1. Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci là một trong những nhân vật vĩ đại và có tầm ảnh hưởng lớn nhất trong lịch sử nhân loại. Ông là biểu tượng của Thiên tài Toàn năng (Renaissance Man) của thời kỳ Phục Hưng.

Ông sinh năm 1452 tại một trang trại bên ngoài làng Anchiano gần thị trấn Vinci, vùng Tuscany. Leonardo da Vinci không chỉ là một họa sĩ mà còn là nhà điêu khắc, kiến trúc sư, nhạc sĩ, bác sĩ giải phẫu, kỹ sư, nhà phát minh và nhà triết học tự nhiên. Ông có đóng góp to lớn trong nhiều lĩnh vực, xứng đáng với danh hiệu “Thiên tài toàn năng” (Renaissance Man). Ông bắt đầu học việc tại xưởng của Andrea del Verrocchio ở Florence từ năm 14 tuổi, nơi ông được học nhiều kỹ thuật hội họa, điêu khắc và cơ khí. Ông làm việc dưới sự bảo trợ của nhiều nhân vật quyền lực, tiêu biểu là Ludovico Sforza ở Milan và Vua Francis I của Pháp, nơi ông qua đời vào năm 1519.

Leonardo da Vinci nổi tiếng với việc áp dụng kiến thức khoa học đặc biệt là giải phẫu học, hình học và quang học vào các tác phẩm của mình. Ông đã tạo ra những tác phẩm kinh điển, sử dụng điêu luyện kỹ thuật Sfumato – kỹ thuật đặc trưng của ông, tạo ra sự chuyển đổi màu sắc và sắc độ một cách tinh tế, mềm mại, giúp các đường viền trở nên mờ ảo, tạo chiều sâu và thực tế cho bức tranh. Ông sử dụng sự tương phản mạnh mẽ giữa ánh sáng và bóng tối để làm nổi bật nhân vật và tăng thêm tính kịch tính. Các tác phẩm tiêu biểu của ông có thể kể đến là Mona Lisa The Last Supper, Vitruvian Man,…

Da Vinci không chỉ là một họa sĩ tài năng mà còn là một nhà khoa học và kỹ sư xuất chúng. Ông để lại hàng nghìn trang sổ tay chứa các bản phác thảo và ghi chép về nhiều cuộc mổ xẻ và phác họa chi tiết cơ thể người với độ chính xác cao chưa từng có hạt phác thảo các ý tưởng đi trước thời đại như máy bay (dựa trên cấu trúc cánh dơi), trực thăng, xe tăng bọc thép và dù lượn. Ông cũng nghiên cứu về thực vật học, địa chất học, quang học và thủy lực học, thể hiện một sự tò mò vô hạn với thế giới tự nhiên.

Sự kết hợp giữa nghệ thuật và khoa học đã làm nên tầm vóc của Leonardo da Vinci, biến ông thành hình mẫu lý tưởng của thời đại Phục Hưng. Ông được coi là người đã đặt nền móng cho nhiều lĩnh vực khoa học và kỹ thuật hiện đại. Tư tưởng của ông về mối liên hệ giữa nghệ thuật – khoa học – thiên nhiên đã ảnh hưởng sâu sắc đến nhiều thế hệ họa sĩ, nhà khoa học và triết gia sau này. Ngày nay, ông được ca ngợi là “Thiên tài toàn năng nhất trong lịch sử nhân loại” và là biểu tượng của thời đại Phục hưng.

2. Michelangelo

Michelangelo là một nghệ sĩ đa tài: vừa là họa sĩ, nhà điêu khắc, kiến trúc sư, vừa là thi sĩ. Ông được xem là một trong “Ba trụ cột vĩ đại của thời Phục hưng Ý”, bên cạnh Leonardo da Vinci và Raphael.

Michelangelo sinh ngày 6 tháng 3 năm 1475 tại Caprese, gần thành phố Florence (Ý). Ngay từ nhỏ, ông đã sớm bộc lộ năng khiếu đặc biệt về hội họa và điêu khắc. Năm 13 tuổi, Michelangelo học nghề vẽ tại xưởng của họa sĩ Domenico Ghirlandaio, rồi nhanh chóng nổi bật bởi tài năng hiếm có. Ông sống và làm việc chủ yếu tại Florence và Rome, phục vụ nhiều giáo hoàng, trong đó nổi bật là Giáo hoàng Julius II và Giáo hoàng Leo X.

Giống như Leonardo da Vinci, Michelangelo là một thiên tài toàn năng, nổi tiếng với vai trò nhà điêu khắc, họa sĩ, kiến trúc sư và nhà thơ. Tuy nhiên, ông tự xem mình là một nhà điêu khắc trước hết và trên hết và đã dành trọn niềm đam mê để khai thác vẻ đẹp và sức mạnh của cơ thể con người. Ông là nhân vật chủ chốt trong việc định hình nghệ thuật Phục hưng và ảnh hưởng sâu rộng đến phong cách Baroque sau này. Tác phẩm của ông nổi bật với khả năng miêu tả giải phẫu cơ thể con người một cách hoàn hảo, sống động và đầy sức mạnh, thường thể hiện sự kịch tính và cảm xúc sâu sắc.

Điêu khắc là lĩnh vực mà Michelangelo đạt đến đỉnh cao tuyệt đối, thể hiện sự am hiểu sâu sắc về giải phẫu học và khả năng “thổi hồn” vào đá cẩm thạch. Tác phẩm điêu khắc nổi tiếng nhất của Michelangelo là “Tượng David”, thể hiện hình tượng anh hùng David trước khi chiến đấu với Goliath. Bức tượng biểu tượng cho sức mạnh, lòng can đảm và vẻ đẹp lý tưởng của con người thời Phục hưng. Bên cạnh điêu khắc, Michelangelo cũng đã tạo ra một trong những tác phẩm hội họa vĩ đại nhất lịch sử tại Nhà nguyện Sistine – tác phẩm được vẽ trên trần nhà nguyện Sistine ở Vatican theo lệnh của Giáo hoàng Julius II. Tác phẩm gồm hơn 300 nhân vật, tái hiện các câu chuyện trong Kinh Thánh đặc biệt là cảnh “Sáng thế” (The Creation of Adam), trong đó bàn tay của Chúa chạm gần bàn tay của Adam – biểu tượng cho mối liên kết giữa con người và Thượng đế. Ông đã dành bốn năm ròng rã, chủ yếu tự mình thực hiện, để vẽ một hệ thống bích họa khổng lồ mô tả các câu chuyện từ Sách Sáng Thế. Về cuối đời, Michelangelo dành nhiều tâm huyết cho kiến trúc, nổi bật nhất là vai trò Kiến trúc sư trưởng của Vương cung thánh đường Thánh Phêrô (St. Peter’s Basilica), nơi ông thiết kế Mái vòm vĩ đại (Dome) của nhà thờ, một kiệt tác kiến trúc của thời Phục hưng.

Michelangelo được coi là nghệ sĩ toàn năng nhất của thời Phục hưng – người đã đưa nghệ thuật chạm tới đỉnh cao của sự hoàn mỹ. Ông ảnh hưởng sâu rộng đến nhiều thế hệ họa sĩ, nhà điêu khắc và kiến trúc sư châu Âu sau này. Tài năng, niềm tin tôn giáo và khát vọng hoàn hảo trong nghệ thuật của ông đã tạo nên những kiệt tác vượt thời gian.

3. Raphael

Raphael là một trong ba thiên tài vĩ đại nhất của thời kỳ Phục hưng Ý, bên cạnh Leonardo da Vinci và Michelangelo. Ông được ca ngợi là người mang đến sự hài hòa, duyên dáng và hoàn mỹ tuyệt đối trong hội họa, được mệnh danh là “Hoàng tử của các Họa sĩ”.

Raphael tên đầy đủ là Raffaello Sanzio da Urbino, sinh ngày 6 tháng 4 năm 1483 tại thành phố Urbino, miền Trung nước Ý. Cha ông là một họa sĩ cung đình vì vậy Raphael sớm được tiếp xúc với nghệ thuật từ nhỏ. Khi cha mất, Raphael được gửi đi học nghề vẽ và nhanh chóng thể hiện tài năng xuất chúng. Từ năm 1504, ông đến Florence – trung tâm nghệ thuật của Ý thời bấy giờ nơi ông học hỏi và chịu ảnh hưởng sâu sắc từ Leonardo da Vinci và Michelangelo. Raphael hoạt động chủ yếu tại Florence và Rome, được các Giáo hoàng (như Julius II và Leo X) trọng dụng và giao cho nhiều công trình lớn của Vatican. Dù chỉ sống 37 năm, Raphael đã để lại một khối lượng tác phẩm đồ sộ, thể hiện sự hòa hợp giữa trí tuệ, vẻ đẹp và cảm xúc nhân văn.

Phong cách của Raphael nổi bật với sự cân bằng hoàn hảo trong bố cục, đường nét mềm mại và màu sắc trong trẻo, mang lại cảm giác thanh bình và lý tưởng. Raphael được ngưỡng mộ bởi sự tinh tế và khả năng tổng hợp tài năng từ những người đi trước. Ông đã khéo léo kết hợp sự uyển chuyển của Leonardo da Vinci và sức mạnh hình thể của Michelangelo, nhưng lại thêm vào đó nét duyên dáng, lãng mạn rất riêng của mình. Raphael là bậc thầy về bố cục, ánh sáng và hình thể mỗi chi tiết đều hài hòa, nhẹ nhàng, thanh thoát. Ông luôn sử dụng các hình khối hình học – đặc biệt là hình tam giác để tạo ra sự ổn định và hài hòa thị giác. Các nhân vật của ông luôn có nét mặt và cử chỉ đẹp đẽ, thanh lịch, tạo cảm giác yên bình và lý tưởng. Tác phẩm của ông luôn tôn vinh vẻ đẹp của con người, niềm tin, tri thức và tình yêu thương.

Thời kỳ thành công rực rỡ nhất của Raphael là khi ông được Giáo hoàng Julius II mời đến Rome để trang trí các căn phòng tại Dinh Tông Tòa (Apostolic Palace) ở Vatican, được gọi là Stanze di Raffaello. Trong đó, tác phẩm “The School of Athens” (1509–1511) là kiệt tác vĩ đại nhất của Raphael, được vẽ trong căn phòng Stanza della Segnatura. Bức bích họa này không chỉ là một tác phẩm nghệ thuật, mà còn là một tuyên ngôn triết học, tập hợp tất cả các triết gia và nhà khoa học vĩ đại từ thời cổ đại. Raphael cũng nổi tiếng với khả năng thể hiện các chủ đề tôn giáo một cách đầy nhân tính, thánh thiện nhưng vẫn gần gũi và đầy tình yêu thương. Trong đó, nổi bật nhất là tác phẩm Đức Mẹ Sistine – nổi tiếng với khuôn mặt thánh thiện nhưng dịu dàng của Đức Mẹ Maria, bố cục hình tam giác cân đối và hai tiểu thiên thần ở phía dưới đã trở thành biểu tượng văn hóa đại chúng.

Raphael được xem là “họa sĩ của sự hài hòa và vẻ đẹp hoàn mỹ”, người đã dung hòa trí tuệ của Leonardo và sức mạnh của Michelangelo để tạo nên nghệ thuật mang tính nhân văn sâu sắc. Raphael đã mang lại sự cân bằng lý tưởng, vẻ đẹp lý tưởng và sự trong sáng cho nghệ thuật Phục hưng, khiến ông trở thành một trong những nghệ sĩ được tôn sùng nhất mọi thời đại.

4. Claude Monet

Claude Monet (1840 – 1926) là một họa sĩ người Pháp, người mở đường cho một cuộc cách mạng nghệ thuật hiện đại và được xem là “cha đẻ của trường phái Ấn tượng”.

Claude Monet sinh tại Paris – Pháp, nhưng lớn lên ở thành phố cảng Le Havre. Từ nhỏ, ông đã yêu thích thiên nhiên và say mê vẽ phong cảnh. Khi còn là học sinh, Monet nổi tiếng với những bức ký họa chân dung biếm họa. Sau đó, ông theo học hội họa ở Paris, nơi gặp gỡ và kết thân với nhiều họa sĩ trẻ cùng chí hướng như Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro và Édouard Manet.

Claude Monet là người tiên phong của trường phái Ấn tượng (Impressionism) – phong cách hội họa tập trung thể hiện ánh sáng, màu sắc và khoảnh khắc thoáng qua của tự nhiên. Monet đã thay đổi cách nhìn của nghệ thuật phương Tây bằng cách tập trung vào việc ghi lại ấn tượng thoáng qua của ánh sáng và màu sắc, thay vì các hình thức chi tiết hay chủ đề lịch sử, tôn giáo. Ông là người đưa kỹ thuật vẽ ngoài trời lên đỉnh cao, trực tiếp ghi lại sự thay đổi của ánh sáng tự nhiên và không khí tại thời điểm đó. Đối với Monet, chủ thể thực sự của bức tranh không phải là vật thể mà chính là ánh sáng đang chiếu rọi lên vật thể đó, cũng như cách ánh sáng tác động đến màu sắc. Ông sử dụng các nét cọ ngắn, nhanh, lỏng lẻo thường được ví như hình dấu phẩy để mô phỏng lại độ rung của ánh sáng và không khí. Ông không chú trọng chi tiết mà tập trung vào ấn tượng tổng thể cảm giác thị giác và cảm xúc tức thì của người họa sĩ. Để nắm bắt sự thay đổi của ánh sáng, Monet đã vẽ cùng một đối tượng nhiều lần vào các thời điểm khác nhau trong ngày và các mùa khác nhau. Tranh của Monet gợi cảm giác bình yên, thư giãn, đồng thời thể hiện sự giao hòa giữa con người và thiên nhiên.

Một trong những tác phẩm nổi tiếng của ông là Impression, soleil levant – Ấn tượng Mặt trời mọc (1872). Chính tiêu đề của bức tranh này, được giới phê bình sử dụng với ý châm biếm, đã trở thành tên gọi chính thức cho Trường phái Ấn tượng (Impressionism). Bức tranh mô tả cảnh cảng Le Havre trong sương sớm, nơi ánh mặt trời màu cam xuyên qua sương mù và mờ ảo, phản chiếu lung linh trên mặt nước. Từ năm 1883 Monet sống tại Giverny, nơi ông tự tay thiết kế và xây dựng một khu vườn nước tuyệt đẹp với cây cầu Nhật Bản và ao hoa súng. Ông coi khu vườn này là kiệt tác vĩ đại nhất của mình và nó trở thành nguồn cảm hứng bất tân cho nửa cuối sự nghiệp của ông, dẫn đến sự ra đời của loạt tranh Hoa Súng nổi tiếng toàn cầu. Loạt tranh bao gồm khoảng 250 bức tranh khổ lớn và nhỏ, mô tả mặt nước, sự phản chiếu của bầu trời và những bông hoa súng. Những tác phẩm này dần trở nên trừu tượng hơn, với các nét cọ táo bạo và màu sắc dữ dội, vượt ra khỏi giới hạn của Ấn tượng và ảnh hưởng mạnh mẽ đến nghệ thuật thế kỷ 20.

Claude Monet đã để lại một di sản khổng lồ, không chỉ là những bức tranh đẹp mà còn là một phong cách nhìn nhận thế giới, nơi vẻ đẹp không nằm ở vật thể mà nằm ở khoảnh khắc ánh sáng và cảm giác rung động mà nó tạo ra. Ông không chỉ mở ra kỷ nguyên mới cho nghệ thuật hiện đại châu Âu, mà còn ảnh hưởng mạnh mẽ đến nhiều họa sĩ thế kỷ 20 như Van Gogh, Cézanne, Matisse…

5. Vincent van Gogh

Vincent Willem van Gogh (1853 – 1890) là một thiên tài hội họa người Hà Lan, người được mệnh danh là nghệ sĩ tiên phong của trường phái Hậu Ấn tượng (Post-Impressionism) và có ảnh hưởng cực kỳ lớn đến mỹ thuật hiện đại.

Vincent Willem van Gogh sinh ngày 30 tháng 3 năm 1853 tại làng Groot-Zundert, Hà Lan trong một gia đình trung lưu có truyền thống tôn giáo và buôn bán tranh. Thuở nhỏ, ông từng làm nhân viên buôn tranh và truyền giáo nhưng sau nhiều biến cố, Van Gogh quyết định theo đuổi hội họa khi đã ngoài 20 tuổi. Cuộc đời ông đầy biến động, cô đơn và khó khăn. Van Gogh hầu như không được công nhận khi còn sống, phải sống nhờ vào sự giúp đỡ của em trai – người luôn tin tưởng và ủng hộ ông. Dù chỉ hoạt động nghệ thuật hơn 10 năm, Van Gogh để lại hơn 2.000 tác phẩm, trong đó có khoảng 900 bức tranh sơn dầu.

Van Gogh là họa sĩ thuộc trường phái Hậu Ấn tượng (Post-Impressionism) – tiếp nối và phát triển tinh thần của trường phái Ấn tượng, nhưng nhấn mạnh cảm xúc nội tâm và biểu hiện tâm lý thông qua màu sắc và nét cọ. Phong cách của Van Gogh là sự kết hợp độc đáo giữa kỹ thuật của trường phái Ấn tượng và cảm xúc mãnh liệt cá nhân. Ông nổi tiếng với những nét cọ dày nhìn thấy rõ, tạo ra bề mặt tranh thô ráp và rung động (kỹ thuật Impasto). Những nét cọ này như những dòng chảy năng lượng, truyền tải cảm xúc mạnh mẽ, cuồng nhiệt của ông vào tác phẩm. Ông sử dụng màu sắc rực rỡ, tương phản mạnh – đặc biệt là màu vàng và xanh, vượt ra khỏi lối mô tả thực tế để thể hiện trạng thái tinh thần và cảm xúc chủ quan. Không chỉ ghi lại cảnh vật, tranh của Van Gogh còn thấm nhuần giai điệu tinh thần và tâm linh, thể hiện sự đau khổ, cô đơn nhưng cũng đầy hy vọng và khao khát sống. Tác phẩm của ông luôn thấm đẫm cảm xúc mãnh liệt, thể hiện nội tâm phức tạp, sự cô đơn, niềm hy vọng và cả sự điên loạn của người nghệ sĩ đồng thời phản ánh nỗi đau, lòng trắc ẩn, tình yêu thiên nhiên và con người lao động. Một số tác phảm tiêu biểu của ông có thể kể đến như là “The Starry Night” (1889) – tác phẩm được vẽ khi ông đang điều trị tại bệnh viện tâm thần ở Saint-Rémy (Pháp). Bức tranh thể hiện bầu trời xoáy cuộn, trăng sao rực sáng trên ngôi làng yên bình – biểu tượng cho tâm trạng giằng xé giữa hỗn loạn và bình an trong tâm hồn họa sĩ, “Sunflowers” (1888) – loạt tranh nổi tiếng vẽ tại Arles (Pháp) biểu tượng cho niềm tin, ánh sáng và khát vọng sống. Những bông hoa rực rỡ được ông thể hiện bằng màu vàng chủ đạo, mang lại cảm xúc ấm áp và mạnh mẽ, Irises (1889), Self-Portrait,…

Van Gogh là biểu tượng cho người nghệ sĩ chân chính – sống và sáng tạo bằng cảm xúc, không ngừng tìm kiếm ánh sáng trong bóng tối. Tuy cuộc đời và sự nghiệp ngắn ngủi nhưng Van Gogh là nguồn cảm hứng vô tận, minh chứng cho việc nghệ thuật có thể vượt qua mọi bi kịch cá nhân để trở thành di sản vĩnh cửu của nhân loại. Tác phẩm của ông không chỉ đẹp về màu sắc mà còn chạm đến trái tim con người, trở thành nguồn cảm hứng cho nhiều thế hệ sau.

6. Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881–1973) là một trong những danh họa vĩ đại và có ảnh hưởng sâu rộng nhất trong lịch sử nghệ thuật thế giới. Ông được xem là người tiên phong của chủ nghĩa lập thể (Cubism) – một trào lưu nghệ thuật cách mạng đã thay đổi hoàn toàn cách nhìn nhận và thể hiện hiện thực trong hội họa.

Ông sinh tại Málaga, Tây Ban Nha, từ nhỏ Picasso đã bộc lộ năng khiếu hội họa thiên bẩm; ông vẽ tranh khi mới 9 tuổi và được cha (một họa sĩ và giáo viên mỹ thuật) hướng dẫn tận tình. Năm 1900 Picasso chuyển đến Paris, trung tâm nghệ thuật của châu Âu khi đó, nơi ông bắt đầu con đường sáng tạo không ngừng nghỉ kéo dài hơn 70 năm, để lại một kho tàng khổng lồ với hơn 50.000 tác phẩm gồm tranh, tượng, bản khắc, gốm và bản vẽ.

Cuộc đời nghệ thuật kéo dài gần 80 năm của Picasso được đánh dấu bằng sự thay đổi phong cách liên tục được chia thành nhiều giai đoạn đặc trưng bởi màu sắc và chủ đề khác nhau, thể hiện sự thay đổi không ngừng trong nghệ thuật của ông mỗi giai đoạn lại là một cuộc thử nghiệm đột phá. Đầu tiên là gia đoạn “Thời kỳ xanh (1901–1904) – giai đoạn này các tác phẩm mang gam màu lạnh chủ yếu là xanh lam, phản ánh tâm trạng buồn bã, u ám cũng như sự nghèo đói và cô đơn của người dân lao động. Tác phẩm tiêu biểu của giai đoạn này là The Old Guitarist. Giai đoạn tiếp theo là “Thời kỳ hồng” (1904–1906) – màu sắc trong giai đoạn này trở nên ấm áp hơn với tông hồng, cam và đỏ; tập trung vào chủ đề gánh xiếc, diễn viên và các chủ đề lãng mạn hơn. Tiêu biểu trong giai đoạn này là tác phẩm Family of Saltimbanques, cùng với Georges Braque, Picasso sáng lập chủ nghĩa lập thể, phá vỡ cách nhìn truyền thống về hình thể và không gian. Đối tượng trong tranh bị phá vỡ thành các hình học đa diện, sắp xếp lại trên mặt phẳng để mô tả nhiều góc nhìn cùng một lúc.trong đó tiêu biểu là tác phẩm Les Demoiselles d’Avignon (1907) – một trong những bức tranh mang tính cách mạng nhất thế kỷ XX. Sau Thế chiến I, Picasso chịu ảnh hưởng của nghệ thuật cổ điển và siêu thực, thể hiện qua những hình thể khỏe khoắn và đầy cảm xúc, cuối cùng là Thời kỳ chính trị và biểu tượng. Giai đoạn này Picasso dùng nghệ thuật để phản ánh chiến tranh và nỗi đau con người, thường sử dụng màu đen, trắng và xám. Tác phẩm nổi tiếng nhất là “Guernica” (1937) – bức tranh phản chiến nổi tiếng mô tả thảm kịch do phát xít Đức ném bom vào thị trấn Guernica (Tây Ban Nha).

Picasso không chỉ là một họa sĩ mà còn là biểu tượng của sự sáng tạo không giới hạn. Ông không ngừng thử nghiệm các hình thức nghệ thuật mới từ hội họa, điêu khắc đến thiết kế sân khấu. Với triết lý “phá vỡ để sáng tạo”, Picasso đã định nghĩa lại khái niệm nghệ thuật hiện đại và ảnh hưởng sâu sắc đến nhiều thế hệ họa sĩ sau này. Ông đã định hình lại nền nghệ thuật hiện đại và để lại một kho tàng khổng lồ với nhiều phong cách khác nhau.

7. Andy Warhol

Andy Warhol là một trong những nhân vật có ảnh hưởng và dễ nhận biết nhất trong nghệ thuật thế kỷ 20. Ông được xem là biểu tượng không thể thiếu của Nghệ thuật Đại chúng (Pop Art) ở Mỹ, đặc biệt nổi lên mạnh mẽ vào những năm 1960, phản ánh sự bùng nổ của văn hóa tiêu dùng, truyền hình và người nổi tiếng.

Andy Warhol sinh ngày 6 tháng 8 năm 1928 tại Pittsburgh, bang Pennsylvania (Mỹ), trong một gia đình nhập cư gốc Slovakia. Ông học thiết kế thương mại tại Carnegie Institute of Technology (nay là Đại học Carnegie Mellon), sau đó chuyển đến New York làm họa sĩ minh họa quảng cáo trong thập niên 1950. Chính trải nghiệm trong ngành quảng cáo và truyền thông đại chúng đã ảnh hưởng mạnh mẽ đến phong cách nghệ thuật sau này của ông – nơi ranh giới giữa “nghệ thuật cao” và “văn hóa đại chúng” bị xóa nhòa.

Warhol đã tạo ra một cuộc cách mạng bằng cách đưa những hình ảnh và đối tượng bình thường, phổ biến trong đời sống hàng ngày và văn hóa tiêu dùng thành đối tượng của nghệ thuật cao cấp. Phong cách của Warhol tập trung vào việc tôn vinh và đôi khi châm biếm văn hóa tiêu dùng, những người nổi tiếng và quảng cáo hàng loạt trong xã hội Mỹ hiện đại. Ông lấy cảm hứng từ những vật dụng và hình ảnh phổ biến nhất trong cuộc sống hàng ngày, biến chúng thành đối tượng nghệ thuật. Ông là người đi đầu trong việc áp dụng kỹ thuật in lụa (silkscreen printing) vào hội họa. Kỹ thuật này cho phép ông sản xuất hàng loạt các hình ảnh, tạo ra sự lặp lại và biến thể về màu sắc, phản ánh tính chất sản xuất hàng loạt của văn hóa đại chúng. Bên cạnh đó, Warhol cũng nổi tiếng với việc vẽ chân dung những người nổi tiếng như Marilyn Monroe, Elvis Presley và các sản phẩm thương mại như Lon Súp Campbell’s (Campbell’s Soup Cans).

Warhol không chỉ là một họa sĩ; ông là một nhà bình luận xã hội sắc sảo. Ông bắt đầu sự nghiệp là một họa sĩ minh họa quảng cáo thành công tại New York và ông không ngần ngại đưa sự chuyên nghiệp thương mại đó vào thế giới nghệ thuật cao cấp. Việc lặp đi lặp lại hình ảnh thể hiện quan điểm của ông về việc hình ảnh bị bão hòa và tiêu thụ nhanh chóng trong văn hóa đại chúng.

Andy Warhol đã thay đổi cách chúng ta nhìn nhận về nghệ thuật và thương mại, khiến ranh giới giữa “nghệ thuật cao cấp” và “văn hóa đại chúng” trở nên mờ nhạt. Ông đề cao vai trò của truyền thông, thương hiệu và hình ảnh trong xã hội tiêu dùng. Andy Warhol đã trở thành biểu tượng văn hóa và là người mở đường cho các nghệ sĩ đương đại sau này như Jeff Koons, Damien Hirst hay Takashi Murakami.

8. Sandro Botticelli

Sandro Botticelli là một danh họa kiệt xuất của Florence, Ý và là một trong những danh họa vĩ đại của thời kỳ Phục hưng Ý, nổi tiếng với phong cách hội họa tinh tế, lãng mạn và đầy biểu tượng.

Sandro Botticelli sinh tại Florence, trung tâm văn hóa – nghệ thuật của Ý vào thế kỷ XV. Ông là một trong những nghệ sĩ được bảo trợ và có mối quan hệ gần gũi với gia tộc Medici hùng mạnh – những người bảo trợ nghệ thuật hàng đầu của Florence. Ông được đào tạo trong xưởng của Fra Filippo Lippi, một họa sĩ nổi tiếng thời bấy giờ và sớm thể hiện năng khiếu về màu sắc, hình thể và bố cục hài hòa. Trong suốt sự nghiệp, Botticelli chịu ảnh hưởng sâu sắc của chủ nghĩa nhân văn Phục Hưng – phong trào đề cao vẻ đẹp con người và sự hài hòa giữa lý trí, tôn giáo và tự nhiên.

Phong cách hội họa của Botticelli mang tính đặc trưng, dung hòa giữa vẻ đẹp lý tưởng hóa của con người và tính trữ tình, thơ mộng. Ông nổi tiếng với những đường viền mềm mại, uyển chuyển và tinh tế, tạo nên vẻ đẹp duyên dáng, thanh thoát cho các nhân vật. Botticelli sử dụng gam màu nhẹ, tinh tế, thể hiện không khí thanh khiết và mang tính biểu tượng cao. Không giống nhiều họa sĩ Phục hưng khác tập trung chủ yếu vào chủ đề tôn giáo, Botticelli nổi tiếng với các tác phẩm lấy cảm hứng từ thần thoại Hy Lạp và La Mã. Các nhân vật nữ của ông đặc biệt là các nữ thần, thường mang vẻ đẹp lý tưởng hóa, thanh tao và có phần u sầu, khác biệt với vẻ thực tế hơn của các họa sĩ sau này. Các tác phẩm của ông thường chứa đựng các ý niệm triết học sâu sắc về vẻ đẹp lý tưởng, đức hạnh và tình yêu thiêng liêng, phản ánh tinh thần nhân văn đang thịnh hành tại Florence thời bấy giờ. Hai tác phẩm nổi tiếng nhất của Botticelli đại diện cho đỉnh cao nghệ thuật của ông là: Sự ra đời của Thần Vệ Nữ (The Birth of Venus) – bức tranh mô tả nữ thần Venus đứng trên vỏ sò trôi dạt vào bờ biển, tượng trưng cho vẻ đẹp thuần khiết và tình yêu được xem là biểu tượng của nghệ thuật Phục Hưng, ca ngợi vẻ đẹp lý tưởng của con người và thiên nhiên và Mùa Xuân (Primavera) – một trong những tác phẩm phức tạp và biểu tượng nhất của ông, thể hiện nhiều nhân vật thần thoại như Venus, Cupid, Flora, Zephyr… Bức tranh ca ngợi sức sống, tình yêu và sự tái sinh của thiên nhiên, mang ý nghĩa nhân văn sâu sắc.

Botticelli là một trong những danh họa quan trọng nhất của thế kỷ XV, đại diện cho thời kỳ Phục Hưng Florence trước khi nghệ thuật chuyển sang phong cách hiện thực và tỷ lệ giải phẫu chính xác hơn của Leonardo da Vinci hay Michelangelo. Ngày nay Botticelli được xem là người khởi nguồn cho mỹ cảm lãng mạn và tượng trưng trong nghệ thuật châu Âu và là biểu tượng của vẻ đẹp lý tưởng hóa và tinh thần nhân văn Phục Hưng. Tư tưởng và thẩm mỹ của Botticelli tiếp tục ảnh hưởng đến nhiều nghệ sĩ hiện đại, từ các họa sĩ tượng trưng thế kỷ XIX đến các nhà thiết kế thời trang và nhiếp ảnh đương đại.

9. Edvard Munch

Edvard Munch là một trong những họa sĩ có ảnh hưởng nhất của cuối thế kỷ 19 và đầu thế kỷ 20, nổi tiếng với việc khai thác chiều sâu tâm lý con người như sự lo âu, nỗi đau khổ, bệnh tật, cái chết và tình yêu. Ông được xem là một trong những người tiên phong và có ảnh hưởng lớn nhất của Chủ nghĩa Biểu hiện (Expressionism) và Chủ nghĩa Tượng trưng (Symbolism).

Munch trải qua tuổi thơ nhiều mất mát, mẹ và chị gái ông qua đời khi ông còn nhỏ cũng như các vấn đề tâm lý trong gia đình. Chính những bi kịch này đã để lại dấu ấn mạnh mẽ trong tâm hồn và trở thành nguồn cảm hứng chủ đạo trong sáng tác nghệ thuật của ông, giúp ông tạo ra một phong cách nghệ thuật độc đáo.

Munch là nhân vật tiên phong và có ảnh hưởng lớn đến Chủ nghĩa Biểu hiện (Expressionism) nhấn mạnh việc thể hiện nỗi sợ hãi, lo âu, cô đơn và ám ảnh nội tâm của con người. Ông không vẽ lại những gì ông nhìn thấy một cách khách quan, mà tập trung vào việc thể hiện cảm xúc, tâm trạng và trạng thái tinh thần của con người. Ông chịu ảnh hưởng từ các họa sĩ hậu Ấn tượng như Vincent van Gogh và Paul Gauguin, nhưng đã phát triển phong cách riêng – sử dụng màu sắc mạnh mẽ, tương phản và các đường nét lượn sóng, bán trừu tượng để tạo ra sự rung động và bất an về mặt thị giác. Nghệ thuật của Munch mang tính tâm lý và triết học, mở đường cho hội họa hiện đại thế kỷ XX.

Tác phẩm nổi tiếng nhất của Munch và là một trong những hình ảnh mang tính biểu tượng nhất trong lịch sử nghệ thuật toàn cầu, chính là The Scream. Munch đã tạo ra nhiều phiên bản của The Scream (tranh sơn dầu, phấn màu và in trên đá) trong khoảng thời gian từ 1893 đến 1910. Bức tranh mô tả một nhân vật với khuôn mặt hốc hác, xương xẩu đang ôm đầu hét lên trong sự tuyệt vọng và cô đơn tột cùng. Phía sau là cảnh hoàng hôn đỏ rực như máu trên vịnh Oslofjord. Bức tranh này được xem là sự tuyên ngôn về nỗi lo âu (anxiety) của con người hiện đại khi đối diện với những khủng hoảng nội tâm và xã hội.

Edvard Munch có ảnh hưởng to lớn đến các họa sĩ Biểu hiện Đức như Ernst Ludwig Kirchner và nhóm Die Brücke. Ông được xem là người mở đường cho hội họa hiện đại, khi chuyển hướng từ hiện thực sang biểu hiện cảm xúc và tâm lý. Sau khi qua đời, Munch để lại hơn 1.000 bức tranh, 4.500 bản vẽ và 18.000 bản khắc cho thành phố Oslo, hiện được trưng bày tại Bảo tàng Munch (Munchmuseet). Ông không chỉ tạo ra những hình ảnh biểu tượng toàn cầu như The Scream, mà còn mở ra hướng đi mới cho nghệ thuật thế kỷ XX: nghệ thuật của tâm hồn, nỗi đau và bản thể con người.

10. Edgar Degas

Danh họa Edgar Degas là một trong những gương mặt tiêu biểu của trường phái ấn tượng, nhưng cũng mang phong cách rất riêng trong lịch sử nghệ thuật thế giới. Nghệ thuật của Degas nổi bật bởi khả năng quan sát tinh tế, bố cục độc đáo và sự nhạy bén trong thể hiện chuyển động của con người, đặc biệt là phụ nữ.

Degas sinh ra trong một gia đình tư sản khá giả, được giáo dục tốt và sớm bộc lộ năng khiếu hội họa. Ban đầu ông theo học luật nhưng nhanh chóng từ bỏ để theo đuổi nghệ thuật tại Trường Mỹ thuật Paris (École des Beaux-Arts), dưới ảnh hưởng của truyền thống cổ điển Ý.

Mặc dù thường được xếp vào trường phái Ấn tượng (Impressionism), Degas không hoàn toàn tuân theo nguyên tắc của phong trào này. Khác với các họa sĩ ấn tượng khác thường vẽ phong cảnh ngoài trời, Degas chủ yếu lấy cảm hứng từ cuộc sống thành thị Paris đương thời. Ông được mệnh danh là “họa sĩ của những vũ công” (Painter of Dancers). Hơn một nửa số tác phẩm của ông khắc họa các vũ công ballet, thường là trong hậu trường, lúc tập luyện, nghỉ ngơi hoặc chuẩn bị. Ông có khả năng phi thường trong việc khắc họa các tư thế và chuyển động phức tạp của cơ thể. Các nhân vật của ông đều được khắc họa rất chân thực, không được lý tưởng hóa. Ngoài ra, ông cũng được xem là bậc thầy của phấn màu (pastel) và sử dụng nó để tạo ra màu sắc phong phú và các nét vẽ mềm mại. Bố cục tranh của ông thường có những góc nhìn bất thường, bị cắt xén giống như chụp ảnh nhanh, tạo cảm giác về sự tự phát, chân thực. Một trong những bức tranh nổi tiếng nhất của ông là The Dance Class (1874) – khắc họa lớp học múa dưới sự hướng dẫn của thầy Jules Perrot. Bức tranh cho thấy ánh sáng tự nhiên xen kẽ ánh sáng nhân tạo, cùng bố cục lệch trung tâm – đặc trưng cho phong cách Degas.

Degas được xem là người kết nối giữa nghệ thuật cổ điển và hiện đại. Tác phẩm của ông ảnh hưởng sâu sắc đến các họa sĩ sau này, như Henri de Toulouse-Lautrec và Pablo Picasso, đặc biệt trong việc thể hiện chuyển động và không gian phi đối xứng. Edgar Degas được xem là “nghệ sĩ của chuyển động”, người đã đưa hình ảnh vũ công ba-lê trở thành biểu tượng của nghệ thuật Pháp thế kỷ XIX. Ông không tìm kiếm cái đẹp lý tưởng, mà tôn vinh cái thật, cái tự nhiên và cả sự mệt mỏi, nỗ lực trong nghệ thuật.

Những danh họa trên không chỉ tạo nên các tác phẩm kinh điển, mà còn định hình dòng chảy lịch sử nghệ thuật thế giới, phản ánh tư duy, cảm xúc và văn hóa của từng thời đại. Từ chủ nghĩa hiện thực của thời Phục Hưng đến tính trừu tượng của thế kỷ XX, mỗi người đã để lại dấu ấn sâu sắc, góp phần làm phong phú di sản nhân loại.

Một số nội dung khác tại BlogAnChoi:

Ryujin (ITZY) thử sức với vai chính đầu tay trong phim Night on Earth, hoàn tất quá trình quay và hứa hẹn bứt phá ở lĩnh vực diễn xuất

May Hong “K-Pop Demon Hunters” góp mặt trong phim kinh dị “Perfect Girl”

1. Picasso từ chối nói về tính biểu tượng của bức tranh

Các học giả đã cố gắng giải mã ý nghĩa của các biểu tượng trong Guernica, đặc biệt là hình ngựa và bò.

Picasso cuũng được yêu cầu giải thích về việc sử dụng những sinh vật này trong bức tranh của mình nhưng ông không bao giờ chỉ nói những điều khá “vô thưởng vô phạt” như “con bò này là một con bò đực” hay khẳng định rằng ông vẽ theo bản năng một cách vô thức, vẽ các đồ vật theo đúng bản chất của chúng.

2. Đánh giá ban đầu về bức tranh không tích cực

Ngày nay, Guernica được tôn vinh là một trong những thành tựu đầu tiên của Picasso, nhưng không phải lúc nào nó cũng được ca ngợi là một kiệt tác.

Khi được triển lãm lần đầu, một kiến ​​trúc sư đánh giá các bức bích họa đã viết rằng nó “chỉ nhìn thấy lưng của du khách”. Những người chê bai tác phẩm này nhiều nhất là nhà phê bình người Mỹ Clement Greenberg, họa sĩ và nhà cộng sản người Pháp Edouard Pignon, nhà triết học người Pháp Paul Nizan và họa sĩ trừu tượng người Mỹ Walter Darby Bannard. Mọi người cho rằng với tư cách là một tác phẩm nghệ thuật, Guernica là một trong những thứ tệ nhất trên thế giới, chỉ là nội dung khiêu dâm có kích thước 7mx3m.

Ngay cả chính phủ xứ Basque cũng không thích bức tranh, điều này dường như khiến Picasso vô cùng khó chịu. Tác phẩm hầu như không xuất hiện trên báo chí vào thời điểm đó.

3. Đức Quốc xã tấn công Guernica

Do thông điệp chống phát xít của Guernica và ác cảm cá nhân của Adolf Hitler đối với nghệ thuật hiện đại nên cuốn sách hướng dẫn chính thức của Đức dành cho Triển lãm Quốc tế ở Paris đã khuyến nghị mọi người không nên đến xem tác phẩm của Picasso.

Họ gọi nó là “một tập hợp các bộ phận cơ thể mà bất kỳ đứa trẻ bốn tuổi nào cũng có thể vẽ được”.

4. Đức sử dụng bức tranh này trong chiến tranh

Nhiều năm sau đó, quân đội Đức đã sử dụng bức tranh này trong một quảng cáo vào năm 1990 với khẩu hiệu: “Những hình ảnh thù địch của kẻ thù là cha đẻ của chiến tranh”.

5. Bức tranh truyền cảm hứng cho cuộc trao đổi giữa Picasso và một sĩ quan Gestapo

Nổi tiếng vì sự hóm hỉnh cũng như năng lực nghệ thuật của mình, Picasso từng đối thoại gay gắt với một sĩ quan Gestapo của Đức khi đề cập đến bức tranh mô tả sự tàn bạo của chủ nghĩa phát xít và chiến tranh.

Khi được một sĩ quan hỏi về bức tranh: “Ông đã làm điều đó à?”, Picasso được cho là đã trả lời: “Không, các ông mới là người đã làm vậy.”

6. Guernica tới New York trong Thế chiến thứ hai

Sau Hội chợ triển lãm Paris, Guernica đã đi khăp châu Âu trước khi đến Hoa Kỳ – đây là một phần trong nỗ lực gây quỹ cho những người tị nạn Tây Ban Nha – và tới một số thành phố lớn của Hoa Kỳ dưới sự giám sát của Bảo tàng Nghệ thuật Hiện đại Thành phố New York.

Theo trang web của Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (nơi hiện đang lưu giữ bức tranh), Picasso đã yêu cầu Guernica ở lại MoMA khi Thế chiến thứ hai nổ ra, và sau đó “gia hạn cho MoMA mượn bức tranh vô thời hạn cho đến thời điểm nền dân chủ được khôi phục ở Tây Ban Nha”. Mãi tới năm 1981, bức tranh mới quay trở lại Tây Ban Nha.

7. Guernica bị phá hoại bởi một nhà hoạt động phản chiến

Guernica từng bị tấn công vì mục đích chính trị. Năm 1974, Tony Shafrazi – người sau này trở thành một nhà kinh doanh nghệ thuật được kính trọng – đã phun sơn lên bức tranh. Khi bị an ninh bảo tàng bắt giữ, Shafrazi đã hét lên câu nói nổi tiếng: “Hãy gọi cho người phụ trách. Tôi là một nghệ sĩ.”

8. Bức tranh đã bị che đi trong bài phát biểu của Colin Powell

Từ năm 1985 đến năm 2009, Liên hợp quốc đã trang trí lối vào Hội đồng Bảo an bằng một tấm thảm tái hiện Guernica. Vào tháng 2 năm 2003, ngoại trưởng Mỹ Colin Powell đã có bài phát biểu trên truyền hình tại Liên Hợp Quốc để ủng hộ việc Mỹ sắp tuyên chiến với Iraq. Một tấm màn lớn màu xanh lam đã che tấm thảm trong bài phát biểu của Powell.

Các báo cáo cho rằng quyết định che khuất Guernica là do các nhà báo nghĩ rằng hình ảnh bạo lực sẽ gây khó chịu cho người xem chương trình phát sóng, cũng như chính quyền tổng thống Bush cho rằng việc trưng bày một bức tranh phản chiến dễ nhận biết như vậy là không phù hợp với bối cảnh thúc đẩy hành động quân sự của mình.

Bạn có thể đọc thêm:

• 15 điều ít người biết về David: kiệt tác điêu khắc của Michelangelo (Phần 1)
• 15 sự thật về kiệt tác hội họa “Bữa Tối Cuối Cùng” của Leonardo da Vinci (Phần 1)
• 11 điều bạn chưa biết về kiệt tác Đêm Đầy Sao của Vincent Van Gogh

1. Johannes Vermeer – Thiếu nữ đeo hoa tai ngọc trai

Tác phẩm này được vẽ vào thế kỷ XVII và có nhiều tựa đề như “Chân dung trong trang phục cổ”, “Một tác phẩm nghệ thuật hiếm có”. Tiêu đề mà chúng ta quen thuộc ngày nay mới được sử dụng cách đây không lâu.

Một số nhà nghiên cứu vẫn không chắc liệu chiếc khuyên của cô gái trong bức tranh thực sự là một viên ngọc trai hay là kim loại. Hơn nữa, họ thậm chí không thể biết đó có phải là khuyên tai hay không vì nó không có móc đeo. Vào năm 2018, một nghiên cứu mới đã chỉ ra rằng nền của bức tranh không phải màu đen mà là một bức màn màu xanh lá cây.

2. Edward Hopper — Những người đi chơi đêm

Đây là một trong những bức tranh nổi tiếng nhất trong nền nghệ thuật tranh sơn dầu Hoa Kì. Nhưng cái tên ban đầu của bức tranh này lại là “Night Hawks” – theo ghi chú trong nhật kí của vợ Edward Hopper. Có lẽ cái tên này có liên quan đến chiếc mũi khoằm hình mỏ chim của người đàn ông ngồi ở quán bar.

3. Grant Wood — American Gothic

Nhiều người tin rằng hai người trong bức tranh này là một cặp vợ chồng nhưng trên thực tế họ lại là cha và con gái: cha và em gái của họa sĩ vẽ tranh Grant Wood. Ông đã yêu cầu em gái mình mặc một chiếc tạp dề phổ biến mà các cô gái sống ở vùng nông thôn Iowa vào thời điểm đó hay mặc.

Khi Wood mang bức tranh này tham dự một cuộc thi tại Viện Nghệ thuật Chicago, một trong những giám khảo đã coi đây là một “lễ tình nhân hài hước”. Cuối cùng bức tranh đã giành được huy chương đồng và được mua bởi Viện Nghệ thuật. Một điều đáng chú ý khác là người dân Iowan rất tức giận khi Wood miêu tả họ như những người có cuộc sống bị chèn ép và có khuôn mặt dữ tợn.

4. Vincent van Gogh — Cà phê vỉa hè trong đêm

Vincent van Gogh thường sử dụng bầu trời đầy sao trong các bức tranh của mình. Mặc dù ông không ký tên vào bức tranh nhưng đây chắc chắn là tác phẩm của van Gogh vì ông đã mô tả chi tiết nó trong những bức thư gửi cho em gái mình. Đây là bức tranh đầu tiên ông sử dụng bầu trời đầy sao làm phông nền. Trong “Cà phê vỉa hè trong đêm”, các chòm sao được mô tả với chính xác đến mức các nhà khoa học có thể xác định rõ ràng ngày ông vẽ bức tranh là ngày 16-17 tháng 9 năm 1888.

Mặc dù van Gogh miêu tả bầu trời đêm trong bức tranh của mình nhưng ông lại hoàn toàn không sử dụng màu đen mà chỉ có màu xanh lam, tím và xanh lục.

5. Marcel Duchamp — Nude Descending a Staircase, No. 2

Bức tranh này của Marcel Duchamp được coi là một tác phẩm cổ điển theo trường phái hiện đại. Khi vừa xuất hiện, nó đã bị các họa sĩ theo chủ nghĩa lập thể từ chối vì quá tương lai và thậm chí còn bị chế giễu tại một cuộc triển lãm nghệ thuật.

6. J. M. W. Turner — Rain, Steam and Speed-The Great Western Railway

Bức tranh này được vẽ trong thời điểm của cuộc Cách mạng Công nghiệp, khi có sự thay đổi lớn từ nền kinh tế nông nghiệp sang sản xuất máy móc. Tuy nhiên các nghệ sĩ thời đó cho rằng hình ảnh công nghiệp không đủ tốt để mô tả trong tranh nên việc J. M. W. Turner chọn chủ đề như vậy cho bức tranh của mình chứng tỏ rằng ông đã đi trước thời đại, cho thấy tiến bộ công nghiệp là một điều gì đó đẹp đẽ và hấp dẫn.

Mặc dù hầu hết mọi thứ trong bức tranh đều được làm mờ để thể hiện sức mạnh của tốc độ, nhưng bạn vẫn có thể thấy một con thỏ chạy dọc theo đường đua. Có lẽ nghệ sĩ cho rằng công nghệ mới có thể trở nên nguy hiểm cho thiên nhiên và nhân loại trong tương lai.

7. Gustav Klimt — Nụ hôn

“Nụ hôn” có thể coi là cơ hội cuối cùng để cứu vãn danh tiếng của Klimt. Trước đó ông đã hoàn thành loạt tranh mang tên “Vienna Ceiling Paintings” tại đại sảnh đường của Đại học Vienna nhưng không được công chúng đón nhận.

Ông đã phải vay tiền để trả lại nhuận bút của mình cho Bộ Giáo dục Vienna nên khi bắt đầu vẽ tác phẩm mới này, ông thực sự gặp phải nguy cơ nợ nần và phá sản. Nhưng may mắn là Bảo tàng Belvedere của Vienna yêu thích bức tranh này đến nỗi họ đã mua nó trước cả khi ông hoàn thành tác phẩm. Vào thời điểm đó, đây là số tiền cao nhất từng được trả cho một bức tranh.

8. El Greco — Quang cảnh Toledo

“Quang cảnh Toledo” là bức tranh phong cảnh đầu tiên của Tây Ban Nha vào thời điểm đó. Một số nhà nghiên cứu cho rằng đây không phải là toàn bộ bức tranh mà chỉ là một phần tuy không có bằng chứng.

Nhân tiện, nếu bạn so sánh thành phố thực với bức tranh, bạn sẽ thấy rằng không phải tất cả các địa danh đều tương ứng với cảnh quan thành phố thực. Có lẽ nghệ sĩ muốn thể hiện tương lai của Toledo.

9. Georgia O’Keeffe — Drawing XIII

Georgia O’Keeffe hoàn thành bức vẽ này vào năm 1915 khi đang giảng dạy tại một trường đại học và nghiên cứu nghệ thuật trừu tượng.

Bà đã gửi bức vẽ này cho bạn mình và người đó đã mang chúng đến một phòng trưng bày vì nhận thấy chúng là “những thứ tinh khiết nhất, tốt nhất, chân thành nhất”. Sau khi phát hiện ra tác phẩm của mình đang được trưng bày mà không có sự cho phép, O’Keeffe đã nổi giận với người nhưng cuối cùng đồng ý để cuộc triển lãm tiếp tục.

10. Giuseppe Arcimboldo – Thủ thư

Giuseppe Arcimboldo đã tạo ra một vài bức chân dung bằng cách vẽ một tập hợp các đồ vật hoặc thực phẩm khác nhau. Những bức tranh của ông được coi là “chiến thắng của nghệ thuật trừu tượng trong thế kỷ XVI” khi chế giễu châm biếm những người sưu tập sách, những người quan tâm đến việc mua sách hơn là đọc chúng.

Tên ban đầu của bức tranh vẫn chưa được biết, và tiêu đề hiện tại của nó chỉ xuất hiện lần đầu tiên trong một kho lưu trữ đầu thế kỷ XX.

11. Leonardo da Vinci – Quý bà và con chồn

Ban đầu, các chuyên gia nghệ thuật nghi ngờ tác giả của bức tranh Lady with an Ermine là Leonardo da Vinci vì chữ ký của ông đã được thêm vào bức tranh muộn hơn nhiều so với khi nó được tạo ra.

Chỉ gần đây, các chuyên gia đã quét bức tranh bằng máy ảnh đa phổ để xem ban đầu nó trông như thế nào. Họ phát hiện ra rằng nó đã trải qua những thay đổi đáng kể trong quá trình trùng tu cẩu thả. Ví dụ nền ban đầu của bức tranh không phải là màu đen mà là màu xanh đậm. Nhưng quá trình quét đã xác nhận rằng tác giả của bức tranh thực tế là Leonardo da Vinci vì họ đã tìm thấy dấu vân tay của ông trên đó.

Bạn có thể đọc thêm:

• Những bí mật bất ngờ ẩn giấu trong những bức tranh nổi tiếng trên thế giới
• Ngày Halloween nói chuyện siêu nhiên: 9 điều mê tín nổi tiếng thế giới và câu chuyện đằng sau chúng
• 20 truyền thống kì lạ trong quá khứ khiến chúng ta đi từ ngơ ngác đến… sởn da gà