màu đỏ, xanh lá cây và xanh lam.

Các nét vẽ ngẫu nhiên mang lại cảm giác dễ dàng làm cho nó trở nên chuyên nghiệp hơn. Đôi mắt to tròn của chú mèo rất bắt mắt. Nếu Key đặt tác phẩm nghệ thuật này trong nhà của mình, anh ấy phải cảm thấy có mối liên hệ sâu sắc với nó.

Niềm đam mê nghệ thuật của Key của SHINee vượt qua mọi ranh giới. Các tác phẩm gốc đáng chú ý của nam idol đã giành được trái tim của hàng triệu người theo thời gian.

Xem thêm các bài viết liên quan tại

• Những sao Hàn không may qua đời trước tuổi 30 (Phần 3)
• 5 cuốn sách yêu thích của Jisoo: Hóa ra chị cả BLACKPINK lại thích đọc sách đến thế
• 10 cặp đôi sao Hàn nổi tiếng kết hôn vào năm 2022

1. Máy tính Deep Blue đánh bại cao thủ cờ vua từ năm 1997

Các bậc thầy cờ vua so tài với máy tính là chuyện bình thường, đó cũng được coi là một cách để luyện tập và nâng cao trình độ chơi cờ của các cao thủ hàng đầu thế giới. Tuy nhiên từ những năm 1980, máy tính đã có thể đánh bại những tên tuổi lớn trong làng cờ vua thế giới.

Trận đấu nổi tiếng nhất là giữa chiếc máy tính mang tên Deep Blue do hãng IBM phát triển và nhà vô địch cờ vua thế giới Garry Kasparov vào năm 1997. Một số chuyên gia cho rằng máy tính có lợi thế hơn nhiều khi đối đầu với con người, trong khi cũng có ý kiến cho rằng hệ thống máy tính đấu với Kasparov không đúng nghĩa là “thông minh” hay “trí tuệ nhân tạo”. Nhưng dù sao cũng không thể phủ nhận là nó đã đánh bại khả năng phân tích nước cờ của con người và chọn đúng nước đi để chiến thắng.

2. Máy tính phân tích dữ liệu khoa học

Dữ liệu ngày càng quan trọng đối với mọi hoạt động của con người, từ phân tích các cuộc bầu cử đến nghiên cứu phát triển các loại thuốc. Lĩnh vực dữ liệu lớn (big data) là một trong những nền tảng của cuộc cách mạng công nghiệp lần thứ 4 trên thế giới, sử dụng rất nhiều dữ liệu để xây dựng các mô hình nhằm giải thích và dự đoán các hiện tượng trong đời sống.

Việc xử lý và phân tích dữ liệu lớn có thể được giải quyết nhờ các phần mềm máy tính được phát triển ngày càng mạnh hơn con người. Viện Công nghệ Massachusetts (Mỹ) đã tạo ra phần mềm đủ sức đánh bại phần lớn các nhà nghiên cứu con người trong một loạt các cuộc thử nghiệm.

Hệ thống mang tên Máy Khoa học Dữ liệu (Data Science Machine) có thể nhận dữ liệu thô và dựa vào đó để tự động tạo ra các mô hình dự đoán chỉ trong vòng từ 2 đến 12 giờ, trong khi các nhà khoa học có thể cần đến vài tháng để hoàn thành công việc tương tự.

3. Trí tuệ nhân tạo nhận dạng hình ảnh nhanh hơn và chính xác hơn con người

Nhận dạng hình ảnh trực quan là công nghệ được ứng dụng rộng rãi trong nhiều hoạt động như nhận dạng và phân tích khuôn mặt trong các bức ảnh được đăng trên mạng xã hội để đưa ra chiến lược tiếp thị hiệu quả hơn.

Nhận diện hình ảnh đòi hỏi phải phân tích tổng hợp nhiều dữ liệu, và những công việc cần lặp đi lặp lại với nhiều dữ liệu như vậy chính là sở trường của máy tính – trí tuệ nhân tạo. Bất kỳ hoạt động nào liên quan đến nhận dạng trực quan đều có thể được lập trình và huấn luyện cho máy tính để thực hiện nhanh hơn và hiệu quả hơn so với con người. Theo các chuyên gia, giờ đây chúng ta có thể huấn luyện AI làm việc này tốt hơn con người.

4. Alibaba tạo ra AI có thể đọc hiểu tốt hơn người bình thường

Phần mềm trí tuệ nhân tạo được phát triển bởi gã khổng lồ thương mại điện tử Alibaba của Trung Quốc được cho là đã đánh bại con người trong một bài kiểm tra khả năng đọc hiểu. Cụ thể, hệ thống AI đã tham gia trả lời bộ dữ liệu câu hỏi Stanford, vốn được tạo ra với mục đích đánh giá khả năng đọc hiểu.

Kết quả của AI được so sánh với số điểm trung bình của con người khi thực hiện bài test này, và đáng ngạc nhiên là nó đã ghi được nhiều hơn vài điểm.

Alibaba đã gọi kết quả này là “một cột mốc quan trọng” và giải thích rằng AI có thể áp dụng kỹ năng đọc hiểu vượt trội này vào nhiều mục đích khác nhau, từ dịch vụ chăm sóc khách hàng đến các tình huống khẩn cấp về y tế.

5. Trí tuệ nhân tạo sáng tác nhạc hay hơn con người

Nhạc sĩ người Pháp Benoît Carré đã hợp tác với một chương trình AI chuyên về âm nhạc có tên là Flow Machines để tạo ra một album nhạc pop hay đến không ngờ.

Carré là nhạc sĩ nổi tiếng đã từng làm việc với một số tên tuổi lớn trong ngành âm nhạc của Pháp như Johnny Halliday và Françoise Hardy. Ông cho biết rằng mặc dù AI có khả năng viết ra giai điệu mới của riêng nó, thậm chí đề xuất các hợp âm và âm thanh để kết hợp với giai điệu, nhưng vẫn phải có bàn tay của con người để tạo ra một tác phẩm hoàn chỉnh.

Dù sao chúng ta cũng có thể hy vọng rằng tương lai của âm nhạc sẽ có sự tham gia của các cỗ máy biết sáng tác.

6. Trí tuệ nhân tạo đánh bại con người trong trò chơi phức tạp

Một phần mềm AI có khả năng tự học đã đánh bại những con người giỏi nhất thế giới trong trò chơi cờ vây. Phần mềm AlphaGo dựa trên hệ thống DeepMind do Google phát triển đã đánh bại nhà vô địch cờ vây Lee Sedol người Hàn Quốc vào năm 2016, sau đó tiếp tục giành chiến thắng trước cao thủ Ke Jie người Trung Quốc vào năm 2017, qua đó được công nhận là “kỳ thủ” cờ vây giỏi nhất thế giới.

AlphaGo đã đánh bại những người giỏi nhất về cờ vây – trò chơi được cho là cực khó để máy móc chiến thắng con người. Điều này chứng tỏ trí tuệ nhân tạo đã đạt đến một trình độ vượt ngoài dự đoán của chúng ta.

7. AI có khả năng sáng tạo và phê bình tác phẩm hội họa

Năm 2017, một nhóm các nhà khoa học đã tạo ra hệ thống AI có khả năng vẽ tranh theo ý tưởng của riêng nó. Các nhà nghiên cứu đến từ Đại học Rutgers (Mỹ) và phòng thí nghiệm AI của Facebook đã xây dựng hệ thống gồm 2 mạng lưới thần kinh trí tuệ nhân tạo tương tác với nhau để liên tục học hỏi và nâng cao trình độ của chính nó. Một bên tạo ra các ý tưởng hoặc hình ảnh, còn bên kia đánh giá liên tục lặp đi lặp lại cho đến khi đạt được kết quả như mong muốn.

Hệ thống này được huấn luyện dựa trên dữ liệu gồm 81.500 bức tranh, từ đó học được khả năng nhận biết như thế nào là một tác phẩm nghệ thuật đúng nghĩa.

8. Lĩnh vực thách thức nhất cho AI: luật

Luật sư được coi là một nghề rất đặc biệt và khó bị thay thế bởi máy móc, nhưng sự phát triển của AI đang chứng minh một cách nghiêm túc rằng nó có thể trợ giúp con người trong công việc pháp lý.

Nền tảng AI mang tên LawGeex đã huấn luyện một thuật toán để đánh giá các bản hợp đồng pháp lý, sau đó so sánh kết quả làm việc của nó với 20 luật sư có kinh nghiệm. Cả hai bên được giao nhiệm vụ tìm ra 30 vấn đề pháp lý trong các bản thỏa thuận, với thời gian giới hạn là 4 giờ.

Cuối cùng AI đã chiến thắng với khoảng cách đáng kể. Hệ thống LawGeex đạt độ chính xác 94% trong khi các luật sư con người đạt mức trung bình 85%. Đặc biệt hơn nữa, AI thực hiện được điều này chỉ trong 26 giây so với thời gian của con người từ 51 phút đến hơn 2,5 giờ. Theo báo cáo được công bố, lý do đơn giản là vì AI có khả năng đọc và phân tích loại dữ liệu này tốt hơn con người. Tuy nhiên máy móc vẫn mắc một số sai sót trong thử nghiệm này giống như con người.

9. AI phá kỷ lục xoay rubik

Kỷ lục thời gian nhanh nhất để xoay hoàn chỉnh một khối rubik đã bị phá vỡ bởi một chiếc máy nhỏ mới được phát triển bởi kỹ sư phần mềm Jared Di Carlo và sinh viên Ben Katz thuộc Viện Công nghệ Massachusetts.

Con robot nhỏ bé đã giải được khối rubik chỉ trong 0,38 giây, phá kỷ lục trước đây của một robot khác là 0,637 giây được thiết lập vào năm 2016. Trong khi đó thời gian xoay rubik nhanh nhất của con người đến thời điểm này là 4,69 giây do Patrick Ponce người Mỹ thiết lập.

10. Xe tự lái nhờ AI giúp tăng độ an toàn

Công nghệ xe tự lái vẫn còn lâu nữa mới hoàn thiện nhưng AI đang chứng tỏ khả năng lái xe và độ an toàn tốt hơn con người trong hầu hết các trường hợp. Thêm vào đó, xe tự lái được cho là sẽ không bao giờ vi phạm luật giao thông.

Một báo cáo của Trung tâm Giao thông Vận tải Eno (Mỹ) cho rằng chỉ cần 10% số lượng ô tô tại Mỹ chuyển sang tự lái thì số ca tử vong do tai nạn giao thông có thể giảm tới 1000 người mỗi năm. Nếu tỷ lệ đó tăng lên 90% thì sẽ cứu được hơn 21.700 mạng người mỗi năm cũng như tiết kiệm được 447 tỷ USD.

Mặc dù các số liệu thống kê cho thấy xe tự lái có tiềm năng rất lớn nhưng vẫn còn nhiều trở ngại để công nghệ này được ứng dụng vào thực tế, ví dụ như chi phí cao và thiết kế đường đi trong thành phố.

11. Robot làm việc trong kho hàng hiệu quả hơn con người

Như đã nói, máy móc và AI có sở trường thực hiện các công việc lặp đi lặp lại tốt hơn con người. Chúng không bao giờ phải dừng lại để đi vệ sinh hoặc nghỉ giải lao, cũng như không phàn nàn về chuyện làm tăng ca thêm giờ.

Mặc dù thiết kế của các robot hiện nay chưa có khả năng cầm nắm đồ vật một cách tối ưu nhưng chúng có thể vận chuyển các khối hàng trong nhà kho và đưa ra quyết định sắp xếp dựa trên mức độ phổ biến của một số mặt hàng nhất định.

Gã khổng lồ thương mại điện tử Amazon là công ty bán lẻ lớn đầu tiên sử dụng robot trong hoạt động logistic của mình, và hiện sở hữu 30.000 chiếc máy được gọi là Amazon Robots hoạt động trong các kho hàng trên khắp nước Mỹ.

Trên đây là những ví dụ cho thấy trí tuệ nhân tạo ngày càng thông minh và đã vượt qua con người trong nhiều hoạt động phức tạp. Bạn ấn tượng với điều nào nhất? Hãy để lại ý kiến dưới phần bình luận nhé!

Mời bạn xem thêm các bài viết liên quan:

• Trí tuệ nhân tạo AI: Công nghệ tối thượng hay hiểm hoạ khôn lường?
• Ứng dụng trí tuệ nhân tạo DALL-E: Thuật toán có thể vẽ bất cứ thứ gì bạn yêu cầu

Hãy theo dõi BlogAnChoi để cập nhật nhiều thông tin bổ ích nhé!

Tại sao người hướng nội luôn cảm thấy khó khăn khi đối mặt với lựa chọn nghề nghiệp?

• Người hướng nội luôn thích ở một mình hay ở những nơi vắng vẻ để tinh thần của họ được nghỉ ngơi và thoải mái. Nhưng khi đi tìm việc thì nơi làm việc luôn trong trạng thái ồn ào và khiến họ không tập trung được vào công việc. Điều này luôn khiến họ cảm thấy rất khó chịu và không thể hoàn thành công việc tốt.
• Không phải tất cả những người hướng nội đều dễ dàng bắt chuyện với người khác, điều này có thể hiểu đơn giản là khi phỏng vấn trước nhà tuyển dụng chắc chắn họ sẽ run và câu trả lời sẽ không được hoàn chỉnh như đã tập luyện. Ngoài ra, kỹ năng giao tiếp của họ cũng không tốt nên có khả năng họ sẽ bị bỏ qua so với những người khác giỏi hơn.
• Có một số công việc luôn được yêu cầu làm theo nhóm, quản lý muốn nhân viên của mình làm việc cùng nhau để hỗ trợ nhau trong công việc. Những người hướng nội luôn là đối tượng bị loại trừ vì họ quá ít nói, ít sáng tạo ra cái mới vì nơi làm việc quá ồn ào.
• Có thể cho rằng, những nhà quản lý thường không biết cách sử dụng những kỹ năng hiếm có của những người hướng nội để phát huy một cách tốt nhất ở họ.

Điểm mạnh vượt trội của người hướng nội khi làm việc

• Người hướng nội tập trung và làm việc năng suất hơn vì họ làm việc vô cùng siêng năng.
• Người hướng nội dành nhiều thời gian để lắng nghe các yêu cầu và nhu cầu của khách hàng, hiểu đơn giản là họ thường tiếp nhận công việc nhanh hơn là khi giao tiếp.
• Nói về một kế hoạch thì hành động là cần thiết, nhưng nếu tất cả chỉ đang hoàn thành ở mức độ bàn tán qua lại, đẩy trách nhiệm cho nhau thì công việc chắc chắn sẽ đi vào bế tắc. Người hướng nội rất giỏi trong việc giữ cho việc nói chuyện ở mức tối thiểu và hoàn thành công việc thường là mục tiêu chính của họ.
• Người hướng nội luôn dành nhiều thời gian để suy nghĩ và sáng tạo.

Lựa chọn nghề nghiệp phù hợp cho người hướng nội

Nhà nghiên cứu

Bất kể vị trí nghiên cứu thuộc lĩnh vực nào thường cần hai điều: giao tiếp bằng văn bản tốt và khả năng làm việc một mình. Một nhà nghiên cứu nên có bằng cử nhân trong lĩnh vực mà họ muốn theo đuổi.

Nhà thực vật học

Công việc yêu cầu bạn nghiên cứu các khía cạnh khác nhau tạo nên cái cây và mối quan hệ của nó với môi trường và các sinh vật sống khác. Công việc đòi hỏi tập trung vào nghiên cứu, không tiếp xúc quá nhiều với bên ngoài, tránh tiếng ồn – đây có vẻ như là ước mơ của một người hướng nội, đúng không? Bằng cấp yêu cầu là bằng cử nhân về thực vật học.

Tiếp thị truyền thông mạng xã hội

Một nhà tiếp thị truyền thông mạng xã hội sẽ phải sử dụng các phương tiện truyền thông để quảng cáo và thu hút sự chú ý của mọi người đến sản phẩm hoặc dịch vụ. Ở đây, bạn dành nhiều thời gian trực tuyến hơn ngoại tuyến, có nghĩa là thông tin liên lạc sẽ là chủ yếu. Tất nhiên, sẽ có một số mức độ tương tác mà bạn phải trực tiếp gặp mặt khách hàng hay đồng nghiệp, nhưng điều đó không là vấn đề.

Nhiếp ảnh gia

Bạn có thể đi dạo hóng mát để cho ra những bức ảnh đẹp nhất (Ảnh: Internet).

Với nhiều loại máy ảnh và thiết bị, các nhiếp ảnh gia có thể chụp được hình ảnh của mọi thứ, con người hoặc phong cảnh. Người hướng nội sẽ làm tốt trong lĩnh vực chụp ảnh thiên nhiên hoặc chụp ảnh nghệ thuật.

Yêu cầu của công việc này: bạn cần có óc sáng tạo và con mắt tinh tường để cho ra đời những bức ảnh đẹp như một nhiếp ảnh gia thực sự. Một số khóa học đặc biệt giúp rèn luyện kỹ năng chụp hình của bạn, đây quả là một trong những công việc tốt nhất dành cho người hướng nội.

Hội họa

Mỹ thuật thường liên quan đến hội họa, điêu khắc hoặc vẽ và thường liên quan đến sự sáng tạo và thời gian ở một mình. Một số nghệ sĩ làm việc một mình và bán các tác phẩm của họ cho các phòng trưng bày, viện bảo tàng. Những người hướng nội lo lắng về công việc có thể tìm thấy niềm vui và sự bình yên đặc biệt từ lĩnh vực này.

Viết lách

Viết có rất nhiều tiềm năng vì ngày nay hầu hết thông tin đều được truyền đạt thông qua chữ viết, bao gồm như viết tiểu thuyết, truyện ngắn, thơ, viết nội dung website, viết nội dung theo yêu cầu của khách hàng. Hầu hết viết lách là những công việc tự do, chỉ cần một chiếc laptop và kỹ năng viết cơ bản, cần sự tập trung và ở chốn ít người rất phù hợp với hướng nội.

Mẹo tìm việc cho người hướng nội

• Kết nối mạng xã hội với quản lý, các đồng nghiệp có thể là điều khá khó khăn với người hướng nội, nhưng đó là một vấn đề mà bạn sẽ phải cố gắng vượt qua. Luôn kết nối với mọi người khi liên quan đến công việc, các cuộc họp trực tuyến và trực tiếp dành cho người mới bắt đầu.
• Các cổng thông tin việc làm trực tuyến và nền tảng truyền thông xã hội dành cho các chuyên gia luôn sẵn sàng giúp kết nối bạn với những người khác ở cấp độ chuyên nghiệp.
• Nhấn mạnh tất cả những phẩm chất tốt và mạnh mẽ mà bạn có khi là một người hướng nội, chẳng hạn như khả năng lắng nghe và tập trung tốt.

Hãy nắm lấy những cơ hội và bắt đầu tìm kiếm công việc.

Một số bài viết bạn có thể tham khảo:

• 12 điều người hướng nội làm giỏi hơn người khác, bạn đã biết chưa?
• Hướng nội là gì? Nhận diện tính cách của người hướng nội như thế nào?

Hãy theo dõi BlogAnChoi để cập nhật nhiều thông tin mới nhé!

Vài nét về tiểu sử của Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci, tên thật là Leonardo di ser Piero da Vinci, ông sinh ngày 15/4/1452 tại thị trấn Da Vinci (nay là thị trấn Tuscani) thuộc thành phố Florence, Ý. Mẹ của Leonardo – bà Catarina, là con của một gia đình nông dân nghèo khó. Bố ông – Ser Piero, là một công chứng viên giàu có. Hai người gặp, yêu nhau và sinh ra Leonardo khi mà bố ông mới 25 tuổi, mẹ ông mới 22 tuổi.

Tuy nhiên vào thời điểm đó, chế độ phân biệt giai cấp rất gay gắt. Và vì không muốn bị mang tiếng là cưới một người nghèo khổ cho nên quan hệ giữa ông và bà Catarina chấm dứt không lâu sau đó.

Là một người con ngoài giá thú, lại bị xa cách với mẹ đẻ, Leonardo da Vinci là một đứa trẻ cô độc. Leonardo thuở nhỏ không được đến trường như những đứa trẻ khác. Hầu hết những kiến thức ông có đều là do ông tự học ở nhà. Ngay từ khi còn nhỏ, Leonardo đã rất yêu thích âm nhạc, vẽ tranh và thiết kế.

Nhìn thấy được năng khiếu của con trai, gia đình đã hỗ trợ và phát triển tài năng từ khi ông còn nhỏ. Có một lần ông Piero đưa cho người bạn của mình là Andrea del Verrocchio – một hoạ sĩ tài ba thời bấy giờ, xem những bức vẽ của con mình. Verrocchio nhanh chóng nhận ra tài năng hội hoạ ẩn chứa trong Leonardo và quyết định nhận cậu nhóc làm học trò.

Leonardo da Vinci trong giai đoạn học tập ở xưởng vẽ của thầy Verrocchio

Trong thời gian làm học trò của Verrocchio, Leonardo đã bộc lộ tài năng của mình trong nhiều lĩnh vực: âm nhạc, văn học, hoá học, luyện kim, điêu khắc, cơ khí và đặc biệt là hội hoạ. Thầy của ông cũng là một người có đôi chút kỳ lạ. Verrocchio thường hiếm khi tự tay hoàn thiện các tác phẩm của chính mình, ông thường vẽ khoảng 80% rồi để cho các học trò hoàn thiện nó.

Khi Verrocchio thực hiện dở bức tranh “Lễ rửa tội của Chúa”, ông đã để cho Leonardo thực hiện nốt. Khi trở về và ngắm nhìn bức tranh vừa được hoàn thiện bởi Leonardo, Verrocchio đã nhận ra rằng trình độ hội hoạ của học trò đã vượt xa mình. Và có thể vì lý do ấy mà từ đó về sau Verrocchio không thực hiện thêm một bức vẽ nào nữa.

Leonardo da Vinci và “scandal” của ông thời còn trẻ

Năm 1472, tài năng của Leonardo được công nhận bởi hiệp hội danh nhân thành phố. Và cũng trong khoảng thời gian này, ông bị vướng vào lùm xùm lạm dụng với một cậu bé người mẫu 17 tuổi. Nhưng sau 2 tháng bị bắt giam, ông được xử trắng án vì không có người làm chứng.

Cũng chính bởi sự kiện này mà nhiều thế kỷ sau, thế giới vẫn luôn bàn tán về vấn đề rằng liệu thiên tài người Ý có phải là một người đồng tính không?

Những tác phẩm làm nên tên tuổi của thiên tài Leonardo da Vinci

Suốt khoảng thời gian từ năm 1482 trở đi, Leonardo đã đi và làm việc ở khắp nơi trên đất Ý từ Florence cho tới Milano. Trong hành trình đó, ông đã để lại dấu ấn của mình ở những nơi ông đi qua bằng những tác phẩm hội hoạ, kiến trúc nổi tiếng.

Tác phẩm “Bữa ăn tối cuối cùng” của Leonardo da Vinci được tu viện Santa Maria đặt hàng vào năm 1495. Ông đã dành ra khoảng thời gian hơn 2 năm để hoàn thành bức tranh này. Đây là một trong những tác phẩm đã làm nên tên tuổi của ông tại thời điểm ấy. Phần còn lại chỉ nổi tiếng vào nhiều năm sau khi ông qua đời. Tác phẩm đã được UNESCO công nhận là di sản văn hoá thế giới vào năm 1980 và hiện vẫn còn được trưng bày ở tu viện Santa Maria.

Mona Lisa được vẽ trong khoảng thời gian 13 năm (1503 – 1516). Đây là tác phẩm nổi tiếng nhất của Leonardo. Kiệt tác này vốn là tác phẩm được một thương nhân đặt vẽ cho người vợ của mình. Nhưng vì một lý do nào đó mà ông đã không giao bức tranh cho người thương nhân kia nữa. Tuy nhiên, hiện tại bức tranh vẫn chưa được hoàn thiện do tác giả bị liệt tay phải. Tác phẩm hiện đang được trưng bày tại bảo tàng Louvre của Pháp.

Trong suốt 67 năm cuộc đời của mình, Leonardo da Vinci đã có những cống hiến vĩ đại cho nhân loại không chỉ trong nghệ thuật mà còn trong nhiều lĩnh vực khác. Tên tuổi của ông sẽ còn mãi lưu truyền trong lịch sử nhân loại như một vĩ nhân của thế giới loài người.

Một số bài viết khác có thể bạn quan tâm:

• Nikola Tesla – Thiên tài bị lãng quên, nhà phát minh đi trước thời đại
• Stephen Hawking – Ông hoàng vật lý, nhà thiên văn học đại tài của thế kỷ XXI

Hãy theo dõi BlogAnChoi để cập nhật nhiều thông tin bổ ích nhé!

Xem kịch Idecaf

Sân khấu kịch Idecaf là nơi gắn liền với ký ức tuổi thơ của biết bao nhiêu thế hệ người Sài Gòn. Trải qua bao thăng trầm, sân khấu vẫn sáng đèn và mang đến cho khán giả những vở diễn được đầu tư công phu cả về nội dung lẫn hình thức.

Hiện nay, sân khấu kịch Idecaf đang công chiếu nhiều vở diễn với đa dạng thể loại từ chính kịch, hài kịch và đặc biệt là kịch thiếu nhi. Với sự tham gia của những nghệ sĩ quen thuộc: NSƯT Thành Lộc, NSƯT Hữu Châu, NSƯT Mỹ Duyên, Lê Khánh, Hoàng Trinh,… Đây chắc hẳn là địa điểm thích hợp để giải trí cuối tuần cùng gia đình và bạn bè .

Để mua vé, bạn có thể đến mua trực tiếp tại quầy hoặc mua vé online. Giá vé online thường sẽ đắt hơn khoảng 20.000 đồng/vé so với vé mua offline nhưng sẽ thuận tiện và dễ dàng hơn.

Giá vé

• Giá vé online: Vé thường: 220.000 đồng/vé & Vé VIP: 270.000 đồng/vé
• Giá vé offline: Vé thường: 200.000 đồng/vé & Vé VIP: 250.000 đồng/vé

Lưu ý:

• Lịch diễn sẽ được update thường xuyên trên Fanpage Kịch Idecaf, nhớ theo dõi để book được vị trí đẹp nhé! (Vì vé rất nhanh sold out nên nhớ lưu ý thời gian mở bán vé và nhanh tay bạn nhé).
• Vở diễn sẽ bắt đầu đúng với thời gian đã ghi trên vé, vì thế bạn nhớ đến sớm khoảng 10-15 phút check-in để có thể thưởng thức trọn vẹn nha!
• Xem Fanpage Kịch Idecaf tại đây
• Địa chỉ: 28 Lê Thánh Tôn, Bến Nghé, Quận 1, Thành phố Hồ Chí Minh

Tô tượng, tranh cát tại nhà sách Hải An

Tô tượng hay tô tranh cát là những trò chơi quá đỗi quen thuộc với thời niên thiếu của nhiều người. Trong thời gian gần đây, những thú vui này bỗng dưng hot trở lại và thu hút rất nhiều bạn trẻ tham gia.

Một trong những địa điểm được nhiều người lựa chọn “bắt trend” chính là Nhà sách Hải An. Nhà sách có không gian rộng rãi được chia thành nhiều khu khác nhau. Khu vực dành cho tô tượng và tranh cát nằm ở tầng 3 của tòa nhà. Đến đây, bạn sẽ có nhiều sự lựa chọn từ tô tượng, tô tranh gỗ, tô tranh cát với mức giá từ 25.000 – 60.000 đồng/món. Ngoài ra, nhà sách Hải An cũng là địa điểm check-in được yêu thích bởi lối kiến trúc độc đáo và không gian trưng bày đa dạng các thể loại sách. Đây chắc chắn là điểm đến không thể bỏ qua đối với những tín đồ yêu sách khi muốn tìm cho mình địa điểm vui chơi cuối tuần ở Sài Gòn.

Lưu ý: Vì buổi tối ở đây khá đông và sẽ đóng cửa lúc 22h, hãy đến nhà sách sớm để có cho mình chỗ ngồi ưng ý và có đủ thời gian hoàn thiện tác phẩm của mình nhé.

Giở mở cửa: 7h30 – 22h15

• Xem Fanpage Nhà Sách Hải An tại đây
• Địa chỉ: Số 2B Nguyễn Thị Minh Khai, Phường Đa Kao, Quận 1, TP. Hồ Chí Minh.

Thử thách bản thân tại Jump Arena

Nếu như bạn yêu thích thể thao và muốn tìm chỗ rèn luyện một chút cuối tuần, sao không thử đến với Jump Arena – Hệ thống khu vui chơi bạt nhún lớn nhất Việt Nam. Với hơn 20 trò chơi vận động ở nhiều cấp độ như các trò chơi trên bạt nhún cùng những trò chơi vận động như leo núi, vượt chướng ngại vật,… Ngoài ra, bạn có thể tham gia các lớp học rèn luyện thể chất như: lớp thể dục phát triển chiều cao, lớp thể dục khỏe mạnh xương khớp,…

Khi đến đây, bạn sẽ được nhân viên tư vấn các loại giá vé khác nhau dao động từ 60.000 – 375.000 đồng/vé. Giá vé sẽ tùy thuộc vào chi nhánh, độ tuổi tham gia, ngày và thời gian chơi,… Bạn có thể đặt mua vé trước hoặc mua tại quầy. Hiện tại ở Sài Gòn, Jump Arena đang có các chi nhánh: quận 7, quận 9, quận 10, quận 2.

Lưu ý: Sau khi đã mua vé, bạn sẽ được nhân viên giới thiệu và hướng dẫn cách chơi, nhớ chú ý lắng nghe để tránh những chấn thương không đáng có nhé!

Xem Fanpage Jump Arena Trampoline Park Vietnam tại đây

Thử tài hội họa với Tipsy Art

Nếu bạn yêu thích hội họa hay đơn giản là muốn tìm địa điểm vui chơi cuối tuần ở Sài Gòn, Tipsy Art chính là một gợi ý hay ho dành cho bạn. Với 3 tiếng đồng hồ tham gia, bạn sẽ được các họa sĩ nơi đây hướng dẫn cụ thể những kĩ thuật hội họa cơ bản nhất để hoàn thiện một bức tranh mang về treo tường hoặc dành tặng những người thân yêu. Bạn không cần chuẩn bị gì cả, chỉ cần book vé trước, đến vẽ và đắm chìm vào không gian nghệ thuật tại Tipsy Art.

Giá vé cơ bản dao động trong khoảng 440.000 – 660.000 đồng/vé. Giá vé sẽ thay đổi tùy thuộc thể loại tranh và các dịch vụ đi kèm.

Lưu ý: Bạn không cần phải là một họa sỹ mới có thể tham gia, nơi đây là dành cho tất cả mọi người.

• Xem Fanpage Tipsy Art tại đây
• Giờ mở cửa: 10h – 22h
• Địa chỉ: 6B Đ. Nguyễn Cảnh Chân, Phường Nguyễn Cư Trinh, Quận 1, Thành phố Hồ Chí Min

Trượt tuyết tại Snow Town Sài Gòn

Trượt tuyết ngay tại Sài Gòn? Bạn không nhìn lầm đâu, đó chính xác là điều bạn sẽ trải nghiệm khi đến với Snow Town Sài Gòn. Đây chắc chắn là địa điểm “trốn nóng” cuối tuần lý tưởng dành cho bạn mùa hè này.

Đến với khu vui chơi có tuyết ở Sài Gòn, bạn sẽ được trải nghiệm những trò chơi thú vị như trượt ski, trượt máng trên con dốc tuyết cao 8m có 1-0-2, đắp tuyết, ném tuyết, cùng nhau thỏa sức sáng tạo nên những chú người tuyết đáng yêu, những ngôi nhà tuyết lộng lẫy của riêng mình,…

Giá vé (đã bao gồm áo khoác, ủng và máng trượt trong khu tuyết):

• Ngày thường: 160.000 đồng/vé (khung giờ: 9h – 19h). Không giới hạn thời gian chơi
• Ngày lễ, cuối tuần: 180.000 đồng/vé (Giới hạn thời gian chơi, 120 phút/suất, 5 suất trong ngày)

Lưu ý: Các bạn có thể mua vé online hoặc tới sớm trước suất chơi 15 phút để mua vé và thay ủng nhé!

• Xem Fanpage Khu Vui Chơi Snow Town Sài Gòn tại đây
• Giờ mở cửa: 9h-19h
• Địa chỉ: Lầu 3 The CBD Premium Home, 125 Đồng Văn Cống, Phường Thạnh Mỹ Lợi, Q2, HCM

Xem thêm các bài viết khác tại:

• Mách bạn bí kíp khám phá Sài Gòn một ngày, đi đâu làm gì cho thật thú vị?
• 5 “thánh địa” sống ảo tại Sài Gòn cực đẹp nhưng ít ai biết, rủ ngay hội bạn thân triển ngay khi hết dịch!
• 10 địa điểm chơi Tết Trung Thu “cực hot” ở Sài Gòn, thử ngay thôi!

Hãy theo dõi BlogAnChoi để cập nhật nhiều thông tin bổ ích nhé!

Sự hình thành Rome – Cái nôi của La Mã cổ đại

Theo truyền thống tìm thấy năm 753 trước Công Nguyên (TCN), Rome bắt nguồn như là một cụm lều hoang sơ với niên đại ít nhất là Thế kỷ 12 (TCN). Từ một nơi tầm thường, và kém triển vọng, nó bắt đầu phát triển thành một thành phố độc lập. Từ năm 507 TCN trở đi Rome được tổ chức thành một chính quyền dạng mới theo thể chế Cộng hòa. Sự chia sẻ quyền lực độc đáo giữa các quý tộc, tầng lớp cai trị, người nghèo và dân thường tiếp tục cho đến cuối Thế kỷ 1 (TCN).

Trong ba thế kỷ cuối cùng của thời kỳ trước Công Nguyên, Rome đã từng bước trở thành một thủ đô rộng lớn. Sự căng thẳng trong cai trị và mở rộng lãnh thổ của các đế chế cùng với sự giàu có của cư dân trong thành phố làm sụp đổ thể chế Cộng hòa, Rome đẫm máu trong các cuộc chiến tranh kéo dài và suy thoái về chính trị. Tột độ của chế độ độc tài Julius Caesar là cuộc ám sát nhắm vào ông vào năm 44 TCN.

Sau cái chết của Caesar, nhiệm vụ tái thiết Rome và phục hồi các điều kiện hòa bình đè nặng lên cháu trai, cũng là người thừa kế của ông, Octavian khi đó chỉ mới 18 tuổi. Bằng chiến tranh và loại bỏ các thế lực đối lập, Octavian cũng cố quyền lực cho mình và khôi phục thể chế Cộng hòa, nhưng thực tế ông đã là người gần như nắm quyền chuyên chế Đế quốc La Mã thay vì Cộng hòa La Mã. Ông cai trị Đế quốc La Mã cho đến khi mất ở tuổi 76.

Rome dưới thời cai trị của Octavian trở thành thành phố giàu có nhất, lớn nhất, đông dân nhất thế giới Địa Trung Hải, ông cũng áp đặt một hệ thống cai trị mới hiệu quả hơn, khuyến khích các nhà văn sáng tác chứng minh, ca ngợi số mệnh đế quốc của Rome.

Bắt đầu thế kỷ đầu tiên sau Công Nguyên (SCN), Rome đứng vị trí đầu não của Đế quốc La Mã và làm lu mờ các hàng xóm xung quanh mình, với việc loại trừ hợp lý đế quốc Parthia, người La Mã ca tụng chính mình là “Chủ của Thế giới”. Sự thành công của việc thành lập đất nước bời Octavian có thể ước lượng bằng thời gian cai trị của thực của La Mã. Thời điểm suy thoái của đế chế chứng kiến đế quốc bị phân thành Đông và Tây La Mã. Tây La Mã cai trị bởi Romulus Augustus sụp đổ khi ông bị phế truất vào 476 (SCN), Đông La Mã kết thúc số mệnh của mình khi Constantinople thất bại vào tay Ottoman Thổ Nhĩ Kỳ 1453 (SCN).

Octavian là người có tầm lịch sử quan trọng khi đặt nền móng cho La Mã cổ đại và ảnh hưởng sâu sắc đến định hướng nghệ thuật ca ngợi con người quyền lực. Nhiều chân dung của Octavian cũng như những vị Hoàng đế La Mã khác đã được chạm khắc trên nhiều tác phẩm nghệ thuật.

Nghệ thuật điêu khắc La Mã

Năm 30 trước Công Nguyên, Octavianus trở thành người đứng đầu đế quốc, ông tiếp nhận Rome sau 3 thế kỷ chìm trong chiến tranh và hỗn loạn. Trong suốt 44 năm tiếp theo, ông đề ra thể chế và ý thức hệ kết hợp giữa truyền thống của người dân Công hòa La Mã với niềm tin vào nhà vua. Một hình thức cai trị phát triển mới. Năm 27 trước công nguyên, sau khi khôi phục nền Cộng hòa, Thượng viện đã bàn bạc trao cho Octavian một tên gọi đầy kính cẩn Augustus, với ý nghĩa lòng tự trọng, oai vệ hay thậm chí là thần thánh.

Cùng thời gian với tượng chân dung phía trên, một bản khác được hoàn thành và thỏa mãn cho những yêu cầu của Augustus, hàng trăm bản chân dung của ông sau đó được truyền khắp đất nước qua: tiền đồng, đá quý, tượng bán thân đủ kích cỡ và cả tượng toàn thân theo tỉ lệ thể cơ thể thật. Các tác phẩm chứng tỏ trình độ người La Mã trong nghiên cứu về tỉ lệ cơ thể. Ý tưởng mới trong chân dung của nhà cầm quyền ở bản hoàn thiện có nhiều nét riêng nhưng tổng thể thay đổi là nhẹ nhàng, kính trọng, và mang âm hưởng của nghệ thuật cổ Hy Lạp (Thế kỷ 5 trước Công Nguyên) dường như ông muốn gợi lên nét huy hoàng của Athens thời quá khứ.

Sự xuất hiện hoàng đế và các người vợ trong những tác phẩm chân dung (được gia đình hoàng gia chấp nhận, cho phép truyền bá tới dân chúng) đã hình thành quy tắc thời trang cho nam và nữ khắp đất nước. Tượng một cậu bé tóc ngắn, mặt phóng khoáng, vành tai to. Tương đồng với hình ảnh Hoàng Tử trong gia đình hoàng gia. Tượng tìm thấy tại đông Địa Trung Hải, đảo Rhodes nơi có thành phố Hy Lạp cổ giàu có, và tiếp tục hưng thịnh với vai trò trung tâm thương mại và văn hóa suốt thời kỳ La Mã. Cậu bé có lẽ đang khoác khố vải hình chữ nhật kiểu Hy Lạp hơn là trang phục truyền thống của La Mã – Toga, và có thể là con của một điền chủ trên đảo.

Bộ trang phục bên hình là đặc điểm nhận dạng đặc trưng của người La Mã, áo dài có thể thắt ngang lưng, không có ống tay, trùm đến tận gối – Toga, một trang phục dài bằng len của người La Mã trong nhiều thế kỷ. Dù trước đó vào cuối thế kỷ 1 trước Công Nguyên nó đã mất đi vị thế. Augustus chọn Toga như là một trang phục không chính thức cho các bang, và dân chúng được yêu cầu mặc nó ở những nơi hội họp, một phần cho nỗ lực tiếp nhận giá trị cổ xưa và phong tục.

Ngoài ra nghệ thuật tạo tác còn xuất hiện trên các vật dụng của người La Mã

Một bình hoa bằng đá cẩm thạch lớn, trang trí theo lối chạm nổi các chi tiết. Hình trên bình mô tả một tiết mục múa và hát cổ điển. Bình ắt hẳn là một tác phẩm chưa hoàn thành do bề mặt nền chưa nhẵn bóng, còn rồ rề và chưa tách biệt hẳn so với hình nổi.

Cốc bằng bạc có chi tiết nổi thần Cupid, trang trí lộng lẫy của cốc cho thấy nó thiên về mục đích cho trưng bày hơn là dùng như một vật dụng phổ biến.

Phong cách Hình học trong nghệ thuật Hồi giáo

Các nguyên tắc và giáo lý của Hồi giáo được sử dụng như một lối sống, quy tắc tôn giáo và cả hệ thống luật pháp được ban hành bởi Muhammad (khoảng 570–632 sau Công Nguyên), một thương gia Ả Rập từ Thánh địa Mecca. Hệ thống hóa trong văn bản được gọi là Qur’an tạo thành cốt lõi của tôn giáo.

Trang trí hình học đạt đến đỉnh cao trong thế giới Hồi giáo, khởi phát cho các hình dạng cơ bản và phức tạp này được cho là tồn tại vào cuối thời cổ đại trong Đế chế Byzantine và Sasanian. Nghệ sĩ Hồi giáo sử dụng các yếu tố chính từ truyền thống, sau đó xây dựng chúng để phát minh ra một hình thức trang trí mới nhấn mạnh tầm quan trọng của sự thống nhất, logic và trật tự.

Thiết yếu cho phong cách độc đáo này là những đóng góp từ các nhà toán học Hồi giáo, thiên văn học, và các nhà khoa học khác, những người có ý tưởng và kỹ thuật. Hình tròn đã trở thành nền tảng cho hình học Hồi giáo có vai trò cấu trúc nên tất cả các mô hình phức tạp.

Nghiên cứu mô hình Toán học trong nghệ thuật thị giác Hồi giáo

Có 3 nguyên tắc cơ bản được sử dụng trong nghệ thuật thị giác Hồi giáo:

Thứ nhất: Được tạo thành từ một số lượng nhỏ các yếu tố hình học lặp lại. Các hình thức đơn giản của hình tròn, hình vuông và đường thẳng là cơ sở của các mẫu. Những yếu tố này kết hợp, lặp lại, xen kẽ và sắp xếp theo những tổ hợp phức tạp. Hầu hết các mẫu thường dựa trên một trong hai các loại lưới – một lưới bao gồm các cạnh đều hình tam giác, hình còn lại của hình vuông. Một loại thứ ba lưới, bao gồm các hình lục giác, là một biến thể của lưới tam giác.

(Lưới hình học tam giác trong nghệ thuật trang trí Hồi giáo, ảnh: Internet)

(Lưới hình học lục giác trong nghệ thuật trang trí Hồi giáo, ảnh: Internet)

Thứ hai: Không yêu cầu tương tác không gian qua lại giữa theo quy luật xa gần. Quan niệm về không gian trong nghệ thuật Hồi giáo hoàn toàn khác với phương Tây. Trong khi nghệ sĩ phương Tây thường áp dụng phối cảnh tuyến tính, chia không gian hình ảnh thành tiền cảnh, trung cảnh và hậu cảnh (áp dụng chặt chẽ quy luật xa gần), thay vào đó các nghệ sĩ của thế giới Hồi giáo phần lớn không quan tâm đến quy luật này. Sau này các phong cách nghệ thuật Hồi giáo dần khác nhau theo vùng, ở Ba Tư không gian ba chiều được sử dụng để trình bày nhiều góc nhìn và đồng thời làm nổi bật các điểm nhìn từ trên xuống hay dưới lên.

Thứ ba: Trang trí hình học trong nghệ thuật Hồi giáo có một mức độ tự do. Sự phức tạp, sắp xếp và kết hợp các yếu tố có thể mở rộng vô hạn ra xung quanh nhờ tính đối xứng cao. Do đó có thể sử dụng lặp lại cho cả mẫu lớn như trần nhà thờ, tường,….

Một số hiện vật minh chứng cho nghệ thuật hình học Hồi giáo

1. Bảng gỗ hoa văn, khảm gỗ và xương, nửa sau Thế kỷ 8, triều đại Abbasid, Ai Cập.

Sở hữu: Quỹ Samuel D. Lee, 1937

Dễ thấy trung tâm hình là sự lặp lại các chi tiết các hình tròn đồng tâm nhưng khác nhau bán kính.

(Nguồn: The Metropolitan Museum of Art)

2. Bát gốm, cuối Thế kỷ 12, đầu Thế kỷ 13, triều đại Seljuq, Iran.

Sở hữu: Rogers Fund, và Gift of The Schiff Foundation, 1957

Vòng tròn trung tâm có các họa tiết được lặp lại đều đặn theo mô phỏng tia sáng mặt trời, tỏa ra từ khuôn mặt ở trung tâm.

(Nguồn: The Metropolitan Museum of Art)

3. Bình thắp hương bằng đồng thau, dát vàng, bạc, cuối Thế kỷ 13 – đầu Thế kỷ 14; Thời kỳ Mamluk Syria, Damascus

(Nguồn: The Metropolitan Museum of Art)

Sở hữu J. Pierpont Morgan, 1917

Bình thắp hương là vật dụng phổ biến trong gia đình nhưng loại hình cầu này ít phổ biến hơn các loại khác. Hương sẽ được đốt bên trong bình này giải phóng qua các rãnh trên bình. Trang trí bề mặt của hình học nổi bật với các vòng tròn lặp lại đều đặn.

4. Gạch đúc bằng men gốm màu lam, Thế kỷ 13 – 14; Thời kỳ Ilkhanid Iran, Nishapur

Sở hữu: Rogers Fund, 1937

Sự lặp lại đều đặn các ngôi sao sáu cánh, làm tác phẩm có tính đối xứng cao, bất kì một ngôi sao nào cũng có thể là trung tâm và tỏa ra xung quanh về mọi hướng, ngôi sao cũng là thiết kế phổ biến trong nghệ thuật Hồi giáo. Tuy nhiên nếu nhìn kĩ ta sẽ thấy hoa sen phía bên trong lòng ngôi sao- thiết kế đặc trưng của nền văn minh Trung Hoa, một ảnh hưởng đến nghệ thuật Hồi giáo.

(Nguồn: The Metropolitan Museum of Art)

Ai ai cũng mong muốn tạo cho bản thân một trang cá nhân thật độc lạ và có cá tính. Mỗi trang cá nhân như Facebook, Instagram, Zalo,… đều mang đến một mục đích. Vì vậy, việc tìm kiếm hình ảnh đại diện cũng trở nên rất quan trọng trong việc xây dựng hình ảnh cho trang cá nhân.

Với thời đại công nghệ số hiện nay thì việc chọn lựa hình ảnh trở nên khó khăn hơn vì lượng hình ảnh quá lớn và vô cùng đa dạng. Do đó, bạn hãy cùng BlogAnChoi chọn cho mình một chiếc avatar đẹp và xịn xò cho mình nha !

Avatar đẹp cho những người yêu anime

Tuổi thơ luôn gắn liền với những đoạn kí ức vô giá. Có thể là những buổi đi học trên trường hay đơn giản chỉ là những khoảng thời gian xem hoạt hình cùng với bạn bè. Anime cũng đã quá quen thuộc với các thế hệ trẻ em Việt Nam khi nó có nội dung vô cùng đa dạng để thu hút lượng fan khủng tại nước ta.

Nếu bạn là một fan nữ Anime chính hiệu thì không nên bỏ qua những bức hình đầy ấm áp và dễ thương này đâu. Hãy chọn cho bản thân một chiếc avatar đẹp nhé !

Avatar đẹp cho những nàng công chúa ” sang chảnh”

Đẹp biết bao nếu bạn muốn tạo cho trang cá nhân một cảm giác thật ” sang chảnh ” cùng với chiếc avatar đẹp không phải dạng vừa. Đừng ngần ngại lựa cho mình một tấm hình để làm mới ” ngôi nhà ” xã hội của mình nha!

Avatar đẹp cho những tín đồ mê hoa

Sẽ như thế nào nếu vẻ đẹp của người con gái kết hợp với hoa? Có lẽ là vẻ đẹp hút mắt người xem từ cái nhìn đầu tiên. Những ai là tín đồ của vẻ đẹp mang đầy tính nghệ thuật này thì đừng bỏ qua cơ hội lựa chọn một avatar đẹp phù hợp với mong muốn của mình nha!

Avatar dành cho những chàng trai cá tính

Vậy còn đối với những bạn nam, lựa chọn avatar như thế nào để thật cá tính ? Những chiếc avatar đẹp dưới đây chính là một sự lựa chọn không thể hoàn hảo hơi. Từ bad boy, sad boy hay đến những chiếc ảnh cập nhật xu hướng về dịch corona.

Avatar gây mất ngủ vì những vẻ đẹp bất hủ

Vẻ đẹp thu hút được đa số ánh nhìn của mọi người. Những cô gái đem đến một sức hút kì lạ với những nét đẹp đâm chất phương Tây. Đây cũng chính là những bức ảnh đáng để bạn tin tưởng đó chính là một trong những avatar đẹp mà bạn từng thử.

Avatar của nghệ thuật đầy trừu tượng

Những chiếc ảnh độc lạ này có lẽ chính là những thứ mà bạn cần tìm. Tạo cho mình ảnh đại diện độc nhất vô nhị mà luôn đem lại sự khác biệt giữa vô số sự trùng lặp trên mạng xã hội hiện nay. Một chiếc avatar đẹp đáng dành cho một người biết thưởng thức.

Những chiếc avatar mang đầy tính trừu tượng. (Nguồn : Internet).

Avatar cho những cô nàng đang tìm kiếm sự tĩnh lặng

Bạn yêu thích sự nhẹ nhàng, thanh tịnh và không vồn vã thì hãy chọn một trong những bức ảnh dưới đây để làm avatar nhé !

Avatar của những bạn yêu thích sự khắc họa nghệ thuật qua hội họa

Một bước ảnh được vẻ nên từ những ý tưởng gần gũi và cá tính. Không chỉ đem lại sự độc đáo mà còn đầy xịn xò cho bạn. Đừng quên chọn một bức avatar đẹp để tân trang lại cho Trang xã hội của bạn nha.

Avatar mang dấu ấn của phong cách Lolita

Lolita có lẽ là một phong cách không còn lạ lẫm gì với mọi người khi những bức ảnh đó mang lại một cảm giác không chỉ nhẹ nhàng mà còn đầy sự phóng khoáng và cá tính. Một bức ảnh lolita là đại diện cho sự thoải mái mà bạn đang muốn tìm kiếm. Chọn ngay lấy một chiếc avatar đẹp ngay đi nào !

Trên đây là tất cả những chiếc ảnh avatar xịn xò nhất mà BlogAnChoi muốn chia sẻ cùng bạn, hi vọng bạn sẽ chọn cho mình những chiếc avatar phù hợp và sang chảnh nhất cho tường nhà mình.

Một số bài viết khác có thể bạn sẽ quan tâm:

• 200+ ảnh bìa đẹp, “xịn xò” cho Facebook, YouTube, Zalo: Đổi ngay kẻo muộn!
• 100+ hình ảnh buồn cho những ngày chất chứa tâm trạng

Hãy theo dõi chuyên mục Bạn đọc trên BlogAnChoi để có thêm nhiều trải nghiệm thú vị nha!